Game Blog do Amer

Ultimate Marvel vs Capcom 3

2012-01-22T03:26:00.001-02:00

Uma coisa que passou pela cabeça de muita gente quandoMarvel VS Capcom 3 chegou às lojas, foi: “quais personagens será que a Capcomvai lançar para download?”

Digo, o potencial para lançamento de DLC era praticamenteinfinito, basta olhar o imenso catálogo de personagens que tanto Capcom quantoMarvel possuem. E não é como se a casa do Ryu fosse dispensar a oportunidade defaturar mais alguns dobrões.

Infelizmente... após um começo promissor (Jill Valentine eShuma Gorath logo no lançamento? Nada mau!) ficamos a ver navios. Até que em umdia fatídico, a Capcom anunciou Ultimate Marvel VS Capcom 3.

Não chegou a ser uma surpresa, considerando o quanto aprodutora ama reciclar seus próprios títulos, mas sério? Nem um ano depois e járecebemos uma versão requentada do título que esperamos uma década pra receber?

Ah bem, que vai se fazer? Só nos resta tentar aproveitar oque nos foi dado, correto? Pois então vejamos se vale a pena gastar nosso suadodinheirinho para ver o Hulk e o Haggar trocando tapas mais uma vez.

AVANTE!!!

A história permanece exatamente a mesma do game anterior:Galactus, sempre determinado a comer planetas, decidiu almoçar o mundo dosheróis Marvel e o dos personagens da Capcom. Isso forçou os heróis e vilões desuas respectivas dimensões a unirem forças e chutarem a bunda uns dos outros,para decidirem quem estaria mais apto a espancar um glutão cósmico.

Bonito.

A única mudança real no enredo são os finais de algunspersonagens, que foram alterados para melhor comportarem os novos membros doelenco. Infelizmente, os desfechos que não foram mudados acabaram tornando-semais curtos, o que foi um passo para trás em minha opinião.

Pode parecer que estou procurando chifre em cavalo (e talvezeu esteja mesmo), mas se é pra lançar uma versão turbinada de um game já existente,a produtora deveria se preocupar apenas em acrescentar novidades e jamais emremover o que já estava de bom tamanho.

Droga, Capcom!

Gráficos e som receberam alguns retoques, mas permanecempraticamente os mesmos.

O menu principal foi redesenhado, a tela de seleção depersonagens idem, enfim, toda a interface do jogo foi redesenhada. Se isso ébom ou não, vai do gosto de cada um.

No jogo propriamente dito, a única mudança foi das barras deenergia, que receberam um novo visual. Não ficaram ruins, mas quem se acostumoucom a aparência das mesmas no Marvel VS Capcom 3 original, pode se distrair comelas até se habituar.

Fora isso, existem alguns cenários novos e os antigosreceberam uma nova pintura. Claro as versões originais deles ainda estãodisponíveis, então não precisa ficar apreensivo com a mudança caso tenha criadoxodó por alguma fase.

A trilha sonora não sofreu nenhum retoque felizmente e todosos temas musicais antigos voltaram de forma triunfante. Cada personagem novotem sua própria trilha e a qualidade delas varia entre sensacional (Nova), nostálgico(Phoenix Wright) e “meh” (Nemesis).

Os mesmos atores de antes emprestam suas vozes aospersonagens e agora alguns deles regressam com novas falas e provocações. Porexemplo, sempre que se depara com Phoenix Wright, Hulk diz: “Homenzinho não éFenix! Fênix é uma moça pássaro! Hulk confuso!” Pra quem apreciava os diálogos entre o elencono título anterior, aqui tem muito mais para encontrar.

A fórmula básica do jogo também não mudou. As batalhas sãodisputadas por trios de personagens, o jogador tem a sua disposição três botõesde ataque com variações de potência (fraco, médio e forte), além de um quearremessa o oponente para o ar, abrindo sua guarda para ataques aéreos.

Combos bem sucedidos preenchem uma barra de especial, quepode ser usada em ataques devastadores, capazes de virarem rapidamente umaluta. É possível trocar entre os membros de sua equipe a qualquer momento dabatalha ou combinar seus poderes em um ataque especial triplo devastador.

A mudança principal na jogabilidade foram os pequenosajustes feitos para equilibrar as partidas o máximo possível. Pequenos bugs eescolhas ruins de design que davam uma vantagem enorme a certos lutadores foramconsertadas ou removidas, o que traz uma chance de vitória mais igual a todos.

Claro, os jogadores mais casuais talvez não percebam muitasmudanças, mas os devotados a disputas profissionais (ou os que ficam até altashoras da madrugada jogando Online) perceberão a mais sutil das alterações.

Fora isso, o maior atrativo são os doze novos personagens,que engordam o número de participantes para 48. Ainda não chega nem perto doabsurdo que presenciamos em Marvel VS Capcom 2, mas sem dúvida é um acréscimonotável.

Não vou discutir a seleção de novos membros, pois gostardeles ou não é uma questão muito pessoal. Tendo em mente que os fãs da sérievão se dilacerar a dentadas em discussões sobre quem devia ou não ter entradoneste game, direi apenas que eles possuem um equilíbrio bem legal e trazem boavariação ao jogo.

Alguns dos recém chegados são fáceis de jogar (Nemesis e Punho deFerro), outros mais intermediários (Doutor Estranho e Motoqueiro Fantasma)e alguns foram feitos tendo em mente os mais obcecados dentre os jogadores(Vergil e Phoenix Wright). O que importa é que ao menos um deles se adequará aoseu estilo e tornar-se á parte fixa dentre sua equipe.

Possivelmente.

Mas o melhor acréscimo encontrado aqui é sem dúvida o modo “Heroes& Heralds”, que não vem direto com o jogo e deve ser adquirido através deum download gratuito. Basta ficar online com Ultimate Marvel VS Capcom 3, queele será baixado automaticamente.

Aqui, é preciso escolher entre “heróis” e “arautos”. Osprimeiros tem a função de defender a Terra e os segundos devem conquistá-lapara Galactus. Não existe nenhuma diferença entre as duas opções, foraestética, uma vez que todos os arautos são revestidos de prata.

Uma vez selecionado seu lado, é preciso lutar em áreas de umpequeno mapa, até erradicar todos os inimigos nelas presentes. A cada vitória,você receberá um card que lhe confere habilidades extras, como melhor defesacontra ataques especiais, restaurar energia automaticamente ou terinvencibilidade sempre que realiza um “dash” pela tela. Saber quais destesbônus são os mais vantajosos é fundamental, uma vez que os oponentes tornam-secada vez mais difíceis conforme se avança neste modo.

Pode não parecer muita coisa, mas Heroes and Heralds é extremamente divertido e viciante. Nãoapenas suas habilidades e reflexos são testadas aqui, mas também seu raciocínioestratégico. Quando você tiver terminado com todos os personagens no modoArcade e já estiver cheio de apanhar online de um guri Mexicano que o chama de “maricón”o tempo todo, sem dúvida passará muitas horas divertidas aqui.

Algo tão legal... e de graça? É quase como se a Capcomestivesse pedindo desculpas por nos extorquir tanto!

Seria esta uma boa ação... em um mundo desgastado?

...

Nããããããããããão.

No fim das contas, Ultimate Marvel VS Capcom 3 vale a pena?Sinceramente, isso vai de cada comprador.

Caso tenha se apaixonado por Marvel VS Capcom 3 e a idéia deter doze personagens novos lhe apeteça, então sim, experimente este jogo. Se otítulo anterior não o agradou de nenhuma forma, então não será este que o farámudar de opinião.

E vejamos pelo lado positivo, pelo menos a Capcom teve adecência de nos oferecer uma dose generosa de conteúdo novo. Não é como se elestivessem unicamente substituído o protagonista e agido como se tivessem lançadoum título inédito.

...

Oh não, eles fizeram isso com Dead Rising 2, não fizeram?

COM MIL DIABOS, CAPCOM!!!

Nota do Amer: 8.5

Cheers!!!

Katawa Shoujo

2012-01-15T03:01:00.001-02:00

Em 2007, um grupo de desocupados passava suas tardes no4Chan, que é o mais nojento e depravado site que já teve a falta de vergonha nacara de colocar seu URL na internet.

Sério, se você um dia tiver a necessidade de ver umailustração de um dragão tendo uma relação sexual com fezes... procure no 4Chan.Lá com certeza tem algo assim.

Enfim, em 2007, um sujeito que se dizia enfermeiro começou acontar a história de uma menininha que havia perdido as pernas, um braço e umolho em um acidente de carro que também tomou a vida de seus pais. Apesar dastradicionais piadas de pedofilia que ocorrem no site, muitos de seus membros secomoveram com a saga da menina e do rapaz que a ajudava e eventualmente aadotou.

Pouco depois, um outro sujeito criou uma arte conceitual doque seria um “simulador de encontros envolvendo meninas deficientes”. E nãodemorou muito para um grupo de frequentadores do site pensar “que grande idéia”!

E assim, estes camaradas fundaram o 4 Leaf Studios ededicaram quase cinco anos de sua vida a criar este sonhado game.

Bem, estamos em 2012 e Katawa Shoujo finalmente é umarealidade. Então, o que podemos dizer a seu respeito?

Venha comigo e vamos descobrir!

Aqui, jogamos com Hisao Nakai, um jovem que levava uma vidanormal, até o dia em que a garota de seus sonhos confessou que era apaixonada por ele. Neste momento, Hisao teve um ataque cardíaco e sua vida mudoupara sempre.

Após meses no hospital, Hisao descobriu que tinha arritmia,uma condição que fazia seu coração bater de forma descompassada, o que poderiaser fatal. Seus pais, junto do médico, decidiram então que o melhor para orapaz, seria ir para a escola Yamaku, preparada para atender jovens comnecessidades especiais.

Relutantemente, ele foi.

Ao chegar em seu novo colégio, nada restava a Hisao, excetoaceitar sua nova vida. Felizmente, ele não precisaria fazer isso sozinho, poisseis das estudantes demonstraram-se mais do que dispostas a auxiliá-lo nestatarefa.

Shizune Hakamichi e Shiina Mikado são as primeiras a seapresentarem. Shizune é surda muda e Shiina é sua intérprete, ambas são membrosdo conselho estudantil. Agressivas e extrovertidas, ambas querem recrutar Hisaopara o conselho e não medem esforços ou planos maquiavélicos para fazê-lo.

No completo oposto do espectro, estão Lilly Satou e HanakoIkezawa. Lilly é cega, extremamente calma e graciosa, enquanto Hanako tem ametade de seu corpo coberta por feias marcas de queimaduras e éincomensuravelmente complexada e introvertida graças a isso.

Finalmente, temos Emi Ibarazaki e Rin Tezuka. Emi perdeu aspernas em um acidente, mas é extremamente alegre e é também a estrela do timede corrida da escola. Rin nasceu sem os braços, mas parece não ligar muito paraisso... ou para qualquer coisa a seu redor, como a artista que é, ela pareceviver em sua própria dimensão a maior parte do tempo.

Então, no pouco tempo que tem na escola (o jogo parecepassar-se em menos de um ano), Hisao pode se apaixonar por uma destas meninas eter um romance com ela, contanto que faça as escolhas certas ao longo de suajornada.

O texto é magnificamente bem escrito e trata as deficiênciasdos personagens de forma excepcionalmente sensível e madura. Emboradiferenciemos as meninas inicialmente por seus problemas, aos poucos começamosa entender melhor suas personalidades e suas respectivas virtudes, bem comoseus defeitos.

Emi é muito forte fisicamente, apesar do que sua pequenaestatura e aparência delicada dão a entender... e é bem menos inocente do quesuas trancinhas nos fazem pensar.Da mesma forma, Hanako tem medos muito maisprofundos do que simplesmente ter de lidar com as pessoas que olhamindelicadamente para suas queimaduras.

As personagens são tridimensionais e é muito fácil se apegara elas. Muitos simuladores de encontros nos fazem clicar o mouse freneticamentepara chegarmos de uma vez às cenas de sexo. Aqui, queremos ler cada ffrase ediálogo e entender melhor estas meninas tão fascinantes. Ao final da partida,você estará irremediavelmente apaixonado por pelo menos uma delas.

Infelizmente, por melhor que seja a narração, ela não éperfeita. Alguns momentos mais dramáticos carregam texto em excesso e acabam setornando pedantes, ou simplesmente perdem a emoção. É uma pena chegar aresolução do romance com uma das meninas e ter aquele momento especial manchadopor um diálogo que poderia ter sido melhor concebido.

Mesmo assim, a maior parte do enredo comove e odesenvolvimento do personagem de Hisao é bastante visível. Um feito muito raroneste tipo de game.

A apresentação de Katawa Shoujo é bastante impressionantepara um jogo que não foi produzido com milhões de dólares.

A arte do jogo foi provavelmente produzida por pessoasdiferentes, pois nota-se uma certa variedade de estilos nos diversospersonagens encontrados ao longo da história. Alguns parecem ter sido pintadosem uma folha de acetato, outros passam a impressão de terem sido concebidos emum tablet e ainda existem aqueles que parecem ter sido desenhados em uma folhade papel e escaneados.

Dito isso, embora Katawa Shoujo mantenha uma qualidadevisual constante, podemos perceber que alguns personagens foram mais bemconstruidos que outros. No geral, as meninas são muito bonitas, enquanto oscoadjuvantes deixam um pouco a desejar.

Os cenários parecem ter sido construidos a partir defotografias tiradas dos mais variados cenários, que depois foram tratadas nophotoshop para obterem um ar mais... “de video game”... se é que isso faz algumsentido. Seja como for, esta acabou sendo uma excelente decisão para poupar osfundos que o 4Leaf Studio não tinha.

Finalmente, temos espetaculares animações que ilustram ofinal do primeiro ato, uma para cada garota. Não sei exatamente se elas foramcriadas em Flash ou feitas a mão (provavelmente o primeiro, considerando o altocusto do segundo), mas elas são belas e simples, e mesmo curtas, maravilharãoqualquer um que aprecie animação japonesa.

O som é meio modesto, mas também não faz feio.

Cada menina possui seu próprio tema, que varia entre casual,alegre, solene e melancólico, dependendo da personalidade que o mesmorepresenta. Existem inúmeras músicas que acompanham cenas diversas e elastambém se adequam a cada situação, criando atmosferas apropriadas a todomomento.

O som ambiente também tem uma boa dose de importância nacriação de uma cena. O burburinho de multidões, som de passos, comida sendofritada, chuva e muito mais realmente ajudam na ambientação e imersão dojogador em cada momento específico da história.

Infelizmente o jogo não possui nenhum tipo de dublagem, masnão se pode ter tudo, correto?

Falemos da jogabilidade. Permitam-me explicar como um gamedesse tipo funciona.

Simuladores de encontros são jogos movidos por uma história. Há uma quantidade enorme de texto, que é apresentado junto a imagens estáticas, dos personagens ou cenários onde tudo acontece.

Normalmente, existem diversas opções que definem qualcaminho seu personagem seguirá através do game. Por exemplo, se quiser namorar uma atleta, é precisose tornar um também, se estiver interessado em uma professora, é melhor virar intelectual e se quiser avançar o sinal com uma artista, é melhordescobrir quem foi Van Gogh.

Assim, títulos como True Love (só pra citar um) ofereceminúmeras maneiras de se prosseguir na aventura. É normal fazer sexo com pelo menos três garotas, antes de decidir qual delas seu personagem deve namorar aofim da aventura.

Katawa Shoujo não oferece muitas variações. Temos umaquantidade enorme de texto e desenvolvimento de personagens, mas as opções quenos permitem tomar rumos distintos estão muito separadas umas das outras. Alémdisso, em alguns casos fica bastante óbvio para qual ramificação da narrativaelas nos enviarão.

Próximo ao meio do Ato I, temos de optar por uma dentre trêsalternativas no jogo. Cada uma praticamente define com qual dupla de garotasmanteremos contato até o capítulo final. Tampouco existe muita dificuldade nas demais encruzilhadas, poisapós algum tempo de convivência com as personagens, é fácil saber qual escolhaé melhor para cada uma delas.

Por exemplo, não adianta forçar a barra com Hanako, é muitomelhor esperar ela se abrir sozinha, por mais que isso demore.

Mesmo assim, há como conseguir um final ruim. Então é bom prestaratenção a todas as conversas que surgirem na tela, ou pelo menos, salvar o jogono momento em que é preciso optar entre diálogos diferentes.

Katawa Shoujo tem boadurabilidade. A saga de cada menina leva por volta de 8 horas para sercompletada, o que pode lhe render quase 40 horas de entretenimento em frente aoPC. Claro, você pode optar por avançar todo o texto que encontrar, o que vaidiminuir o tempo de partida para 20 minutos por romance.

Eu faria uma piada sobre sexo veloz aqui, mas vou optar pormanter a classe desta vez.

Finalmente, SIM, Katawa Shoujo possui cenas de sexo, masmesmo elas são muito bem feitas e de bom gosto. Ainda assim, se preferir queseu simulador de encontros não possua conteúdo adulto, basta desativar talopção... bem, na tela de opções.

Pois é.

Katawa Shoujo tem algumas falhas e sem dúvida não agradará atodos. Mas o fato desta empreitada ter dado tão certo quando podia ter dado tão errado, já o torna digno de nosso respeito e admiração.

Assim como Streets of Rage Remake, este título prova o queprodutores independentes são capazes de fazer quando se concentram em umatarefa e dão tudo quem podem nela. A indústria poderia aprender um pouco aqui eacrescentar mais sensibilidade, ao invés de baionetas com serras elétricas aseus produtos.

Quem se interessou, pode baixar Katawa Shoujo gratuitamente aqui. Divirtam-se.

Nota do Amer: 10

Cheers!!!

X-Men Destiny

2011-12-04T15:23:00.000-02:00

Não sou o maior fã de X-Men do mundo. Adoro algumas das sagas dos quadrinhos (“Dias de um Futuro Esquecido” me vem à mente), gosto muito da ridícula série animada da década de 1990 e amo X-Men Evolution, mas a verdade é que nunca liguei muito para eles nos quadrinhos.O motivo é simples: sempre faltou um mínimo de estabilidade nas histórias dos personagens.

Os X-Men sempre estavam envolvidos em mega sagas gigantescas, cheias de personagens que nunca tinhamos visto e que só seriam relevantes para fãs ultra abilolados da Marvel. A formação da equipe mudava semanalmente, personagens morriam, ressuscitavam, morriam enquanto ressuscitavam, Wolverine perde o Adamantium, o recupera, Jean Grey volta dos mortos, é um clone, é a verdadeira, morre de novo, manipula Scott para que ele comece a ficar com a Rainha Branca, ele a trai semanas depois por nenhum motivo aparente, personagens saem do grupo, montam suas próprias equipes, voltam, Magneto é mau, fica bom, vira mau de novo, passa a trabalhar pro Ciclope... MEU DEUS DO CÉU!!!!! A vida da Lindsay Lohan tem mais lógica!

As adaptações dos personagens para outras mídias são mais organizadas, o que me dava maior gosto em acompanhá-las. Mas nos quadrinhos temos amontoados de bobagens que parecem ter sido criadas por roteiristas com egos inflados, que pareciam apenas querer superar aqueles que escreveram o titulo antes deles.

E é bem isso que X-Men Destiny parece, um monte de bobagens jogadas de qualquer forma, que tentam parecer grandiosas e que falham miseravelmente nesta missão.

A história começa em uma passeata organizada em homenagem ao Professor Xavier, falecido recentemente (mas não por muito tempo, tenho certeza). Tudo corre bem até que as pessoas presentes são atacadas por um grupo desconhecido. A culpa do atentado recai sobre Magneto e os membros dos “Purifiers”, uma milícia local, aproveitam a situação para prenderem todos os mutantes presentes. É quando os X-Men e a Irmandade se manifestam.

O jogador escolhe um dentre três personagens originais criados especificamente para o jogo. Grant, um universitário imprestável, Adrian, um sujeito ironicamente criado pelos Purifiers para odiar e caçar mutantes e Aimi, uma japonesinha que foi contrabandeada para os Estados Unidos por seus pais, para que não fosse aprisionada em um campo de concentração mutante em sua terra natal.

Após selecionar seu personagem e quais poderes ele terá (falo mais disso daqui a pouco), é preciso atravessar São Francisco, detonando Purifiers, resgatando inocentes e realizando sua própria investigação para descobrir quem é o verdadeiro culpado pelo ataque a passeata.No caminho seu personagem irá se deparar com membros dos X-Men e da Irmandade e terá de escolher a quem irá apoiar. Os discípulos de Xavier querem ajudar a todos que tiverem chance e os de Magneto querem chutar a bunda do planeta para acabar com o preconceito, o que faz todo o sentido do mundo.

Ok, vamos colocar assim, os três personagens principais são tão profundos quanto um pires e a história é mais magra que uma adolescente (paradoxalmente peituda) desenhada por Jim Lee. Não importa quem você escolha como protagonista, o enredo será sempre o mesmo e as decisões tomadas ao longo da partida não farão a menor diferença. A única mudança notável é a qual grupo você estará filiado durante a batalha final, o que muda apenas a última cena do jogo.

Se quisesse ser enrolado com uma saga grandiosa que vai do nada a lugar algum, eu leria “Guerra Civil” ou “Planeta Hulk”. Não preciso desse tipo de coisa nos meus games também.

A apresentação do jogo é pééééééééééssima, os produtores deram-se ao trabalho de fazer deste game o mais feio e ruim de escutar que puderam.

As texturas são feias e mal acabadas, os personagens parecem todos feitos de papel machê, sem carisma algum e recriados com o mínimo possível de detalhes para que o público pudesse apenas reconhecer quem é quem dentre os mutantes.

Digo, é preciso um esforço muito especial por parte do artista para se conseguir deixar a Emma Frost feia.

Os cenários são uma mesmice. Absolutamente todas as fases são locais pós-apocalípticos com prédios demolidos, construções abandonadas e que criam uma sensação constante de que estamos atravessando locais ultra barra pesada. Que eu me lembre, X-Men não se passa em um futuro pós guerra nuclear, o que torna esta escolha de ambientação totalmente equivocada em minha opinião.

Por outro lado, não leio os gibis dos personagens há anos, se neles o mundo decaiu a este nível, eu retiro o que disse a respeito da ambientação. Mas a falta de criatividade em detalhar estes cenários permanece. Existem inúmeros games que se passam em mundos devastados por uma calamidade qualquer e que mesmo assim, conseguem colocar alguma individualidade nas fases, algo em que X-Men Destiny fracassa miseravelmente.

A animação dos personagens não traz absolutamente nada de especial, é genérica na melhor da hipóteses. Os efeitos especiais dos poderes mutantes também são fraquíssimos e mesmo em seus níveis mais avançados, não se tornam vistosos o bastante para demonstrar a evolução de seu personagem.

O audio é lastimável. Os efeitos dos impactos são fracos, os sons que representam os poderes são genéricos e a trilha sonora é insipida e dispensável. A dublagem traz bons atores em alguns papéis, mas na maior parte do tempo, também não se salva.

X-Men Destiny é um daqueles games que aproveitamos melhor se tirarmos o som da televisão e plugarmos um aparelho de MP3 no cérebro.Ou, se conversarmos ao telefone com alguem, pra ajudar a passar o tempo da partida.

Amigo é pra essas coisas.

X-Men Destiny é um Hack N’ Slash, mesmo gênero das consagradas séries Baldur’s Gate e Diablo, ou mesmo da franquia X-Men Legends, lançada para a geração passada de consoles. O problema é não termos aqui absolutamente nada daquilo que tornou estes outros títulos tão memoráveis.

A jogabilidade resume-se a espancar um grupo de inimigos, mover-se para o próximo ponto marcado no mapa, massacrar mais gente e continuar neste ritmo até chegarmos ao chefe da fase. Mesmo o jogo sendo extremamente linear, o progresso pelas fases as vezes é difícil, devido ao horrendo design de cenários que não deixa claro para onde é preciso avançar em seguida.

O combate resume-se a metralhar botões. Sim, existem combos e é possível dar upgrade em seus poderes, mas tudo é tão pouco relevante que sequências de ataques comuns mostram-se igualmente eficazes na maior parte do tempo.

Falando em poderes, é possível escolher entre três tipos de mutação diferentes para seu personagem no começo do jogo. Infelizmente, a diferença entre eles é quase que unicamente visual e no fim não vale a pena jogar três vezes para testar qual deles se adequa mais a seu estilo. Escolha o que achar mais bonito e pronto, é tudo que você precisa.

Não há muita exploração também. Embora seja possível vagar um pouco pelo cenário atrás de itens, os mesmos não possuem grande relevância e logo você se cansará disso, dando preferência a prosseguir pela história de uma vez.

Como dito antes, os X-Men e a Irmandade o abordarão em diversos pontos do game e lhe pedirão por ajuda. Os heróis normalmente querem resgatar inocentes ou acabar com algum perigo que ameaça os mutantes locais, enquanto a Irmandade planeja principalmente causar atentados terroristas. Conforme ajuda uma das facções, você ganha pontos com a mesma, que definem qual será sua filiação ao final da aventura.

O sistema não é muito claro e a menos que ajude um grupo em período integral durante a história, não é muito fácil saber com qual dos dois você estará em melhores termos. A diferença entre as alianças é outra puramente estética, onde a única real mudança são os uniformes que ficam a sua disposição.

Uma única partida do começo ao fim é mais que o suficiente para se ver tudo que este game tem a oferecer. Se tiver saco de terminá-lo, você é um herói maior que o Wolverine.

X-Men Destiny é um título medíocre, que utiliza uma franquia conhecida como forma de vender algumas cópias aos fãs desavisados. O mais triste é que havia um potencial enorme aqui, mas seus produtores não se deram ao trabalho de lapidar este diamante e assim perderam uma oportunidade única.

Caso ainda esteja com o dedo coçando para jogar com Wolverine e os demais Mutantes, baixe o jogo de Arcade pela PSN ou Xbox Live. Vale MUITO MAIS a pena.

Nota do Amer: 4.0

Cheers!!!

Final Fantasy Anniversary Edition

2011-11-20T18:25:00.000-02:00

Acho que meu gosto por jogos clássicos é bastante notável.Já escrevi toneladas de artigos sobre títulos de 8 e 16 bits e diabos, pretendoescrever muitos mais ainda.

Mas infelizmente, existem títulos que não resistem ao testedo tempo. Aquilo que era bom há 10 ou 20 anos atrás, as vezes envelhece muitomal, sem contar as idéias fantásticas que nasceram em uma época onde atecnologia simplesmente não era avançada o suficiente para lhes dar a vida quemereciam.

Desta forma, acredito que diferente do cinema, os games sãoum meio que se beneficia um bocado dos Remakes. Nada como ver um game querido eantigo, cujas falhas tornaram-se mais notáveis que as qualidades, ser recriadocom recursos atuais e atingir a grandeza que lhe era de direito.

É o caso de Final Fantasy. Um bom game para sua época, masquase injogável para os padrões atuais.

Felizmente, ele foi recriado inúmeras vezes para diversasplataformas. E hoje falarei um pouco da versão que é a minha favorita.

Em Final Fantasy, conhecemos um mundo que é regido porquatro cristais mágicos, que possuem, cada um, o poder de um dos elementos.

Com o passar dos séculos, os cristais perderam seus poderese tornaram-se meras pedras incolores, sem energia e sem vida. Os ventostornaram-se perigosos, o mar ficou agressivo, a terra ruiu e o fogo perdeu seubrilho. O mundo estaria em sérios apuros se algo não fosse feito logo.

Eis que surgem quatro destemidos heróis, cada um carregandoconsigo um dos cristais. Eles são os lendários “Warriors of Light” e tem comomissão restaurar estes artefatos a sua antiga glória.

Assim eles avançam em sua missão. Viajam pelo mundo,resolvem problemas em seu caminho, ajudam pessoas e cidades e aos poucosencontram os quatro templos elementais para recuperar a energia dos cristais etrazer de volta o equilíbrio ao mundo.

A história é extremamente simples, sem reviravoltasdramáticas ou narrativas complexas. Os quatro protagonistas sequer possuemhistórias pessoais, o jogador os cria eles nunca deixam de ser arquetiposjogáveis.

Por um lado, esta narrativa de conto de fadas pode afastarquem gosta de roteiros complicados com personagens cheios de traumas einseguranças, mas eu acredito que algo assim é uma lufada de ar fresco nomercado atual de JRPG’s, tão preocupado em entupir seus jogos de conteúdotécnico e desenvolvimento de personagens demasiadamente complicado, que suaessência praticamente se perde.

E existe algo de muito charmoso na simplicidade vigente deFinal Fantasy. Mais jogos da atualidade deveriam tentar ser como ele.

Eu sempre acreditei que o PSP é um monstro na hora dereproduzir jogos em 2D. Claro, o console pode fazer visuais em 3D muito bons,mas acredito que é com Pixels que ele excede qualquer expectativa e não consigoentender por que mais produtoras não optaram por seguir esse caminho.

Isso tudo é pra dizer que Final Fantasy Anniversary Editionpossui um visual belíssimo, que se assemelha muito a gráficos da geração 16bits, mas com um nível espetacular de detalhes e em alta definição.

A identidade visual permanece a mesma de mais de vinte anosatrás. Todas as cidades, masmorras e inimigos permanecem nos mesmos lugares,mas muito mais bonitos e vistosos. Mais ainda, os membros de seu grupo são maisuma vez bonequinhos em SD inacreditavelmente fofos e adoráveis, algo que foitradição na série até Final Fantasy VI.

E os programadores optaram por não consertar o que nãoestava quebrado. Nos combates os únicos que possuem animação são os heróis, oschefes permanecem belíssimas imagens estáticas, como também era tradição nosjogos da série até a geração 16 bits.

Algo que foi bastante melhorado no entanto, são os efeitosespeciais das magias, que tornaram-se bastante bonitas e impressionantes. Holye Flare nada devem em visual aos poderes vistos em outros títulos da franquia.

A trilha sonora dispensa apresentações. A composição deNobuo Uematsu é sempre espetacular (e em alguns casos, uma das poucas coisasque se salvam em um jogo) e aqui, ela é representada com perfeição. FinalFantasy Anniversary Edition é um daqueles títulos que pedem por um par de fonesde ouvidos, unicamente pela qualidade de sua trilha sonora.

Os efeitos dos ataques normais são simples,possivelmente para evocar uma certa nostalgia pela época do lançamento originalde Final Fantasy. Não existe nenhum tipo de dublagem ou narração, massinceramente, elas nunca foram necessárias aqui e isso é algo que não mudou.

Como Final Fantasy não possui heróis ou personagenspré-determinados, cabe ao jogador criar seu próprio grupo. Para isso, ele temde escolher sabiamente entre seis classes de personagens.

O “Warrior” é 50% do poder ofensivo do grupo, ele podeequipar inúmeros tipos de armas e armaduras e normalmente é quem dura mais nasbatalhas. Sem um desses, seu grupo não vai aguentar muito.

“White Mages” e “Black Mages” cuidam das magias,respectivamente de cura e ataque. Ambas as classes são fracas fisicamente, maspodem dão apoio muito bom no começo do jogo e se evoluidos corretamente,tornam-se verdadeiras máquinas de matar próximo ao fim.

Os “Red Mages” podem usar parte das magias Brancas e Negrase ataca... quase como um Warrior. Verdade seja dita, ele parece muito útil masé tão eficiente trazer uma pedra para uma briga de arsenais nucleares.

Finalmente, temos o “Thief” e o “Monk”, que são praticamentevariações do Warrior, só que de baixa manutenção. O Thief pode usarequipamentos leves e é ágil, mas possui poder de ataque baixo, já o Monk quasenão tem equipamentos a sua disposição, mas pode causar um dano devastadorquando desarmados.

Verdade seja dita, equilíbrio não é um dos pontos fortesdeste jogo. Um grupo eficiente inclui um Warrior, uma White Mage e um BlackMage, qualquer formação que não inclua estes três quebrará suas pernasmonumentalmente.

Da mesma forma, um jogador dedicado, que passe horasganhando experiência com seu grupo, maximizará seu poder ofensivo muito rapidamentee o jogo inteiro vai virar mel na chupeta. Final Fantasy Anniversary Editionoscila entre desafio equilibrado e moleza absoluta, dependendo unicamente dequanto você gosta de fazer Grinding.

A progressão na aventura é bastante simples. Basicamentevocê irá até uma cidade, conversará com as pessoas de lá e receberá a missão deresolver os problemas do lugar, que podem ser coisas como resgatar uma princesaou espantar os piratas que decidiram fazer das instalações locais sua moradia.

Ao cumprir sua tarefa, você será imediatamente recompensadocom algo que permitirá o prosseguimento da aventura, seja um barco, canoa,ponte ou qualquer outra coisa do tipo. Eventualmente, você chegará aos temploselementais e terá de derrotar um chefe a fim de restaurar o poder dos Cristais,e assim sucessivamente.

É um estilo extremamente simples e linear de progressão, masé perfeito para um título de 1987. O avanço é muito instintivo e dificilmentevocê irá se perder ou não saberá para qual lugar deve ir em seguida.

As batalhas funcionam ao estilo clássico da série. Osinimigos surgem em momentos aleatórios enquanto sua equipe caminhar pelo mapamundial ou por masmorras, o combate se dá pela escolha de opções em um menu,que também é extremamente fácil de entender e dominar.

Equipamentos podem ser comprados em cidades, e o mesmoacontece com magias. Os feiticeiros de seu grupo tem um espaço limitado paraaprenderem novos ataques, então é preciso escolher sabiamente o que adquirir aochegar em uma nova cidade. O nivel de customização nunca vai além disso diga-sede passagem, mas é bastante apropriado.

Mesmo para os padrões atuais, Final Fantasy permanece um jogobastante grande. Existem muitos lugares a serem explorados e segredos para sedescobrir, as melhores armas e equipamentos estão ocultos em partes perdidas domapa e Bahamut está em uma caverna, esperando para promover sua equipe etorná-la ainda mais poderosa. Final Fantasy é um título que recompensa bastanteaos jogadores que gostam de desviar do caminho principal.

Aliás, existem Dungeons exclusivas nesta versão, com chefesextras e inimigos mais fortes que o normal, desafio perfeito para aquele ponto da partida em que você já fez tudoque o jogo principal tinha a oferecer.

E para o gamer com pouco tempo, existe apossibilidade de salvar a partida para recomeçá-la quando bem entender. Umafuncionalidade básica, mas que nunca se tornou o padrão nos JRPG's. Uma pena.

Parece meio difícil de acreditar, mas houve uma época em que não existiam Cloud, Squall, Vahn ou Lightning e Final Fantasy era um título simples, que trazia jogabilidade e diversão ao invés de desperdiçar gráficos estupendos em mundos imensos que apesar de densamente povoados, conseguem ser incrivelmente vazios.

É um tempo que nunca mais voltará, mas sempre podemos revisitá-lo. Final Fantasy Anniversary Edition é a forma perfeita de fazê-lo.

E seja honesto, você vai nomear o Warrior de seu grupo de “Cloud”, não?

É, todo mundo faz isso.

Nota do Amer: 8.0

Cheers!!!

Batman: Arkham City

2011-11-13T17:34:00.000-02:00

Games de super heróis normalmente são um tiro no escuro. Vezou outra temos bons títulos, mas grande parte das vezes, eles não passam deprodutos genéricos que se baseiam na imagem de um personagem e no carinho deseus fãs para vender algumas cópias.

Então, alguns anos atrás, veio Batman: Arkham Asylum, o gamedefinitivo baseado em um herói de quadrinhos, que fazia absolutamente tudocerto. Logicamente, toda comunidade gamer ficou boquiaberta e estupefata,imaginando o que seus produtores fariam a seguir.

Bem, este dia chegou e as expectativas não poderiam ser maisaltas. Depois de todos os trailers, previews, imagens e especulações dejornalistas incompetentes (oh Deus, que custa pesquisar os nomes dos vilões doBatman?), Batman: Arkham City finalmente está em nosso alcance.

Valeu a pena a espera? Pois é o que veremos agora!

PARA A BAT-CAVERNA!!!

Quincy Sharp, antigo diretor do AsiloArkham, conseguiu após uma campanha eleitoral duvidosa, tornar-se o prefeitode Gotham City. Seu primeiro ato no poder foi erguer uma imensa muralha aoredor da periferia da cidade e transferir todos os internos do Arkham, bem comoos prisioneiros da penitenciaria Blackgate para esta nova locação e lámantê-los isolados.

Esta nova área recebeu o nome de Arkham City.

Logicamente, as coisas não correm tão bem quanto parecem.Auxiliado pelo Dr. Hugo Strange, Quincy utiliza sua nova super prisão como umaforma de livrar-se de seus inimigos político. E claro, uma cidade inteiradeixada nas mãos de super criminosos, não tem como acabar em um final feliz.

É aí que Batman entra. Após se deixar capturar como BruceWayne, o Cavaleiro das Trevas tem de descobrir quais os planos verdadeiros deHugo Strange e relutantemente, precisa ajudar o Coringa, cuja saude tem sedeteriorado desde os acontecimentos do game anterior.

A história foi escrita por Paul Dini, um dos melhoresroteiristas em atividade hoje em dia e um dos responsáveis por Batman: AnimatedSeries e todas as animações posteriores com o universo DC. Em outras palavras,ele é alguem que entende muito bem os personagens do game e os escreve como devemser.

Diga-se de passagem, personagens são uma coisa que não faltaaqui. Batman: Arkham City não se prende apenas aos vilões clássicos e muitosoutros que não são tão conhecidos do grande público tem sua chance de brilharaqui. É o caso de Victor Zsasz, Pistoleiro, Solomon Grundy, Chapeleiro Louco emesmo personagens eternamente indecisos como Azrael, dão as caras nas cidadedilapidada.

Talvez as mais notáveis presenças no entanto, sejam oPinguim, notoriamente ausente no game anterior, mas que aqui mostra porque é umdos maiores inimigos de Batman, e a Mulher Gato, dona de sua própria campanhadentro do jogo.

Isso é, se você comprou Batman: Arkham City lacrado ebaixou os capítulos da senhorita Kyle.

Este é um game que respeita o universo de seus personagens eos entrega em sua melhor forma para o público. Um fã do Cavaleiro das Trevasnão poderia pedir mais.

A apresentação do título é espetacular, pra se dizer o mínimo.

Os gráficos novamente foram construidos com a Unreal Engine,que se vocês bem lembra, as vezes deixar os personagens com a aparência de quempassou por um ralador de queijo. Aqui, isso ainda acontece em alguns casos, masna maior parte dos casos, as texturas foram bastante refinadas.

O elenco também foi criado de forma a parecer novo efamiliar. Você reconhecerá cada um dos heróis e vilões aqui presentes assim queos avistar, mas uma segunda olhada mostra que os produtores não sentiram anecessidade de se prenderem aos modelos clássicos dos mesmos.

O game também capricha nos detalhes. A cada nova etapa, ouniforme de Batman traz mais danos, os vilões possuem uma linguagem corporalúnica e a cidade mantém-se perpetuamente em movimento, dada a enorme quantidadede estimulos visuais aos quais somos submetidos.

Quando planar pelos telhados, preste atenção nos flocos deneve que acumulam-se sobre a capa de Batman.

A animação é fantástica, com movimentos fluidos e realistasquase que na totalidade do tempo. Vez ou outra, ao nocautear um vilão, o jogo otratará como um bonecão de pano que não se move como um corpo humano faria, masfora estes pormenores, não há nada do que reclamar aqui.

O som também não deixa a desejar, com uma trilha sonorasombria, poderosa e estóica, que combina perfeitamente com o universo em queBatman vive. Os efeitos sonoros também foram criados com enorme cuidado ecomplementam ainda mais a sensação de que Arkham City é um lugar vivo e densamentepopulado.

Mas o maior destaque mesmo vai para a dublagem, que pode serfacilmente considerada uma das melhores já criadas em um videogame.

Kevin Conroy e Mark Hammil retornam como Batman e Coringa,papéis que fazem há quase duas décadas e que interpretam com a perfeição quelhes é esperada. O elenco possui outros dubladores do maior quilate, como GreyDelisle (Mulher Gato), Tara Strong (Arlequina), Corey Burton (Hugo Strange), MauriceLamarche (Sr. Frio) e Nolan North, totalmente irreconhecível como O Pinguim.

Se existe um game que merece ser jogado em um monitorgigantesco com o melhor sistema de som que o dinheiro pode comprar, sem dúvidaé esse.

Antes de prosseguir, eu gostaria de deixar claro que nãoconsidero Batman: Arkham City um jogo sandbox. Embora exista um bocado deliberdade, você não pode fazer absolutamente tudo que lhe der na telha. Batmannão sai por aí espancando gente inocente, por exemplo.

Assim, classifico este como um título de ação em um cenárioaberto. Algo que já é bom o bastante em minha opinião.

Arkham City tem pelo menos o dobro do tamanho de ArkhamAsylum, mas é muito mais densa e intimidadora. Na primeira vez que jogar, vocêpode sentir uma certa desorientação, o que é totalmente normal quando umcenário tão imenso é aberto a sua frente.

Embora o progresso na história seja linear, você podeacessar as missões principais quando bem entender. Se avançar pelo enredo semperder tempo, você possivelmente terminará Batman: Arkham City em um fim desemana, mas com a massiva quantidade de Side Quests, acho muito pouco provávelque consiga.

Existe conteúdo extra o suficiente para distraí-lo do jogoprincipal. Você pode colecionar os troféus do Charada (400 desta vez), tentardecifras os inúmeros enigmas espalhados pela cidade, proteger os prisioneirospolíticos dos criminosos verdadeiros da cidade ou prosseguir em uma das missõesopcionais que o coloca contra (ou do mesmo lado) que um dos vilões. É possívelgastar muitas horas jogando e jamaisavançar pela história.

O Detective Mode também voltou e com muito mais opções.Sempre que se deparar com a cena de um crime, é possível investigar desdemanchas de sangue no chão, até a trajetória de balas. Trabalhar na solução dosinúmeros delitos que ocorrem na cidade é muito mais satisfatório do que jamaisfoi.

O combate foi muito refinado e flui melhor do que no gameanterior. O núcleo do sistema permanece o mesmo, mas agora existem mais opçõese Upgrades a serem comprados, que facilitam ainda mais sua vida, contanto quetenha a habilidade necessária para utilizá-los durante as lutas.

Um dos melhores acréscimos é sem dúvida uma sequência desocos rápidos que Batman aplica em inimigos de grande porte, ou naqueles queestejam tonteados. Além do alto dano que causa (o que encerra as batalhas maisrápido do que em Batman: Arkham Asylum), este ataque aumenta rapidamente acontagem de combos, o que lhe permite usar com mais frequência as finalizaçõesdisponíveis para cada personagem.

Os contra ataques também estão mais eficientes, uma vez queagora é possível defender-se de múltiplos capangas de uma só vez. Isso diminuimuito a frustração causada em certos combates do título anterior, onde estarcercado de bandidos era praticamente morte certa.

As lutas contra os chefes foram bastante aprimoradas e sãonecessárias estratégias totalmente diferentes para cada um deles. Em certasocasiões, as condições de vitória não são totalmente claras, mas descobri-las éparte da diversão. A luta contra o Sr. Frio é uma das mais empolgantes jácriadas dentro de um título de ação.

Infelizmente, a câmera não é perfeita. Dependendo do cenárioem que estiver e do número de inimigos na tela, a mesma poderá se posicionar emum ângulo que dificulta um bocado seu combate e reajustá-la constantementetorna-se quase uma necessidade. Tal problema não chega a ajeijar o jogo, massem dúvida interfere na fluidez de certos embates.

Logicamente, partir para um confronto direto não é a únicaforma de resolver seus problemas. Batman: Arkham Asylum trouxe uma das melhoresjogabilidades estilo “Stealth” já criadas, e a continuação apenas melhora o quejá era excelente.

Todas as táticas de aproximar-se sorrateiramente por trásdos inimigos, assim como dependurar-se em gárgulas e surpreendê-los com umataque vindo de cima, ainda estão presentes, mas com melhorias bastantenotáveis. Sempre que inimigos armados o avistarem, é possível utilizar umabomba de fumaça para escapar mais facilmente, assim como outros equipamentos otornam imune a tecnologia mais avcançada que alguns soldados utilizam nas horasfinais da aventura.

Por falar em equipamentos, há uma lista imensa dos mesmospronta para ser comprada dentro de um do jogo. Sempre que ganhar Level, você poderáadquirir um dos acessórios disponíveis para o Cavaleiro das Trevas, desdemelhorias para o Bat Traje e novas técnicas de combate, até novas tralhas paraauxiliá-lo em sua missão. Para isso, é necessário acumular experiênciacompletando as missões principais, realizando as Side Quests, ou simplesmenteespancando meliantes pelas ruas da cidade.

A evolução do personagem se dá de forma bastante natural ena maior parte do tempo, você estará preparado para as durezas que Arkham Cityjoga em seu caminho. Talvez seja necessário completar a história duas vezes(falo mais disso daqui a pouco) para se ter acesso a tudo que está disponível,mas não é preciso fazer “grinding” em momento algum.

Agora, falemos um pouco da Mulher Gato.

Como eu disse antes, se comprar Batman: Arkham City novo, você receberá umcódigo que deve ser usado na rede de seu console (Xbox Live ou PSN). Ele lhepermitirá baixar gratuitamente a personagem, assim, sua aventura seentrelaçará com a de Batman e será possível controlá-la em breves intervalos dacampanha principal.

Se alugou o game, emprestou de seu amigo ou comprou usado,terá de pagar pelo privilégio de usá-la. Se não quiser se submeter a isso,então jogará apenas a campanha do Cavaleiro das Trevas, sem interrupções. Ajornada de Selina Kyle não chega a ser vital para o entendimento oudesenvolvimento do enredo, mas é um acréscimo bastante divertido.

A Mulher Gato funciona como uma personagem totalmentediferente de Batman, com acessórios e habilidades únicas. Ela não pode planarpela cidade, mas pode escalar certas superfícies e caminhar pelo teto emambientes fechados, o que acrescenta uma bem vinda variação à jogabilidade.

Ela também possui seus próprios Troféus do Charada paracoletar (40 ao todo) e sua campanha fica permanente aberta no menu principaldepois que a completamos. Uma chance para aqueles que não fizeram tudo quepodiam com ela, de corrigirem seu erro.

Para aqueles que optarem por jogar nos niveis Normal ouHard, Batman: Arkham City ainda libera o New Game +, onde é possível recomeçaro jogo com todas as habilidades compradas anteriormente. Para aqueles quecurtem ser Overpower, esta opção fez falta em Batman: Arkham Asylum.

Finalmente, os Challenges estão de volta, com salas decombate e onde é preciso eliminar os inimigos em um ambiente de formasorrateira. Além de Batman, é possível enfrentar estes desafios com a MulherGato (se a baixou, claro), Robin (brinde da edição especial, que também estarápara download no fim de Novembro) ou Asa Noturna (que pode ser baixado já).Cada personagem funciona de forma única e dominar a todos o manterá ocupado porsemanas.

Os produtores de Batman: Arkham City pegaram tudo quefuncionou no primeiro game e melhoraram, bem como corrigiram as pequenas falhasque podiam ser encontradas nele. O resultado final é um dos maisimpressionantes títulos estrelados por um super herói e um verdadeiro exemplode aprimoramento para todos que trabalham no ramo.

Esta é uma das melhores opções disponíveis nomercado atualmente e que deveria ser comprada por todos que tem um mínimointeresse em games de ação.

A menos que você não seja um fã do Batman. Neste caso, deveria ser internado, assado e comido por sua blasfêmia. Verme biltre e abilolado!

EU SOU A NOITE!!!

Nota do Amer: 10

Cheers!!!

Deathsmiles

2011-10-08T23:11:00.000-03:00

E aqui começa a o mês de Outubro, época tão feliz onde monstros, diabos e cruz-credos saem por aí em busca de abraços... ou do fígado de uma virgem, o que vier primeiro. E nada melhor para iniciar a temporada do que falar de Deathsmiles, Shooter sensacional que é protagonizado por quatro bruxinhas!

“O QUÊ? AHHHH NÃO, PERDEU A NOÇÃO, MANO! FALAR DE BRUXINHAS??? CÊ É MÓ OTAKO!!! NÃO MANJA NADA!!! FALA TAMBÉM DE PEQUENO PÔNEI QUE EU SEI QUE CÊ GOSTA!!! PÔNEIZINHO COLORIDO PULULANTE É O QUE O ABNEY CURTE!!! HU-HU!!!

Em primeiro lugar, se escreve “Otaku”, seu Otaku!

Em segundo, sim, gosto do desenho novo de “Meu Pequeno Pônei”. Todos deveriam gostar.

Em terceiro, vou falar de um game com bruxinhas... no mês das bruxas. QUE PARTE DISSO VOCÊ NÃO ENTENDEU???

Se bem que algumas fontes referem-se as heroínas do game como “anjos” e pra ser sincero, elas parecem muito mais com fadas que bruxas. Exceto por Sakura, que é a única que realmente se veste como uma bruxa.

...

DEATHSMILES!!! HOORAY!!!

Aqui, descobrimos a existência do mundo de Gilverado, uma terra mágica paralela a nossa. Sempre que uma criança desaparece em nossa realidade, devido a algum acontecimento trágico (um acidente de carro, por exemplo) ela na verdade foi “transportada” para o mundo de Gilverado.

E o que acontece com estas crianças por lá? Bem, um senhor conhecido como Conde Dion as encontra e as cria como se fossem suas. Ele também treina aquelas que tem habilidade com mágica, para que possam proteger Gilverado.

E por motivo nenhum que faça sentido, todas as crianças que ele resgatou são garotas... menores de idade... que ele prontamente veste de Gothic Lolitas.

...

Existe algum velho que não seja tarado?

As protagonistas do game são as quatro filha de Dion. Rosa, a mais velha, Americana que sofreu um acidente de carro, Fowlett, Francesa que caiu em um rio congelado, Windia, Inglesa que foi sequestrada quando ia para a escola e Casper, caçula da Alemanha, que não lembra as circunstâncias que a fizeram acabar em Gilverado.

Nossa história começa de fato com a chegada de Sakura, outra menina Inglesa que sofreu um acidente de carro e foi parar em Gilverado com seus pais. Antes que Dior pudesse encontrá-los, eles foram expulsos da cidade pelas pessoas amedrontadas e tiveram de refugiar-se no pântano. Revoltado e enlouquecido de fúria, Jitterbug, pai de Sakura, a abandonou com sua mãe ferida e partiu em busca de um feitiço para voltar para casa, libertando inúmeros horrores em seu caminho. É aí que as filhas de Dior entram.

O enredo não ganha nenhum Oscar (e que se dane, o Oscar é uma papagaiada), mas é muito fácil criar apego pelas carismáticas personagens. Você vai criar um xodó por uma das cinco irmãs, isso eu garanto.
E cada personagem ainda possui dois finais, que dependem de uma escolha feita após a batalha final. Isso duplica o tempo de jogo, é meio difícil abandonar Deathsmiles antes de sabermos tudo que aguarda nossas bruxinhas.

Ou serão anjinhas mesmo?

...

Lolitas voadoras?

Deathsmiles não tenta ser grandioso em sua parte técnica, mas faz um excelente trabalho em sua simplicidade.

A primeira vista, os gráficos parecem Sprites em 2D, mas na verdade são modelos poligonais trabalhados para darem essa impressão. Diga-se de passagem, todos são muito bem feitos e detalhados.

Cada uma das meninas possui uma identidade visual própria; Rosa é mais sensual e exibe bastante o corpo, Fowlett é mais discreta embora ainda arrisque um decote, Windia é toda comportadinha e Casper usa roupas mais pesadas e agressivas. Tais detalhes ajudam a distinguir melhor a personalidade de cada uma e facilitam na hora de escolhermos nossa favorita.

Os inimigos também são muito bem cuidados e vem em todos os tamanhos e formatos, alguns chegam a ocupar um quarto da tela e sequer são chefes de fase. Os cenários por sua vez, são extremamente belos e foram construidois de modo a assemelharem-se a uma pintura feita a mão. O game inteiro pode ser descrito desta forma, mas é na ambientação das fases que esta qualidade mais se destaca.

O maior triunfo de Deathsmiles no aspecto gráfico, é sua velocidade. Como vocês sabem, quedas de frames em Shooters costumam ser letais para o jogador, pois dificultam a tentativa de esquivar dos ataques e tiros inimigos. Como todo bom “Bullet Hell” (explicarei o termo logo mais), a tela está constantemente tomada por tiros e inimigos, centenas, as vezes milhares de coisas movem-se na tela ao mesmo tempo, sem queda alguma na velocidade.

Saber que os produtores tomaram cuidado e optimizaram o game para que as limitações técnicas não tornassem o jogo injusto, é uma atitude digna de aplausos. Mas a Cave já tem grande experiência em games do estilo, é de se esperar que tenham feito tão bom trabalho.

As músicas são muito bem compostas e executadas. Normalmente, é difícil prestar atenção ao som em um Shooter, devido a infinidade de tiros e explosões na tela, mas apesar de todo ruído, os temas de fundo não passam despercebidos aqui, eles se adequam muito bem à fase e sua ambientação.

Não existem muitas vozes, só alguns gritos e frases de auto incentivo por parte das meninas, todos em Japonês, o que já se tornou uma tradição com certos games Nipônicos que vem para o Ocidente. Claro, todos os demais efeitos sonoros mais do que compensam pela quase inexistente dublagem.

Muito bem, para aqueles que não estão familiarizados com o termo “Bullet Hell”, vamos por partes.
Deathsmiles é um Shooter de movimentação lateral na tela, como Parodius, Sengoku Blade ou Steam Hearts.

Claro, é parecido com Gradius também, mas este é um game do qual nunca falei, preferi citar alguns sobre os quais já escrevi. Conforme-se!

A diferença é que um “Bullet Hell” é inacreditavelmente mais dicfícil que um Shooter normal. Os inimigos vem em maior número, são mais agressivos e disparam TONELADAS de tiros o tempo todo, que lhe dão muito pouco espaço para se esquivar. Sua única chance de sobrevivência é decorar os padrões de movimento das balas e usar de destreza absurda para desviar.

Para aqueles que não querem perder noites de sono, cabelo e amizades passando meses em frente ao console para aprender tudo isso, a versão doméstica de Deathsmiles tem Continues infinitos. VIVA!!!

Agora que este empecilho foi removido, falemos dos demais aspectos da jogabilidade.

Cada uma das meninas funciona de um jeito diferente. Windia é mais simples de controlar e portanto indicada para iniciantes, Casper causa mais dano com seus ataques, mas é um pouco mais lenta e por aí vai. Escolher uma delas vai além da estética e também do que você espera do jogo.

Existem dois botões de tiro, um que dispara pra esquerda e o outro pra direita. Além disso, você possui o tiro normal (mais potente, mas que diminui sua velocidade) e o rápido (mais fraco, mas que o deixa mover-se livremente). Além de se preocupar com a direção de onde os inimigos estão vindo, é preciso prestar atenção para qual tipo de ataque é o mais eficaz. O disparo mais forte nem sempre é a melhor saída.

Cada menina ainda possui um “familiar”, uma criatura que a acompanha e fornece fogo auxiliar, além de um muito necessário escudo que as protege de certos tipos de ataques. A movimentação deles é independente da sua, saber posicioná-los é mais um detalhe tático da aventura.

Diferente de outros games do gênero, você não possui um número de vidas, mas uma barra de energia, que determina quanto castigo sua personagem é capaz de aguentar. Elas são fracionadas, sempre que uma delas esvaziar por completo, seu estoque de bombas serão renovadas, o que é uma benção. Muitas vezes, os explosivos são sua única saída de uma situação cabeluda.

As fases podem ser escolhidas na ordem que o jogador quiser no mapa (com certas limitações) e a dificuldade pode ser ajustada individualmente para cada uma delas, exceto nas duas últimas etapas do game.

Finalmente, existem toneladas de modos diferentes de jogo na versão doméstica. É possível escolher entre a versão original para fliperamas (ligeiramente diferente da criada para consoles domésticos), a “1.1”, que lhe permite controlar o Familiar independentemente de sua personagem e o famigerado “Mega Black Label”, que possui uma fase a mais, um nível de dificuldade extra (Level 999) e lhe permite jogar com Sakura.

Ou seja, algum modo de jogo vai te agradar aqui, não tem do que reclamar.

Estou plenamente ciente de que este game foi criado para vender com base em suas bruxinhas (anjinhas, fadinhas, pizzaiolos, tanto faz) adolescentes lindinhas. Também sei que este não é o tipo de coisa que agrada a todos.

Mas se puder destorcer o nariz por um momento e der uma chance a Deathsmiles, verá que este é um Shooter bastante sólido e intenso, capaz de render horas de entretenimento.

Aliás, este game tem alguns Achievements bastante fáceis de serem destravados. Perfeitos para engordar seu Gamerscore em um bom fim de semana de jogatina. Uma belezoca!

Nota do Amer: 8.0

Cheers!!!

Transformers: Convoy no Nazo

2011-09-18T18:56:00.001-03:00

Já devo ter contado essa história antes, mas eu sou um senhor de idade e tenho o direito de me repetir as vezes.

Em 1991, após meses implorando, resmungando e gemendo em voz alta pela casa, finalmente ganhei meu NES. Antes de passar todo esse tempo convencendo minha mãe e minha avó de que eu merecia um, houve um breve período de dúvida em minha mente, em que eu não sabia se deveria ter o console da Nintendo ou um Master System.

Mas isso é uma história pra outro dia. Nos foquemos no NES por enquanto.

Graças a minha querida e saudosa vovó, obti meu primeiro video game e o céu era o limite. Eu tinha 11 anos e todos os jogos do mundo estavam à minha disposição! Eu jogaria até meus olhos cairem e seria feliz!

Exceto... que eu não tinha nada de bom pra alugar.

Para quem é jovem demais pra saber (e novamente, tenho certeza que já falei disso antes) naqueles tempos existiam locadoras de games, que se tornavam mecas da garotada aos finais de semana e muitas vezes, logo depois da aula.

O problema é que em determinados dias, não havia NADA para se alugar. As crianças espertas e com pais que dirigiam, já haviam passado na locadora e levado os bons títulos embora, deixando para letárgicos como eu, apenas jogos terríveis, ou títulos em Japonês que ninguem fazia a menor idéia do que poderiam ser.

E foi isso que aconteceu quando ganhei meu NES, tive de revirar a locadora em busca de algo para estrear em meu novo e reluzente console. Eis que em meio a minha busca desesperada, vejo uma figura de meu passado na capa de um game: Ultra Magnus.

Na época eu não era o fã abilolado de Transformers que sou hoje, mas sempre tive um lugar muito especial para eles em meu cerebelo. Desta forma, não pensei duas vezes, um game de Transformers tinha de ser a melhor coisa de todos os tempos desde a invenção so sanduiche de presunto, certo?

...

Não...

...

Não...

A história do game é baseada em Transformers 2010, série animada exclusiva do Japão e que seguiu as aventuras dos robôs no mundo pós longa metragem de 1986. Eu não a assisti inteira e sei muito pouco a seu respeito, lembro apenas de um episódio em que os Autobots tinham como missão resgatar um panda gigante (tipo, cinco andares de altura) hiperativo e se enfiavam em DIVERTIDÍSSIMAS CONFUSÕES para salvá-lo.

Pois é.

O game se chama “Convoy no Nazo”, ou em bom Português: “O Mistério de Convoy”. Convoy desapareceu e o motivo por trás disso é um mistério, cabe a você encontrá-lo.

Aliás, “Convoy” (que está escrito errado na capa do game, aich) é o nome Japonês de Optimus Prime. Ou seja, o personagem principal de Transformers nem sequer está no jogo, esse deveria ter sido o primeiro sinal na época.

Então, Optimus sumiu, você joga com Ultra Magnus (um dos piores personagens já criados para a saga) e tem por missão encontrá-lo. De acordo com Magnus, a melhor maneira de fazer isso é correr em uma linha reta, metendo chumbo em qualquer coisa que cruzar seu caminho.

Pois a solução pra qualquer problema da vida, não importa quão esdrúxulo seja, é atirar nas coisas até que elas melhorem.

Eu falaria mais a respeito, mas o enredo deste game é ainda menos desenvolvido que um episódio de Transformers Armada, e crianças, isso é dizer um bocado.

A apresentação do jogo é uma desgraça, nenhum dos programadores dava a mínima para o produto final quando estavam trabalhando nele. Devem ter usado todo o orçamento em churrasco grego, pois só isso justifica o horror que ficou este título.

Os gráficos são desanimadores. Os personagens são MINÚSCULOS, mesmo para os padrões pré-1990 e possuem no máximo cinco quadros de animação... digo, o Ultra Magnus possui cinco quadros de animação, os demais personagens (todos inimigos) tem UM MÍSERO MALDITO FRAME DE ANIMAÇÃO CADA!!!

E os cenários são excepcionalmente sem graça, com cores foscas e nenhum detalhe que chame a atenção. De fato, se você pegar duas fatias de pão branco, juntar sem nada no meio e comer, elas terão bem mais graça que o visual deste game.

Além de não serem interessantes para manter a atenção do jogador, muitas vezes os inimigos ficam camuflados no cenário, devido ao limitado uso de cores em tela. Desta forma, é muito fácil ser pego de surpresa pelos mesmos, que tem uma desleal vantagem desde o começo.

Aliás, não existe o menor cuidado com a escala aqui. O desenho animado tinha momentos em que pisava feio na bola neste quesito, mas Transformers: Convoy no Nazo não só faz isso, como também a chuta por cima do muro do vizinho psicopata que tem um fetiche por estripar as bolas da garotada da vizinhança.

Entre os chefes de fase estão Trypticon e Megatron e ambos são pelo menos sete vezes maiores que Ultra Magnus. Ok, Trypticon é imenso mesmo, pois se transforma em uma fortaleza, mas da última vez que vi, Megatron não podia sair no braço com o Ultraman.

Cacetada, povo que trabalhou nessa desgraça nunca assistiu à série não?

Aliás, ao menos dois chefes de fase são o emblema Decepticon, pois Deus sabe que não existiam personagens suficientes na série para os programadores usarem no game.

Quanto ao som, existem DUAS músicas no game inteiro.

Isso mesmo, DUAS.

Uma é o tema de abertura (incompleto) de Transformers 2010 e toca na tela de apresentação, já o outro é um tema exclusivo do game que toca em ABSOLUTAMENTE TODAS AS FASES!!!

Toca na fase das montanhas, no espaço, na base Decepticon, quando se luta com um chefe, É UMA MÚSICA SÓ NA DESGRAÇA DO JOGO INTEIRO, PELO AMOR DAS BISNAGUINHAS!!! Ao fim de 10 minutos de jogo, este tema lazarento estará gravado em brasa no seu cortex cerebral pelo resto da vida, igual a qualquer música do Tiririca.

Já os efeitos sonoros se resumem a “PTOO”, “PDUINN” e “PSHHHHH” genéricos que cansamos de ouvir em games de segunda categoria do NES. No fim das contas, tirar o som da tevê e colocar um CD com uma briga de gatos tocando em looping é uma opção muito mais saudável e menos incômoda.

No tocante à jogabilidade, erraram em absolutamente tudo que podiam. Devem ter quebrado algum recorde no processo.

Transformers: Convoy no Nazo é um Sidescroller comum, ao estilo de Contra, Mega Man e tantos outros. Você atravessa cenários, atira em inimigos, salta abismos e é feliz ao final da história, ou ao menos, deveria ser.

O controle é abismal. Magnus demora algumas frações de segundo para responder soa comandos, o que pode não parecer muito, mas em um game nesse estilo, este tempo pode ser a diferença entre escapar de um ataque inimigo ou não.

Aliás, não existe medidor de energia. Encostar nos inimigos uma vez ou ser atingido por um disparo é o suficiente para acabar com sua (relativa) alegria.

Normalmente, isso traz desafio extra a um game de ação, mas aqui simplesmente torna as coisas injustas. Como já vimos, os gráficos muitas vezes ocultam os oponentes ou seus disparos e é praticamente impossível evitá-los no último segundo, com as respostas canelonicamente lentas do controle deste game.

Em outras palavras, você morrerá muitas e muitas e muitas vezes, logo nos dois primeiros minutos de jogo. Eu ficaria muito impressionado se alguns de vocês conseguissem chegar ao primeiro chefe.

Aliás, sendo este um game de Transformers, imagino que vocês querem saber se é possível converter Ultra Magnus em um caminhão, correto? Sim, é! Exceto que isso cria mais problemas do que os resolve.

Magnus leva em torno de dois segundos para se transformar, tempo demais para ficar parado em um game como este. Se consegue virar um caminhão sem ser baleado no processo, suas armas tornam-se inúteis e tudo que lhe resta é desviar dos ataques inimigos, que já era difícil como robô e torna-se improvável no modo veículo.

Como a cereja do bolo, não há Power Ups, vidas extras, nem nenhum item que possa facilitar um pouco sua vida. Aúnica coisa a sua disposição são Continues, que precisam de um código para funcionarem, pois não são dados ao jogador por meios normais.

Não que eu acredite que alguem vá querer continuar jogando essa diarréia depois das quatro primeiras mortes consecutivas.

Transformers: Convoy no Nazo é um arremedo de game. Uma batida de trem que foi produzida as pressas pelos donos da marca (a Takara é a sócia da Hasbro no tocante a Transformers) com a intenção de faturar um troquinho rápido com os personagens.

Não existe nenhum fator que redima essa abominação, ela é imperdoável. Sequer parece um game completo produzido por uma empresa profissional, mas sim uma porcaria gratuita disponibilizada online por algum guri desocupado que se acha um gênio da programação.

Ao invés de jogar isso, prefiro assistir Transformers: A Vingança dos Derrotados com um martelo em mãos e a cada cena sem graça ou constrangedora, bater em meus joelhos com ele. Essa seria uma forma muito menos dolorosa de fazer uso de meu tempo.

E que Primus tenha piedade de todos nós.

Nota do Amer: ZERO!!!

Cheers!!!

Final Fantasy VI

2011-08-24T05:47:00.049-03:00

Esta não é a primeira vez que digo isso e provavelmente não será a última, mas RPG’s Japoneses (ou JRPG’s, pra simplificar) não são hoje o que um dia foram.

Voltemos no tempo até a metade da década de 1990. A geração dominante de consoles era a de 16 Bits e títulos de ação praticamente dominavam o mercado ocidental, luta, corrida, tiroteio, eram as opções que mais recheavam locadoras e encontrar algo mais destinado a narração de uma história, bom, era razoavelmente difícil.

No Japão, no entanto, as coisas eram diferentes. Não é uma afirmação equivocada dizer que o sucesso de um console muitas vezes dependia exclusivamente dos RPG’s que o acompanhavam. Graças ao gosto dos Japoneses pelo gênero, o mesmo pôde ser bastante refinado e obras de qualidade inquestionável foram criadas.

De Phantasy Star a Earthbound, de Secret of Mana a Chrono Trigger, jogadores apaixonados por histórias longas e personagens cativantes tinham inúmeras opções em mãos.

O auge desta maturidade narrativa foi alcançado em 1994, com Final Fantasy VI. Até hoje, poucas produções, Japonesas ou Americanas conseguem se comparar a sua complexidade e qualidade.

Vejamos agora o que torna este game tão incrível.

A história começa 3 mil anos antes do início do jogo. Neste tempo imemorial, um trio de deuses travava uma batalha interminável e imbutiam poderes mágicos nos humanos para assim construir seus exércitos. Após quase aniquilarem toda a vida no planeta, os três deuses perceberam a banalidade de seu conflito e o encerraram. Eles converteram-se em estátuas e se exilaram em um continente flutuante habitado pelas mais abomináveis feras. A humanidade então teve a chance de existir sem interferências.

No presente, o imperador Gesthal criou um vasto império tecnológico e com ele, tomou o planeta quase inteiro. De alguma forma, seus cientistas descobriram como refinar mágica a partir dos Espers (os humanos que foram transformados pelo poder dos antigos deuses) e passaram a utilizá-la como a mais terrível das armas. Graças a isso, a humanidade encontra-se a beira de um holocausto mágico, mais uma vez.

A aventura começa quando uma garota sem nome e dois soldados imperiais invadem uma cidade mineradora a fim de capturar um Esper que lá foi encontrado. Ao se depararem com ele, a criatura destrói a lavagem cerebral com o qual o império controlava a guerreira e lhe dá a opção de escolher seu próprio caminho pela primeira vez na vida.

Deste momento em diante, ela une-se a rebelião que opõe-se ao império, em busca de descobrir também sua verdadeira origem.

Claro, essa é só a ponta do iceberg. A história é muito mais complexa e detalhada, mas é difícil falar a respeito sem soltar Spoilers imensos.

Mas o maior trunfo de Final Fantasy VI está em seu elenco, que com 14 personagens (sem contar os membros temporários) consegue ser um dos mais fascinantes, senão O MAIS fascinante já criado para um título da série.

Terra (a personagem com quem começamos o game) está em uma jornada de auto descobrimento, tentando encontrar seu lugar no mundo, mas a mesma nunca parece forçada, ou tenta seguir o caminho da “heroína repleta de angústia” que se tornou o padrão em muitos JRPG’s. Além dela temos Celes, outra ex-general do Império que mudou de lado, e que é um dos raros exemplos de uma heroína Japonesa capaz de cuidar de si mesma nas horas de dificuldade.

Existe também Locke, o “caçador de tesouros” que não resiste a tentar ajudar uma donzela em perigo, embora a maior parte do tempo seja salvo por Celes, Edgar, o rei-engenheiro do castelos movel de Figaro que é um fracasso com as mulheres (por mais que ele pense o contrário), Sabin, seu irmão gêmeo mestre em artes marciais e boa praça em tempo integral, Gau, um menino selvagem que cresceu em meio aos monstros das pradarias do mundo, Cyan, rígido samurai e único sobrevivente do reino de Doma, Strago e Relm, respectivamente avô e neta de uma vila habitada unicamente por magos, Setzer, dono de uma das únicas aeronaves do mundo que não pertencem ao Império e jogador por natureza, Mog, um representante da (fofíssima) raça dos Moogles e sujeitinho muito mais casca grossa do que parece e Shadow, que é com certeza o melhor ninja que a Squaresoft conseguiu criar em todos os seus anos de existência.

Sinto muito, Yuffie.

Sem contar Umaro, o abominável homem das neves e Gogo, o mímico. Personagens secretos que embora não sejam vitais, ajudam a aumentar muito o charme do grupo.

Uma coisa que Final Fantasy VI faz muito bem, é trabalhar os relacionamentos dos membros da equipe. Embora todos se dêem bem e sejam camaradas com um objetivo em comum, há a a formação de “panelinhas” entre personagens que tenham algo em comum, ou que tenham enfrentado juntos certos obstáculos. Sabin, Cyan e Gau formam um “trio dinâmico” após sobreviverem juntos a um longo trecho onde fogem das forças imperiais, o relacionamento entre Celes e Locke é o mais próximo que temos de um casal romântico e existe toda uma história trágica entre Strago, Relm e Shadow, do qual propositalmente vemos apenas relances.

Além de toda essa gente, Final Fantasy VI conseguiu fazer direito também o vilão. Kefka é definitivamente o maior e mais completo exemplo de antagonista que a série já nos apresentou.

Final Fantasy sempre teve vilões fascinantes. Garland é um cavaleiro que eventualmente transforma-se no caos encarnado, Golbez é um mago tão poderoso que sua humanidade é questionada em mais de uma ocasião e Sephiroth é apresentado desde o início como uma força da natureza, alguem contra o qual os heróis não deveriam sequer cogitar a esperança de uma vitória.

Kefka surge como um mero coadjuvante, um alívio cômico, mas aos poucos a coisa muda e ele se torna um pesadelo ambulante. Sua grande motivação é apenas o gosto que tem pelo caos e violência. Ele não é uma criatura lendária, apenas um homem perverso, sádico e brilhante que com isso, consegue ser um monstro mais assustador que qualquer coisa que possamos imaginar.

Personagens bons muitas vezes salvam histórias com um enredo fraco. Assim como Chrono Trigger e Persona 4, Final Fantasy VI é um dos raros games que consegue reunir uma história fantástica com um elenco carismático e fascinante.

Enquanto isso, Final Fantasy XIII tenta transformar todo homem do mundo em pedófilo. Pelo amor de Deus, Vanille não tem 18 anos nem aqui nem em Midgard! Que decadência, Square Enix!

A apresentação do game é impressionante, somente Chrono Trigger conseguiu fazer melhor uso da potência do Super Nintendo.

Os personagens são apresentados no formato SD, pequenininhos, fofos e gorduchinhos. Os vemos assim quando andamos pelo mapa com eles e quando entram em batalha, não são modelos muito detalhados, mas transmitem bem os trejeitos de cada membro do elenco.

Os chefes e inimigos normais são mais ricos em detalhes, mas não possuem animação, o que era uma tradição na série nos títulos para 8 e 16 Bits. Quem não tem costume de jogar os games mais antigos de Final Fantasy pode se incomodar com isso inicialmente, mas é apenas uma questão de se habituar.

Os cenários são de tirar o fôlego e vão muito além de meramente passar a ambientação para a história. As cidades são vivas e bucólicas, cavernas são sombrias e sujas, florestas passam todo um tom de melancolia, desertos são agoniantes, montanhas trazem névoa e toda a sensação de altitude e por aí vai.

Final Fantasy VI também faz excelente uso de efeitos especiais. Magias e ataques específicos trabalham muito bem com transparência e luz e o jogo ainda emprega muito bem os Zooms em Mode 7 que eram uma das características mais marcantes do Super Nintendo.

Os efeitos sonoros vêm diretamente do acervo de ruídos brancos de que a Squaresoft dispunha na época. Com os tradicionais “Tssshhhhh” pra representar água corrente, “Tuposch” cada vez que um golpe atinge um monstro e o “Vuuuuuuoooooom” que acompanhava certas magias.

Pois é.

A trilha sonora por outro lado, é fantástica. Cada personagem possui seu próprio tema, composto de modo a representar da melhor maneira possível sua personalidade. A música de Gau é triste e traz sentimento de abandono, Edgar e Sabin dividem uma canção forte e cheia de nobreza e Shadow possui um tema que remete a filmes de Western, fonte que possivelmente foi a inspiração para o mercenário.

Não existe dublagem, pois afinal, este é um game de 16 bits. As unicas vozes presentes são a enervante risada de Kefka e parte das canções durante a ópera.

Mas como??? Você não conhece a cena na casa de ópera? Guri, melhor você começar a jogar Final Fantasy VI logo, antes que eu vá aí e te dê umas palmadas!

A jogabilidade de Final Fantasy VI o distingue não apenas dos demais títulos da série, como também de outros games do gênero. A primeira metade da história funciona como um JRPG tradicional, mas a segunda pode ser definida como um protótipo de sandbox.

Confuso? Deixa que eu explico.

Na primeira parte, Final Fantasy VI é linear e prende-se ao roteiro. Seu grupo segue de uma cidade para outra, com objetivos fixos bastante claros. É possível desviar-se brevemente de sua rota para ganhar level ou conseguir equipamento melhor, mas logo você estará de volta a seu trajeto original.

A segunda metade do game já é bastante diferente. Seu único objetivo é enfrentar o chefe final (o que pode ser feito a qualquer momento), mas é possível adiar este confronto por quanto tempo for necessário. Neste meio tempo, é possível reunir todo o grupo, viajar para inúymeras localizações que antes não estavam disponíveis, encontrar armamentos lendários, apostar itens nas batalhas do coliseu, enfrentar chefes secretos, enfim, o céu é o limite.

Toda essa liberdade é muito bem vinda, pois Final Fantasy VI tem um dos maiores e mais bem contruidos mundos já vistos em um game de sua geração. O mapa funciona como é de praxe na série: existe um mapa mundial onde é possível ver cidades, montanhas e florestas em versões miniaturizadas e estilizadas. Assim que entramos nestes lugares, eles se tornam cenários próprios e independentes do mapa, com seus próprios caminhos e segredos.

Combate é uma parte importante de Final Fantasy VI. O grupo se atracará com os inimigos através de encontros aleatórios, que felizmente, não são numerosos como no passado. Você ainda vai se irritar quando estiver com pressa para chegar a um lugar, mas na maior parte do tempo, é possível entrar em uma caverna (ou locação do tipo) com um número razoável de itens e um Level decente, e sobreviver aos perigos que ela oferece.

Cada personagem ainda possui uma habilidade única em combate, que usada sabiamente, pode virar muitas batalhas. Terra pode usar o “Morph”, com o qual se transforma em uma Esper e todos os seus ataques passam a causar o dobro de dano, Celes tem “Runic” com o qual é capaz de absorver magias inimigas, Strago é um Blue Mage, e graças a isso pode usar ataques que são exclusivos de certos inimigos, Sabin é dono da técnica “Blitz”, com o qual é capaz de desferir golpes devastadores contra os oponentes, cada um realizado através de um comando ao estilo de Street Fighter e por aí vai.

Estas habilidades únicas ajudam a diferenciar ainda mais os personagens e obrigam o jogador a bolar estratégias na hora de montar seu grupo. Não se trata apenas de reunir um lutador, um mago e um curador, mas sim de saber quais habilidades únicas serão mais úteis em cada situação.

Ainda existem os Magicites, cristais que podem ser equipados no grupo e que além de lhes dar o poder de evocar Bahamut, Ifrit, Shiva e as demais criaturas lendárias da franquia, ainda permitem aos personagens aprenderem novas magias e aumentam determinados atributos quando os mesmos ganham Level.

Dito isso, é justo afirmar que Final Fantasy VI é um dos JRPG’s mais quebrados de todos os tempos. Jogadores com paciência podem abusar do jogo de modo a construir um grupo de personagens ridiculamente poderosos.

Um exemplo: ao equipar a Magicite Bismarck em terra, a garota irá receber 2 pontos extras de força a cada Level ganho, o que fará este atributo chegar a seu nível máximo antes dela atingir Level 99. Basta equipá-la com a Genji Glove, que Terra poderá utilizar uma arma em cada mão, dando-lhe o item Offering, ela desfere quatro golpes seguidos com cada arma equipada.

Então, com todas estas combinações, basta lhe dar as espadas Ultima Weapon e Ragnarok, e Terra irá desferir oito ataques e causar o máximo de dano com cada um deles sempre que atacar, mais que o suficiente para eliminar qualquer chefe.

É possivel alcançar este potencial absurdo com toda a equipe. Existem equipamentos poderosos em demasia pelo mundo, e todos os personagens podem aprender todas as magias, assim, com boas 30 horas de “Grinding”, dá pra ter um grupo de heróis super fortes, com as melhores magias ofensivas e de cura, capazes de chamar o Bahamut de bichinha e sobreviverem ao tranco depois.

Saudade da época em que eu tinha tempo pra isso.

Final Fantasy VI é um dos melhores games de todos os tempos.

Seu enredo é brilhante, seus personagens são complexos e cativantes, seu mundo é imersivo, a jogabilidade é equilibrada o suficiente para agradar a jogadores casuais, mas beneficia muito aos hardcores que decidirem cravar seus dentes nela, e sua apresentação é belíssima, talvez mais impressionante hoje do que ná época de seu lançamento.

Este jogo representa o ápice dos JRPG’s e de Final Fantasy como um todo. A série infelizmente perdeu seu foco com a passagem dos anos e passou a dedicar-se mais a visual e estilo do que narrativa e originalidade.

É difícil encontrar as palavras certas para encerrar este artigo, então vou dizer apenas que mesmo após passar quase duas décadas com este game, ainda prefiro gastar meu curto e raro tempo livre o revivendo, do que conhecendo a maioria do que a indústria tem a oferecer hoje.

Grandiosidade é eterna.

Nota do Amer: 10

Cheers!!!

Knight's Contract

2011-08-20T20:19:00.001-03:00

Pode ser por causa de minha idade avançada, mas as vezes sinto muita falta dos games de ação do passado.

Títulos como Double Dragon, Final Fight e River City Ransom, onde não havia segredo, era só seguir em linha reta, espancar tudo em seu caminho e salvar a namorada (ou presidente, ou o mundo) no final.

A vida era simples e bela, algo um pouco perdido na atual geração de produções milionárias que buscam ser as mais complexas possíveis.

Mas então, surge um game que resgata a simplicidade e a diversão de duas décadas atrás, e nos faz sentir guris super excitados, como no dia em que ganhamos nosso primeiro console.

Knight’s Contract... não é um destes games.

Nossa história começa há muito tempo atrás, quando a Peste Negra estava erradicando a população mundial. Condoídas pelo sofrimento dos outros, um grupo de bruxas surgiu e dedicou-se de corpo e alma a erradicar a doença. Com seus poderes elas curaram os enfermos, aliviaram a dor dos que estavam em agonia e destruiram todos os transmissores da doença.

Muito agradecidos, os aldeães fizeram a única coisa que podiam: aprisionaram, torturaram e executaram todas as bruxas por seu uso de feitiçaria.

Ok, então.

A tarefa de separar a cabeça do corpo das meninas ficou a cargo de Heirich, um cara tão grande feito uma casa e quase tão esperto quanto. Quando se preparava para eliminar a bruxa Gretchen (Deus do céu, as piadas se escrevem sozinhas) ele foi amaldiçoado pela moça, que fez dele imortal.

A história vança um número indeterminado de séculos no futuro e vemos que o mundo foi destruido por... algo. A Peste voltou, existem zumbis por todos os lados e Heinrich vaga por aí, estraçalhando monstros, pois de acordo com as leis de Liefeld, isso é tudo que sujeitos imensos podem fazer da vida.

Um belo dia ele reencontra Gretchen e descobre que todas as bruxas que executou voltaram a vida como monstros que desejam vingança contra a humanidade. A garota pede auxílio ao guerreiro para eliminar suas irmãs e lhes dar alguma paz, e para encontrar Faust, o lazarento que levou o povo a executar as bruxas no passado. Como recompensa, a bruxa fará de Heinrich mortal novamente, se completarem a jornada.

A história parece muito melhor do que realmente é, devo dizer. Heinrich é tão profundo quanto uma pizza, Gretchen é interessante feito assistir grama crescer e Faust é um vilão menos convincente que o Esqueleto.

Os diálogos também são horríveis e não soam nem um pouco naturais. Logo na primeira vez que encontramos Gretchen, ela tagarela por uns bons dois minutos sobre o método que uma de suas irmãs usa para controlar zumbis, e Deus meu, é algo tão desnecessário que parece ter sido escrito por um autor de fanfic.

Sem contar que o enredo de Knight’s Contract parece uma plágio descarado do Mangá Berserk. Heinrich é um Gatts de meia tigela e Gretchen é tão desinteressante que quem quer que a tenha criado, parece ter perdido o interesse por ela no meio do processo.

Não o culpo.

A apresentação do jogo tem seus méritos, mas deixa a peteca cair na maior parte do tempo.

Os gráficos não são feios, mas parecem ter sido feitos com muita preguiça. O design de personagens não é minimamente inspirado e as texturas são medianas, na melhor das hipóteses. Alguns chefes possuem um visual mais trabalhado, mas a maior parte deles parece ter sido criada por um guri de 14 anos e seu conceito do que é “legal”.

A animação dos personagens não é das piores, bem como os cenários, que são bem construidos. Mas ambos estes fatores não ajudam a deixar a ambientação do game mais interessante.

A dublagem é uma tragédia, como disse antes, os diálogos são terríveis e soam forçados a totalidade do tempo. Pra piorar mais, os atores que emprestam seu “talento” ao jogo parecem totalmente desinteressados pelo texto que estão lendo. A responsável pela voz de Gretchen é especialmente culpada disso.

Por outro lado, a trilha sonora é excelente. As músicas são sombrias, dramáticas e passam uma atmosfera opressiva que tudo mais dentro do game falha em transmitir. Recomendo o CD com os temas de Knight’s Contract muito mais do que o próprio jogo.

Já deu pra perceber que a nota final não vai ser boa, né?

Quanto a jogabilidade... puxa vida, por onde eu começo?

Mesmo na dificuldade normal, Knight’s Contract é um bocado difícil. E não me refiro aquela dificuldade instigante, que queremos superar, mas a frustrante, que não abre quase nenhuma brecha e nos castiga pelos menores erros.

Um exemplo: alguns inimigos são sujeitos imensos com escudos, que bloqueiam todos os seus ataques. Quando se enfrenta alguem assim, a melhor estratégia é rodear o inimigo e atacá-lo pelas costas, correto?

Não em Knight’s Contract. Aqui, o grandão com escudo vira-se quase que instantaneamente e estraga sua estratégia no ato, a única maneira de derrotá-lo é golpear seu escudo até quebrá-lo, para AÍ começar a causar dano.

É mais ou menos como ter um prato de sopa escaldante a sua frente e ao invés de esperar esfriar, tomar tudo de uma vez, na esperança das queimaduras de 3º grau causadas pela primeira colherada tornarem sua língua e esôfago insensíveis a dor pelo resto da refeição.

Agora, Knight’s Contract tem um conceito bastante interessante e inédito, uma vez que Heinrich é imortal, não faria o menor sentido se ele tivesse uma barra de energia. Desta forma, é preciso ficar de olho na vitalidade de Grectehn, pois se a bruxa bater as botas, será o fim de tudo.

Como eu disse, uma boa idéia, mas executada de forma porca.

Gretchen é burra. Mas assim, num nível Carla Perez de estupidez. O maior diabo do mundo pode estar bem diante dela, pronto a cuspir um raio de fogo, relâmpago, envolto em abelhas e Lady Gagas... e a imbecil não sai do caminho.

De fato, a maior parte do tempo é dedicado a salvar Gretchen. Sempre que estiver no calor da batalha, é preciso parar tudo que está fazendo para salvar a imbecil, que consegue se enfiar em problemas até contra os inimigos mais simples.

Para restaurar as energias de Gretchen, Heinrich precisa carregá-la no colo. Isso o impede de atacar, então tudo que lhe resta é esquivar dos vilões presentes enquanto a bruxa se recupera.

Aliás, sendo uma bruxa, Gretchen possui inúmeras magias de ataque. Infelizmente, o melhor que podem fazer é abrir uma brecha nos ataques dos inimigos, o que é apenas um alívio temporário para algumas situações.

E não é porque Heinrich é imortal que ele é indestrutível. Se receber dano demais, o grandalhão tomba, o jogador precisa então metralhar um botão para restaurá-lo e poder retornar a aventura. Claro, na maior parte das vezes, Gretchen cai nas mãos de algum inimigo enquanto você se recupera e tudo que lhe resta é soltar um “aich” de frustração.

Os confrontos com os chefes também são um fracasso, deveriam ser épicos, mas tudo que conseguem é ser intermináveis e maçantes. Somente o confronto com a primeira forma do primeiro chefe pode chegar a 20 minutos.

20 MALDITOS MINUTOS NO PRIMEIRO CHEFE DO JOGO!!!

E ao final dos confrontos é preciso ter sucesso em uma sequência de Quick Time Event (ao mesmo estilo de God of War) para eliminar o chefe em definitivo. Infelizmente, a janela de tempo para acertar tais comandos é mínima e os mesmos devem ser feitos com precisão cirúrgica. Quando errar (porque isso VAI acontecer), o chefe restaura quase metade da energia e é preciso enfraquecê-lo de novo.

Algumas lutas podem passar de 40 MINUTOS devido a este mecanismo falho.

Pense nisso por um minuto.

...

Pois é.

Há como comprar comprar upgrades para os ataques de Heinrich e as magias de Gretchen, mas você nunca sentirá que está realmente tornando-se mais poderoso. Os feitiços novos de sua companheira pouco fazem para torná-la mais útil também.

Knight’s Contract também possui uma das instâncias de fanservice menos interessantes já criadas. Um dos feitiços supremos de Gretchen a faz derrubar uma versão sua, pelada e gigantesca sobre os inimigos.

Esse tipo de safadeza funcionou para Bayonetta (que deve ter sido uma das inspirações para os criadores desta bomba) porque ela era sensual e agradável. Com Gretchen é simplesmente constrangedor.

Aprendam com isso, até fanservice precisa ser bem planejado.

A impressão que fica é a de que os responsáveis por Knight’s Contract desistiram no meio de sua produção. Existem bons momentos no jogo e definitivamente, uma boa dose de criatividade, mas nenhuma aresta foi aparada e o resultado final é menos que ideal.

Existem games ruins, mas que servem ao menos como piada (Onechanbara: Bikini Samurai Squad, por exemplo). Knight’s Contract não presta nem pra isso.

E esse é um patamar de fracasso difícil de se atingir.

Nota do Amer: 4.0

Cheers!!!

Catherine

2011-08-14T22:15:00.000-03:00

A Atlus é possivelmente minha produtora de games favorita da atualidade. Não só a empresa é responsável pelas duas únicas séries de JRPG que conseguem ser interessantes no gênero (Shin Megami Tensei e Persona, pra quem não sabe), como ela também não tem medo de arriscar e trabalhar com temas que outros dentro do ramo considerariam tabú.

Este é o caso de Catherine, um game único e diferente de ser classificado, que envolve puzzles, decisões morais e a boa e velha dose de sobrenatural que é tão conhecida daqueles que acompanham seus trabalhos.

Então, Catherine vale a pena, ou é uma garota que seria melhor não conhecer?

Pois é o que vamos descobrir.

Aqui conhecemos Vincent Brooks, um sujeito comum, de trinta e poucos anos, que trabalha, sai com os amigos, enfim, não é marcante de maneira alguma.

Nas últimas semanas, ele vem sido pressionado por sua namorada, Katherine, para que se casem. Eles já estão juntos há cinco anos e a moça quer dar o próximo grande passo. Vincent não está nem um pouco empolgado com a idéia e tenta tirar a cabeça disso no bar, com seus amigos.

Enquanto tomava a saideira, Vincent foi abordado no bar por uma garota absurdamente linda, com quem conectou-se imediatamente logo a primeira vista. Antes que perceba, Vincent leva a moça misteriosa para casa e os dois passam a noite juntos.

Para cúmulo do cúmulo, a garota em questão também se chama Catherine.

Agora, Vincent tem de decidir o que fazer, se esquece a breve aventura que viveu com Catherine e leva adiante a vida que tem com sua noiva, ou se abandona seu relacionamento passado e entra de cabeça em um incerto romance com uma maluquinha que conheceu em um bar.

Pra piorar as coisas, desde que iniciou seu romance, Vincent passou a ter pesadelos. Neles, é necessário escalar uma parede que aos poucos desaba e chegar ao topo antes que seja tarde demais. Ele não está sozinho, nos pesadelos ele encontra com diversas “ovelhas”, que se parecem um bocado com pessoas presentes em seu dia-a-dia.

Finalmente, diversos homens da região passam a morrer enquanto dormem. Aos poucos, Vincent começa a acreditar que seus pesadelos são muito mais do que parecem.

A premissa do game é simples, mas perfeitamente executada. Do mesmo jeito que Persona 3 e Persona 4 traziam histórias surpreendemente concretas sobre adolescência e crescimento, Catherine nos mostra de maneira bastante palpável os relacionamentos da vida adulta.

A Catherine do bar é pura luxuria, interessada apenas em transar e mandar fotos sensuais para o celular do rapaz, ao passo que Katherine é o completo oposto e não faz cerimônia em despejar problemas na cabeça do namorado. Em alguns momentos, é realmente tentador seguir o caminho mais fácil.

Além de Vincent e as duas “Catherines”, existem inúmeros personagens fascinantes na história. Como Orlando, Toby e Johnny, eternos companheiros de copo do protagonista, Erica, a sensual garçonete do bar e os demais clientes do estabelecimento.

Você pode (e vai) passar um bom tempo batendo papo com essa gente e descobrindo mais a respeito deles. Embora não haja um sistema de amizade como em Persona 3 e 4, ainda é possível se envolver um bocado com os coadjuvantes e seus problemas.

Dito tudo isso, o ponto forte de Catherine é sua história. Se você é o tipo de jogador que mergulha de cabeça no enredo e personagens de um game, este título foi feito sob medida para você.

A apresentação do game é fenomenal, o que não é surpresa, se lembrarmos os altos padrões que a Atlus estabelece para seus títulos.

O design de personagens ficou a cargo de Shigenori Soejima, responsável por praticamente todo game que se passe no universo de Shin Megami Tensei. Fãs da franquia (seja lá em qual de suas encarnações) reconhecerão as similaridades entre o elenco deste e de games passados.

Existem diversas cenas em animação tradicional produzidas pelo Studio 4°C, (responsável pelo novo desenho dos Thundercats), todas com qualidade espetacular. Os gráficos do jogo são igualmente estupendos e simulam de forma grandiosa um Anime.

Cada personagem possui uma identidade visual própria, que reflete com perfeição sua personalidade. Vincent é um largado que parece não dar a mínima para aparência, Catherine é uma bomba de feromônios que exibe o quanto pode de seu corpo,enquanto Katherine é séria e rígida, fato refletido por suas roupas sóbrias e discretas.

O bar e a casa de sushi foram criados de forma a se assemelharem o máximo possível a estabelecimentos reais e são bastante convincentes em seu trabalho. O mesmo pode ser dito do apartamento de Vincent, que é uma zona, como a casa da maioria dos solteiros.

O visual do mundo dos pesadelos é mais abstrato, mas igualmente funcional. Não dá pra falar muito sem soltar Spoiler, mas assim que passar um tempo lá, será mais fácil perceber como as escolhas visuais para o local fazem sentido.

Embora não haja uma opção para deixar o diálogo em Japonês, a dublagem Norte Americana tem grande qualidade. Ela é composta de atores e atrizes que já emprestaram seus talentos vocais para Persona e qualquer um que tenha passado algum tempo com a série sentirão-se em casa aqui.

A trilha sonora é discreta no dia-a-dia e composta de música clássica nos pesadelos. Embora não seja ruim, não o empolgará a comprar o CD correspondente.

A jogabilidade de Catherine é incomum, para se dizer o mínimo. Existe a etapa de simulador de relacionamentos, mas também as fases de puzzle.

E rapaz, são puzzles como você nunca viu antes.

Em seu pesadelo, Vincent precisa escalar uma torre formada por diversos blocos encaixados nas mais variadas disposições. Algumas partes parecem uma conveniente escada, outras já são plataformas mais distantes e em algumas ocasiões, tudo que há em seu caminho é uma parede sem nenhuma forma aparente de ser escalada.

Sua função é rearranjar os blocos da maneira que melhor se adequarem a seu progresso. Pode ser algo simples como formar degraus com alguns deles ou absurdo, como reorganizar todos os que estiverem em seu caminho de maneira a transformar uma parede lisa em um grupo de plataformas.

E como eu disse anteriormente, a base da parede desaba em intervalos fixos de tempo, então não é aconselhável ficar embromando.

Conforme o jogo avança, a dificuldade aumenta drasticamente. Você irá se deparar com blocos de gelo, blocos com o dobro do peso, ou mesmo blocos explosivos, será necessário aprender a lidar com cada um deles e suas propriedades para prosseguir da melhor forma.

Existem diversos itens ao longo dos estágios. Alguns criam blocos novos para facilitar sua travessia, outros eliminam os inimigos da tela e por aí vai. A subida não é mole, mas pelo menos você não estará de mãos totalmente vazias.

No último andar de cada noite, além dos desafios normais, é preciso encarar um monstro gigante (cada um sempre relacionado a uma das insegurança de Vincente) que faz o possível para atrapalhar a subida. Cada um deles possui ataques especiais diferentes e será preciso aprender seus padrões para poder prosseguir.

Catherine pode ser um game frustrante em alguns momentos. A simples pressão de ter um tempo limitado já complica muito na hora de raciocinar sobre qual a melhor maneira de arrumar o terreno para sua subida. Jogando na dificuldade Easy no entanto, é possível “rebobinar” suas últimas ações e consertar erros, o que é o mais indicado para quem começar a ter enxaqueca com o game.

Entre um andar e outro existem territórios com confessionários, onde é possível conversar com as demais ovelhas e trocar técnicas com elas. Felizmente, tudo que o jogo tem a lhe ensinar é mostrado via práticos videos, que demonstram exatamente como as mesmas funcionam. Já dentro do confessionário, uma voz desencarnada faz perguntas a Vincent (do tipo “O que você faria caso se apaixonasse pela esposa de seu melhor amigo?”). As respostas dadas alteram seu medidor de moralidade.

Ah sim, falemos disso por um instante.

Existe um medidor que pesa suas ações e o define como “sujeito certinho” ou “safado lazarento” (pra colocar em temos simples). Todas as ações que der ao longo do jogo afetam este medidor, o que define o rumo que a história irá tomar.

E quando eu digo “todas as açõea afetarão o medidor”, eu falo sério. As respostas que der no confessionario, as conversas que tiver com os amigos no bar, responder aos torpedos de Catherine ou Katherine, os conselhos que dispensar aos demais clientes do bar, TUDO ISSO afeta a moralidade de Vincent. É preciso ficar de olho aberto se não quiser que balança penda para o outro lado.

Claro, sua moralidade define qual dos finais você verá, de um total de OITO finais, quem quiser ver tudo que a história tem a oferecer precisará terminar Catherine muitas e muitas vezes. O game é relativamente curto e pode ser terminado em um único final de semana se jogado com afinco. Esta premissa pode afastar alguns jogadores, mas é um prato cheio para aqueles que gostam de ver todas as nuances de uma história.

Catherine é um gosto adquirido e um dos poucos (talvez o único) game da atualidade totalmente voltado para adultos.

Sua jogabilidade que depende mais do raciocínio do que destreza e seu enredo que trata de problemas “de gente grande” pode não apetecer muito ao público mais jovem. Mas jogadores mais velhos que procurem algo diferente e com personagens com os quais possam se identificar, terão em mãos um dos mais incríveis títulos já produzidos.

Nota do Amer: 9.0

Cheers!!!

Captain America: Super Soldier

2011-07-31T16:15:00.000-03:00

Então, o filme do Capitão America chegou aos cinemas e é excelente. Uma das melhores histórias de super herói a chegar às telonas nos últimos anos.

Como não poderia deixar de ser, um game feito pra aproveitar o embalo do filme também foi produzido e acabou de aterrissar nas lojas. Agora, eu sei o que você está pensando: “Mas deve ser uma bosta oportunista, feita pra arrancar a grana de vovós desavisadas e crianças tontas com elefantíase.”

Admito que fiquei com um pé atrás quando ouvi falar deste game pela primeira vez. Ok, as fotos não pareciam ruins, os vídeos muito menos e haviam rumores de que a jogabilidade era inspirada em Batman: Arkham Asylum. Se você quer copiar o estilo de um jogo com super herói, não há escolha melhor do que essa.

Mesmo assim, Captain America: Super Soldier é baseado em um filme e a regra diz que isso nunca acaba bem.

Bom, toda regra possui algumas exceções e esta é uma delas.

Diferente de muitos games que tentam recriar a história de um filme passo por passo, Captain America: Super Soldier usa uma abordagem bastante criativa para mover seu enredo.

No filme, há uma montagem de cenas que mostra o Capitão e seus soldados destruindo inúmeras bases de HYDRA. Nada é mostrado em grandes detalhes, vemos apenas o suficiente para saber que o Caveira Vermelha está tendo a bunda chutada de forma fenomenal.

Pois bem, o game nada mais é que um destes ataques a uma base da HYDRA. Sua história faz parte do filme, sem nos obrigar a rever tudo aquilo que já assistimos quando fomos ao cinema.

Desta forma, os produtores puderam tomar algumas liberdades e apresentar personagens dos quadrinhos que não foram transcritos para o cinema. Existem inúmeras menções ao Barão Zemo e temos a oportunidade de lutar contra a (incrivelmente sexy) Madame Hydra. O Caveira Vermelha aparece, embora o foco principal da narrativa não esteja nele, mas sim em seus subalternos.

E é basicamente isso, não há uma história profunda e cheia de significado no game, apenas um ataque dos Aliados a uma base Alemã na Segunda Guerra. Pode parecer pouco, mas isso sempre nos bastou quando jogávamos Call of Duty ou Medal of Honor.

Aliás, esses games nem tem Capitão America, o que já conta pontos a menos pra mim.

A apresentação do game tem pontos altos e baixos, ambos muito claros. Falemos um pouco deles.

Os modelos dos personagens são bem construidos, mas as texturas deixam a desejar no caso de alguns personagens. Capitão América, Madame Hydra e vários capangas possuem texturas muito boas, o que não acontece com Bucky Barnes, Dum Dum Duggan e diversos outros que tem pouco tempo de tela.

Considerando que este game foi produzido para ser lançado junto de um filme, podemos deduzir que seus programadores preferiram dedicar mais tempo a construir os personagens que apareceriam mais na história e deram atenção reduzida aos que fariam apenas pontas. É compreensível, mas meio inaceitável hoje em dia.

A animação dos personagens também tem qualidade inconstante. O Capitão corre de um jeito meio estranho, algo difícil de ignorar quando passamos 10 horas seguidas com o personagem, e muitos de seus ataques não passam o impacto que seria natural para alguem com super força. Os movimentos acrobáticos do Capitão America, no entanto, são bastante fluidos e demonstram de forma muito natural suas habilidades atléticas.

Os inimigos também possuem falhas claras em sua movimentação, especialmente quando são levados a nocaute e tombam de uma forma totalmente artificial, como se fossem bonecões feitos de sacos de farinha.

O som é outro ponto que merecia um pouco mais de atenção. Efeitos sonoros são adequados e bem usados, mas a música do jogo (quando ela está presente) é totalmente imperceptível e dispensável. Não há um tema sequer que vá ficar na sua cabeça quando terminar uma partida.

A dublagem é em sua maior parte bem feita, com atores que já possuem experiência em emprestarem suas vozes para games. O problema maior está em Chris Evans, que está totalmente sem inspiração ao reprisar seu papel como Steve Rogers.

Talvez ele já estivesse de saco cheio de fazer o personagem ou simplesmente não tenha curtido muito o processo de dublagem. Mas se Hugh Jackman conseguiu fazer um bom trabalho em X-Men Origins: Wolverine, Evans podia ter se dedicado um pouco mais também.

Já é dificil defender o Capitão America dos fanboys do Wolverine, não é como se precisássemos de mais esse obstáculo.

Quanto à jogabilidade, os boatos eram verdadeiros, este game copia descaradamente Batman Arkham Asylum. Acreditem ou não, foi a melhor coisa que seus programadores poderiam ter feito.

Captain America: Super Soldier tem um mundo enorme a ser explorado, a base da HYDRA é dividida em inúmeras áreas diferentes, há uma mansão, um laboratório, uma prisão entre outras. Todos os locais são interligados e podem ser visitados livremente, embora seja preciso destravar cada uma delas através de progresso no jogo primeiro.

Todos os objetivos estão claramente marcados no mapa, desde a próxima missão a cada um dos colecionáveis. Há um bocado de coisas para se coletar neste jogo, mas todas podem ser facilmente encontradas, o que é um alívio para quem gosta de completar um game 100%, mas simplesmente não tem o tempo necessário para tal.

Existem diversos momentos de ação em plataformas, mas são bastante simples. O game mostra exatamente para onde é preciso saltar e mesmo quando isso não acontece, é fácil deduzir qual seu próximo passo. Os movimentos acrobáticos do Capitão America não requerem pouco mais que pressionar um botão, o que pode decepcionar aqueles que buscam algo mais complexo e desafiador.

O combate é disparado a parte mais satisfatória deste game. O Capitão possui um bom número de ataques, movimentos de esquiva e contra golpes, que podem ser misturados ao gosto do jogador. Como resultado, é possível emendar longas e belíssimas sequências de combos em seus inimigos.

Existe uma barra de especial também, segmentada em quatro níveis e que é preenchida conforme se espanca os inimigos ou se apanha deles, cada nível desta barra permite utilizá-lo um movimento especial diferente, como um golpe especial forte o suficiente para derrubar a maioria dos oponentes, a habilidade de nocautear um adversário e utilizar sua arma contra os outros, ou simplesmente deixar o Capitão invencível e com o dobro da força por um breve período de tempo.

Seu escudo é também parte pivotal dos combates. É possível rebater qualquer tipo de projétil disparado em sua direção, “programá-lo” para atingir inimigos específicos em sucessão, ou simplesmente arremessá-lo feito um doido contra um pelotão de adversários e ver o que acontece. De uma forma ou de outra, é divertido pra diabo brincar com ele.

É possível comprar alguns upgrades também, através de pontos acumulados sempre que se derrota inimigos ou quando se encontra um colecionável. As novas habilidades aumentam ainda mais o poder de destruição do Capitão America, que torna-se uma máquina de guerra infalível uma vez que se aprende a controlá-lo.

Há um Challenge Mode também, com diversas missões curtas que devem ser completadas em tempo limitado. Tais desafios o colocam em situações de combate ou acrobacias bastante similares as do jogo normal e podem ser resolvidas sem grandes dificuldades.

Dito isso, tenha em mente que Captain America: Super Soldier é um jogo bastante fácil, possivelmente desenvolvido tendo em mente a garotada que se empolgaria com o filme e correria para comprar o game. Jogadores ultra hardcore atrás de um desafio maior deveriam passar longe deste título.

Por outro lado, sujeitos obcecados por Achievements/Trophies tem uma excelente pedida aqui, uma vez que este é um dos games mais fáceis da atualidade de se completar todos os desafios. Em dois dias é possível conquistar tudo que há neste título, sem que seja necessária uma dose inumana de esforço.

Captain America: Super Soldier é uma boa surpresa. Não vai se tornar um dos games mais memoráveis de todos os tempos e grande parte das pessoas talvez prefira deixá-lo passar, mas aqueles que gostam de super heróis e buscam um jogo de ação divertido e simples, encontrarão uma boa diversão aqui.

AVANTE VINGADORES!!!

...

Tá bom, ainda falta um ano, mas eu posso me empolgar desde já, não?

...

Ahhh, vá pular no lago!

Nota do Amer: 7.0

Cheers!!!

Shadows of the Damned

2011-07-17T20:53:00.003-03:00

Então, você gosta de Resident Evil?

Claro que você gosta de Resident Evil! Todo mundo adora Resident Evil, eu, você, sua mãe e até o Papa! Todos amamos explodir zumbis, mutantes e Tyrants com armas mirabolantes empunhadas por uma policial de minissaia.

Agora, imagine como seria se Robert Rodriguez, diretor de A Balada do Pistoleiro, Era Uma Vez no México e muitos outros filmes onde mexicanos enchem estranhos de chumbo como se não houvesse amanhã, produzisse um game da série Resident Evil.

Pois foi o que aconteceu aqui... mais ou menos.

Suda 51 (diretor de Killer 7), Shinji Mikami (criador de Resident Evil) e Akira Yamaoka (compositor de Silent Hill) uniram forças para criar este game, provavelmente após passarem um Sábado inteiro assistindo a uma maratona de filmes de Rodriguez e enchendo a cara de tequila.

Então... a união faz a força, não? Esses três juntos devem ter criado o melhor game de ação de todos os tempos, correto?

É o que vamos descobrir.

A história segue as desventuras de Garcia Hotspur, estereótipo mexicano e caçador de demônios e cruz credos. Uma noite, ao chegar em casa do trabalho, ele encontra sua amante, Paula, enforcada no ventilador de teto.

Antes que possa dizer “dios mio, que mierda”, a moça é partida ao meio e um demônio sai das entranhas dela. Então aparece outro, depois outro e assim sucessivamente.

Após matar tudo de vivo que invadiu seu apartamento, Garcia dá de cara com Fleming, senhor do Inferno, que tem um interesse muito particular em Paula. Ele sequestra a garota e volta para seu domínio, seguido de perto por Garcia, que fará tudo que puder para reaver o amor de sua vida.

Claro, Garcia não está sozinho. Ele conta com a ajuda de Johnson, um crânio flamejante que fugiu do inferno e pode se transformar em diversos tipos de armas, além de possuir um conhecimento vasto de como o Inferno funciona e um sotaque inglês fenomenal.

A história não traz muito além do “salve a namorada em perigo”, não que precisemos de muito mais, resgatar nossa garota é tudo que bastava na década de 1980. No entanto, o que Shadows of the Damned não tem em complexidade, ele mais do que compensa em humor.

Shadows of the Damned não se leva a sério em momento algum, ao longo do jogo encontramos diabinhos alados cagões (que servem de Checkpoint), cabeças de bode que funcionam como fonte de luz, portas choronas que só abrem depois que lhes é dado algo pra comer e por aí vai.

O game também mostra uma visão bastante peculiar do Inferno, que é composto por bairros Mexicanos, parques de diversão, vilas, uma biblioteca e claro, uma masmorra. Há cadáveres, sangue e entranhas por toda parte, mas fora isso, esta definitivamente não é sua visão normal de Inferno.

A história também segue bem de perto a narrativa dos filmes “exploitation”, onde o mau gosto é uma eterna constante. A violência é exagerada, Garcia xinga como se não houvesse amanhã, Fleming faz várias analogias ao tamanho de sua genitália, Johnson tem uma ereção que pode ser usada como arma quando liga pro tele-sexo e Paula veste apenas uma lingerie na maior parte do jogo.

Exceto nas cenas em que é preciso usar uma Paula gigante como ponte, nestes momentos ela veste só meia lingerie.

Então... é... classe e moderação passam bem longe deste game. Se você não liga pra isso, um motivo a mais para jogar.

O visual de Shadows of the Damned é muito bem trabalhado, embora não perfeito.

Os modelos dos personagens são bem construídos e possuem texturas ótimas e detalhadas. Claro, os personagens principais são muito mais bem feitos que os inimigos comuns, mas no geral, tudo foi feito com dedicação.

O maior problema dos gráficos se encontra na velocidade de carregamento das texturas. Em alguns trechos, o jogo vai demorar a carregá-las e por alguns segundos, você se verá forçado a atravessar um cenário sem nenhum detalhe, bem como enfrentar inimigos cujo visual foi parcialmente carregado.

Este problema será presente mesmo quando o jogo for instalado no HD e embora não quebre a jogabilidade, é uma daquelas falhas técnicas meio imperdoáveis hoje em dia.

O som é bem executado, apesar de ter sua dose de problemas também.

Comecemos pela dublagem. Ela é... cafona.

Digo, a cafonice combina muito bem com a ambientação ridícula do jogo. Steve Blum (que dubla o Wolverine em praticamente todo desenho e game com o personagem) faz um ótimo serviço como Garcia, com seu sotaque latino de segunda categoria e Gregg Ellis é um excelente alívio cômico como Johnson. O resto do elenco também trabalha muito bem, não há o que reclamar das vozes presentes aqui.

A trilha sonora é boa também, embora muitas vezes soe como algo que já conhecemos. A presença de Akira Yamaoka torna as músicas deste game muito similares as de Silent Hill em certos momentos e é difícil não achar que o compositor ficou meio preguiçoso enquanto trabalhava em Shadows of the Damned.

Ah bem, não se pode ser perfeito em tudo.

Shadows of the Damned é um shooter em 3ª pessoa, bem ao estilo de Resident Evil 4 (ou do 5, claro), um estilo bem familiar para a maioria das pessoas hoje.

A jogabilidade é linear e sem muita profundidade, o jogador avança pelo cenário, metendo chumbo grosso em todo inimigo que cruzar seu caminho. Vez ou outra aparece uma bifurcação onde é possível encontrar diamantes (com o qual se pode comprar itens), cristais vermelhos (para evoluir suas armas, energia e equipamentos) ou munição para as armas. Mas na maior parte do tempo, é bastante fácil saber por qual caminho seguir.

Garcia tem apenas três armas em seu inventário, uma pistola, uma espingarda e uma metralhadora (única arma com o qual não se começa o jogo). Toda funcionam da exata maneira que se espera em um game do gênero e ganham novas habilidades sempre que se derrota um chefe. A espingarda passa a disparar granadas também e a metralhadora ganha tiros teleguiados por exemplo.

O herói ainda possui um tiro de luz, que paralisa inimigos temporariamente (e os deixa abertos para uma execução) ou que pode ser utilizado em cabeças de bode ou lamparinas para eliminar a escuridão de um cenário.

Quanto ao combate, ele é extremamente simples. A maioria dos inimigos é totalmente vulnerável a seus ataques, tiros na cabeça os matam na hora e tiros nas pernas os derrubam no chão e os deixa prontos para serem pisoteados. Em boa parte dos casos, um tiro com a espingarda é mais que o necessário para se livrar dos adversários normais.

Alguns oponentes possuem um ponto fraco específico mais difícil de ser atingido, mas eles abrem a guarda facilmente. A inteligência artificial não é das melhores aqui, basta decorar os padrões de ataque de seus inimigos que não haverão grandes problemas.

Os chefes também não são um grande problema. Na maioria das vezes, a maior dificuldade é aprender como causar dano a eles e uma vez que isso é descoberto, os embates se tornam bastante simples. O pior dos chefes chega a ser irritante, mas nunca difícil.

Em algumas etapas, Garcia precisa atravessar locais envoltos em uma escuridão mais densa que o normal. Quando isso acontecer, ele tem de encontrar uma cabeça de bode para iluminar a área ou sair dela o mais rápido possível, ou terá suas energias drenadas. Essa escuridão se torna necessária em algumas etapas, para ativar dispositivos que removerão obstáculos, ou para destruir alguns inimigos maiores. Ela não acrescenta muita estratégia ao jogo, mas pelo menos traz alguma variedade.

Existem alguns trechos em 2D também, onde é possível controlar uma figura de papel de Garcia, em uma fase com jogabilidade ao estilo Shooter (como em Gradius). Apesar da idéia bacana, estas fases são lentas e não funcionam tão bem quanto deveriam, é muito fácil entalar em algum trecho do cenário e morrer de forma besta.

Finalmente, Shadows of the Damned não possui um mecanismo de New Game +. Sabe quando você termina Resident Evil 4 (ou o 5, lógico) e pode recomeçar o jogo com todas as armas, itens e upgrades que conquistou ao longo de sua primeira partida? Então, isso não existe aqui.

A primeira vista não parece um grande problema, exceto pelo fato de que é preciso um bom investimento de tempo para se evoluir todas as armas e itens a sua capacidade máxima. Ver todo este esforço jogado fora desestimula um bocado qualquer jogador que queira completar o game mais de uma vez.

Aliás, não tem modo Online. Shadows of the Damned é para pessoas sozinhas e solitárias.

Diabo de Multiplayer! Destrói tantas famílias...

Considerando os nomes envolvidos, Shadows of the Damned deveria ter sido um game fantástico, mas ele nasceu com falhas que já deveriam ter sido eliminadas deste tipo de game há anos e isso o impede de atingir todo o seu potencial.

Garcia Hotspur e Johnson lhe trarão uma boa diversão, com certeza, mas não têm chance nenhuma de tomar a posição de Resident Evil ou Silent Hill como um representante do gênero Survival Horror.

Se bem que como um amigo meu disse uma vez: “a partir do momento que você pode usar um lança foguetes, o jogo deixa de ser Survival Horror”.

Palavras mais sábias nunca foram ditas.

Nota do Amer: 7.5

Cheers!!!

Streets of Rage Remake

2011-06-25T06:42:00.022-03:00

Todos já passamos por uma situação como esta: você assiste um filme ou joga um game e não gosta do produto. Quando está tentando explicar o que o desagradou nele, um espírito de porco entra na conversa sem ser chamado e solta a lendária frase “faz melhor então, mano!”

Um belo dia, um grupo de fãs (auto-batizado de Bomber Games) estava provavelmente reclamando do fato da Sega regular o lançamento de um novo Streets of Rage e do quanto a empresa abandonou seus ideais para apenas prostituir o mascote da casa em games imbecis, ou títulos esportivos com aquele que um dia havia sido seu maior rival.

Alguem então deve ter entrado na conversa e dito “vão fazer um Streets of Rage então, já que vocês são os bonzões!”

E assim eles fizeram! De 2003 a 2011, o grupo dedicou-se de corpo e alma a recriar a saga de pancadaria da Sega, com todo o amor que somente um fã é capaz de dispensar. Após quase uma década de trabalho árduo, o jogo foi terminado e colocado na internet gratuitamente, para todos os que tivessem curiosidade de jogar.

Uma semana depois, a Sega pediu a eles que tirassem o jogo do ar.

Ciumes, Sega? Ou medo de todos verem que um grupo de fãs sem grana consegue produzir algo muito melhor do suas centenas de programadores?

Enfim, uma das minhas regras ao escrever críticas de games, é que não avalio trabalhos de fãs. A maioria não tem a qualidade que se espera de um título profissional, fica difícil achar pontos positivos e julgar um produto amador baseado em suas falhas chega até mesmo a ser cruel.

Mas Streets of Rage Remake é uma exceção a esta regra e vou lhes mostrar por quê!

Uma massiva organização criminosa chamada O Sindicato, tomou as ruas da cidade. Capangas de baixo nível, gangues de rua, psicopatas e assassinos profissionais estão todos sob o controle do chefão Mr. X, que estendeu suas garras por toda a cidade e se diverte com ela como se fosse um mero brinquedo.

A polícia nada pode fazer a respeito, é quando três oficiais abandonam a força e decidem eles mesmos dar um jeito na situação. Adam Hunter, Axel Stone e Blaze Fielding partem em busca de trazer um pouco de justiça e paz para as ruas de sua cidade. Mas eles não estão sozinho, pois contam com a ajuda de Max Thunder, lutador profissional, Sammy Hunter, irmão de Adam e Dr. Zan, ex-membro do sindicato.

Juntos, os seis pretendem enfrentar com coragem e determinação às RUAS DA RAIVA!!!

...

É.

Streets of Rage Remake pega a trilogia original e mistura o enredo de todas as versões em uma única história. Os fãs mais puristas podem torcer o nariz, mas não é como se a série tivesse a história mais original de todos os tempos. Normalmente ela envolve Mr. X dominando a cidade e sendo deposto pelos heróis, a única real variação é se ele usa robôs ou não.

Sendo Streets of Rage Remake uma amálgama dos demais títulos da série, não é surpresa que TODOS os personagens que apareceram na trilogia original tomem parte deste aqui. Não me refiro apenas aos seis heróis, mas a chefes e inimigos comuns também, de Roo a Shiva, todo aquele que foi espancado nos títulos do Mega Drive dá as caras aqui, de uma forma ou de outra.

Mas estou me adiantando. Falemos um pouco da parte técnica do jogo.

Os gráficos e som de Streets of Rage Remake são simplesmente espetabulosos, não há como descrevê-los de outra maneira. Os caras da Bomber Games reaproveitaram tudo que puderam dos jogos originais, mas também criaram muita coisa, para tornar a experiência a mais completa possível.

Os sprites de animação de Axel, Blaze, Sammy e Dr. Zan foram retirados de Streets of Rage 3 (ou Bare Knuckle III, o que eu prefiro), os mais completos da série. Max veio de Streets of Rage 2, que não possui tantas animações quanto o elenco da parte 3.

Sem problemas, os programadores criaram animações de corrida e um ataque com corrida para Max, habilidades que só surgiram em SoR 3. Adam, que havia parado no primeiro game da série, recebeu um sprite de animação completamente novo, com toda a mobilidade característica do terceiro game da trilogia.

De fato, todos os cenários e inimigos que foram aproveitados do Streets of Rage original receberam um tremendo banho de loja. Cenários foram recriados e inimigos ganharam novos modelos de animação. Oponentes inéditos foram adicionados ao jogo também, com reaproveitamento de gráficos de personagens já existentes.

Infelizmente, nem tudo é perfeito, os novos sprites de animação não são detalhados como aqueles criados para os jogos originais. Tenha Axel e Adam juntos na tela por muito tempo e a diferença na qualidade entre ambos se torna notável. Não é algo que destrua a diversão, mas pode se tornar um incômodo para aqueles com olho mais clínico para detalhes.

Muito melhores são os efeitos de luz e sombreamento. Sempre que seu personagem estiver próximo a uma fonte de luz (como uma chama) é possível perceber o brilho da mesma sobre sua pele. As sombras dos personagens na tela são projetadas pelo cenário de acordo com a iluminação ambiente.

Mas caso prefira um visual mais clássico, é possível mexer em inúmeras opções no menu de gráficos, decidir a quantos frames por segundo o jogo deve rodar, escolher um filtro de imagem que melhor se adeque a seu monitor ou mesmo escolher qual modelo de sombra, o moderno ou o clássico (aquele círculo preto abaixo do personagem) que será visto no jogo.

Entre todas as fases existem cenas narrativas, que existem para ajudar a história a prosseguir. Apesar da boa idéia, elas não ajudam muito ao já magricelo enredo do jogo e francamente, não são muito bem desenhadas. O trabalho pode não ser profissional, mas não é como se não existissem excelentes artistas amadores no deviantART que adorariam tomar parte neste projeto.

O som por outro lado, é simplesmente PERFEITO! Lembra das composições de Yuzo Koshiro para a série original e o quanto eram boas, saindo de um cartucho de Mega Drive? Pois imagine-as recriadas com tecnologia de som moderna.

AAAAAAHHHHHHHH SIIIIIIIIM!!!

Eu não entendo muito de música e não sei dizer se foram recriadas com programas músicais ou se foram executadas por músicos de verdade, mas o simples fato de eu estar em dúvida já mostra o quanto a trilha sonora de Streets of Rage Remake é fantástica. Faça um favor a si mesmo e use fones de ouvido na hora de jogar, faz muita diferença.

Os sons do ambiente foram refeitos também, mas todas as vozes permanecem as mesmas, só pra manter um toque saudosista. O audio de Streets of Rage Remake é o melhor dentre os melhores, simplesmente.

A jogabilidade aqui apresentada é a clássica da série, com acréscimos e extras suficientes para deixar até o mais chato dos fãs feliz.

Assim que escolher um dos seis heróis, é preciso selecionar um dentre quatro “caminhos”. Três deles representam os jogos originais, com as mesmas fases e na mesma sequência dos quais nos lembramos, o quarto apresenta alguns estágios originais que eventualmente nos levam às etapas finais de um dos outros caminhos.

Os personagens possuem todo o arsenal de movimentos de Streets of Rage 3, o que é um bocado, diga-se de passagem; sequências de socos, os mais variados agarrões, a corrida com ataque e até os movimentos especiais. As vantagens apresentadas nele também estão presentes, a corrida com ataque evolui sempre que se atinge uma certa pontuação e os golpes especiais ainda possuem uma barra que se preenche automaticamente e que evita o gasto de energia quando um destes movimentos é usado.

E aliás, sabe quem está de volta? O carro de polícia!

Isso mesmo! O carro de polícia de Streets of Rage 1, que disparava um míssil na tela (ou uma saraivada de tiros) e matava tudo que estava ao seu redor! Ele voltou, e com uma capacidade destrutiva ainda maior do que no passado!

E quando seus personagens estiverem em um local que o carro de polícia não pode chegar (como o topo do vagão de um trem), será um helicóptero que fará uma limpeza na tela.

BRUTALIDADE POLICIAL! É ISSO AÍ!!!

Mas não é porque você tem golpes especiais e o policial Tackleberry ao seu lado que as coisas serão fáceis. Os chefes de fase podem dar um trabalho considerável, bem como os inimigos comuns, que em alguns momentos conseguem cercá-lo e podem dizimá-lo quase que sem esforço. SoR Remake não chega a ser desleal como SoR 3, mas oferece um ótimo desafio e você estará cometendo um erro em subestimá-lo.

Para os solitários que não dispensam uma partida em dupla, existe a opção de jogar com um parceiro controlado pelo computador, assim como em Final Fight 3. É possível escolher como será o comportamento do colega, entre agressivo, passivo, balanceado ou outras que lhe apeteçam. Se você sente saudade da época em que jogava com seu amigo fominha, que recolhia todas as vidas, matava todos os inimigos e comia todos os frangos, é só programar o computador pra agir como um lazarento egoísta e relembrar dos velhos tempos.

Finalmente, Streets of Rage Remake possui QUILOS de extras que podem ser comprados e que aumentam a vida útil do jogo. Ao longo da partida, é possível recolher dinheiro, jóias e vários itens que lhe rendem pontos, assim que terminar o jogo, todos eles serão convertidos em dinheiro e somados a uma graninha que é recebida de acordo com seu desempenho na partida (quantos Continues usou, nível de dificuldade e por aí vai). Tudo que precisa fazer, é ir até a lojinha de Blaze e torrar essa grana nos itens lá presentes.

Dentre os itens a venda, é possível comprar o modelo japonês de Blaze (que mostra a calcinha quando usa uma voadora), a habilidade de transformar todas as armas do jogo em Lightsabers ou mesmo vidas infinitas. Existem ainda seis personagens secretos que podem ser liberados para o uso no Story Mode, não vou revelar quem são, divirta-se destravando todos.

Claro, liberar todos os extras leva um LOOOOOOOOOOONGO tempo, recomendo que você compre uma cadeira de computador bem confortável se quiser liberar tudo. E um joystick de qualidade, SoR Remake pode ser jogado com o teclado, mas só com um controle nas mãos é possível aproveitar a experiência na íntegra.

Muitos podem dizer que Streets of Rage Remake é um crime que viola a propriedade intelectual da Sega. Eles não estão errados, mas prefiro ver este game como a declaração de amor de um grupo de fãs, por uma indústria que muitas vezes os ignora.

Mais do que isso, Streets of Rage Remake é um elo com o passado, uma época em que mentes criativas eram mais decisivas na criação dos games do que o setor de marketing, um tempo em que as empresas não lançavam jogos incompletos na esperança de lucrarem por meses as custas de DLC, nem dedicavam-se a periféricos que serão deixados de lado pelo público casual assim que a novidade deles se acabar.

Streets of Rage Remake não é perfeito, mas nenhum game é. O que importa é que este título, provavelmente criado em quartos apertados, através de muitas madrugadas em claro e por pessoas que não ganharam um centavo sequer, nasceu com qualidade o suficiente para assustar uma gigante da indústria. Motivo mais que o suficiente para merecer nosso prestígio e admiração.

E mesmo após ter sido tirado do ar, SoR Remake não será esquecido. A internet não se esquece de nada.

Nota do Amer: 10

Cheers!!!

Super Street Fighter IV: Arcade Edition

2011-06-22T15:25:00.002-03:00

Pois é, a Capcom fez de novo.

Ingênuos aqueles (eu incluso) que acreditaram que Super Street Fighter IV seria a primeira e única atualização do game. Claro que os produtores não perderiam MAIS UMA CHANCE de explorar sua série mais famosa até as últimas consequências.

Desta forma, temos Super Street Fighter IV: Arcade Edition, que acrescenta quatro novos lutadores ao elenco e que pode ser comprado tanto como uma expansão pela Xbox Live/Playstation Network, quanto como um jogo completo, para os fãs que inexplicavelmente ainda não possuem uma cópia do Super Street Fighter IV normal.

Então, vale a pena? Ou é só mais uma exploração sem sentido que intenciona apenas arrancar uma graninha a mais do público por um game que eles já tem?

Pois vamos descobrir!

E aliás, o review de hoje será curto. Afinal de contas, essa já é a terceira vez que analiso este game. Pra tudo tem limite!

A história é exatamente a mesma dos games anteriores: Seth, nudista metálico e líder da S.I.N, organiza um torneio mundial de artes marciais, pois isso de alguma forma o auxiliará na tarefa inglória de dominar o mundo. Lutadores dos quatro cantos do planeta se reunem no campeonato, cada um com um propósito particular. Chun Li quer botar Seth na cadeia, Abel deseja descobrir mais sobre seu passado, Dan quer divulgar sua academia e Juri quer chutar a bunda de todo mundo enquanto tem orgasmos múltiplos no processo.

A única diferença é que agora temos quatro lutadores novos para brincar. Os gêmeos Yun e Yang, Evil Ryu e Oni.

Yun e Yang apareceram em Street Fighter III, são sobrinhos de Lee (o chinês genérico de Street Fighter I) e discípulos de Gen. Os dois tem um relacionamento mal explicado com Chun Li, nunca é claro se são alunos dela também, ou se simplesmente a admiram.

Óy! Eles são adolescentes! É plenamente aceitável que admirem uma MILF como a Chun Li.

Enfim, os dois vêem Chun Li abandonar a aposentadoria para ir atrás de Seth e sabem que somente um adversário impressionante a forçaria a isso. Eles logo se inscrevem no torneio a fim de testar sua força contra novos oponentes.

Evil Ryu é outra história. Para quem não sabe, ele é nada mais que o herói da série possuido pelo Satsui no Hadou, o poder maligno que Akuma domina. Logicamente, isso causa um rombo imenso na continuidade da série.

Evil Ryu apareceu pela primeira vez em Street Fighter Alpha 2, quando Akuma revelou que Ryu tinha o mesmo tipo de poder que ele. Em Street Fighter II, que se passa após a série Alpha, não há sequer menção deste poder, o que leva a crer que Ryu o dominou.

Mas agora, em Street Fighter IV, ele volta do nada. De fato, um dos Animes baseados neste jogo focou parte de seu enredo no fato de que Ryu pode perder o controle e ser dominado facilmente pelo Satsui no Hadou. Por outro lado, Street Fighter III, que se passa depois do IV, também não faz menção nenhuma a este poder, e...

...

Por que estou tentando colocar lógica em uma série com brasileiros eletrizantes, indianos de borracha e colegiais japonesas de 37 anos?

Enfim, Oni! Ele é o Akuma quando este decide usar 100% de seu poder. E ele é roxo.

Yun e Yang são uma boa adição ao enredo do jogo, já Evil Ryu e Oni não acrescentam NADA a ele. No fim, eles são divertidos de se jogar e isso é tudo que basta.

Considerando que este game nada mais é que Super Street Fighter IV com algum tempero, é de se esperar que a apresentação continue a mesma. Gráficos e som não receberam nenhuma acréscimo, o que é um alívio. As vezes, menos é mais.

Então, falemos um pouco dos novos personagens, non? O que eles trazem à mesa?

Yun e Yang são bastante normais (para os padrões de Street Fighter) e se encaixam perfeitamente ao resto do elenco. Evil Ryu e Oni por outro lado, são mais chamativos que um sujeito com uma melancia de neon pendurada no pescoço e cantando Ilariê em Sueco no meio da Avenida Paulista na hora do Rush.

Evil Ryu deixou de ser uma mera versão bronzeada do personagem principal. Ele agora possui uma postura muito mais agressiva, sua roupa está rasgada, ele tem um furo no peito (eeeeewwwww) e uma aura vermelha ao seu redor. É bem mais fácil acreditar que o Ryu foi possuído pelo mal desta vez.

Oni não é mais simplesmente o Akuma vestindo um gi púrpura. Ele possui massa muscular que em sua versão original e possui traços muito mais adequados a um demônio japonês. Ele também possui uma aura ao seu redor, mas roxa, que parece se mesclar ao seu tom de pele, simbolizando o abandono de sua humanidade e o completo domínio deste poder assassino.

Os ataques especiais de Evil Ryu e Oni são mais cheios de efeitos que os dos demais personagens, como uma maneira de demonstrar que estes dois estão em um nivel muito acima dos outros competidores.

Os quatro recém chegados ganharam aberturas e fechamentos em animação também. Novamente, não acrescentam muito a história, mas desde o dia em que Ryu e Ciclope se tornaram camaradas, enredo e coerência são o de menos nesta série.

A jogabilidade não ganhou nenhuma mudança notável. Alguns ajustes foram feitos, mas são quase imperceptíveis. Somente jogadores ULTRA HARDCORE que contam os frames de animação em cada ataque e sabem aproveitar uma brecha de frações de segundos para encaixar um combo, perceberão todas as minúcias que foram mexidas nesta expansão.

Agora, falemos mais uma vez dos quatro novos competidores, porque... bem, por que não?

Yun e Yang são ágeis e com ótima capacidade ofensiva. Embora pareçam personagens fáceis de controlar, é preciso uma boa dose de dedicação para se dominá-los. Obviamente, eles são mais indicados a jogadores com alto grau de experiência. Não surpreende ninguem, os gêmeos são considerados personagens de alto nível pela galera que participa das competições de Street Fighter IV no Japão.

Em outras palavras, se você jogar online e seu adversário escolher Yun ou Yang, chore. É tudo que poderá fazer.

Evil Ryu e Oni por outro lado, são bem mais simples e podem ser utilizados facilmente por jogadores de qualquer nível. Apesar de todo o poder que exibem, eles não são lutadores desequilibrados em relação ao resto do elenco, verdade seja dita, não há uma diferença tão grande entre a versão normal de Ryu e sua variação “evil.”

Mas nem tudo são rosas, a ausência de Trials para os novos personagens é um tanto imperdoável. Pode parecer um erro perdoável, mas tal modo é perfeito para se treinar combos e os quatro novatos já entram na brincadeira desfalcados por esta falha.

Acréscimos mínimos também foram feitos ao modo Online. Agora, se os replays de algum jogador o impressionarem, você pode segui-lo (estilo Twitter) e acompanhar novos videos de suas partidas com mais facilidade.

E se quiser, você pode “filtrar” suas opções na hora de escolher um oponente e selecionar entre jogadores que usam a versão normal de Super Street Fighter IV ou os que possuem a versão Arcade. Desta forma, quem não quiser comprar a expansão não será deixado de fora da brincadeira.

Pois é! Causar concussões em árabes oleosos é uma experiência inclusiva! Quem diria?

Então, Super Street Fighter IV: Arcade Edition vale a pena? Bom, isso depende.

Se você é um fã devotado de Street Fighter e não aceita NADA MENOS que a experiência mais completa que um game da série tem a oferecer, sim, vale a pena.

Mas caso seja um jogador casual de games de luta que já abandonou SSF IV há algum tempo e partiu para outros títulos do meio, esta expansão dificilmente o fará voltar atrás.

Então? Será esta a última vez que a Capcom faz acréscimos a Street Fighter IV? Ou será que em alguns meses teremos o anúncio de AINDA MAIS personagens novos?

Sinceramente, quando falamos de Street Fighter e Capcom, é difícil adivinhar. Vamos torcer apenas para que demore menos de dez anos para que lancem Street Fighter V.

...

Sonhar é de graça.

E antes que eu me esqueça: NÓS VAMOS AO ENCONTRO DO MAIS FORTE!!!

Nota do Amer: 8.5

Cheers!!!

Transformers: Dark of the Moon

2011-06-20T21:41:00.001-03:00

Então, mais um ano, mais um game de Transformers.

O terceiro (mas dificilmente último) filme da multimilionária saga de Michael Bay logo estreará em cinemas do mundo todo... em 3D.

Como era de se esperar, os fãs de Transformers já se dividiram em duas facções que travam guerra brutal ao longo da internet. Metade deles acredita que este filme será a melhor invenção de todos os tempos, melhor mesmo do que pão enlatado, os demais acham que o lançamento deste filme será acompanhado dos Cavaleiros do Apocalipse e de uma Dilma de 150 metros devoradora de crianças.

Eu simplesmente espero que sejamos poupados de ver genitálias robóticas desta vez.

Claro, com o filme chegando, é óbvio que um novo game viria a qualquer momento. Mais um título licensiado, com a ingrata missão de vender algumas cópias as custas de pimpolhos e jovens ultra empolgados com o filme, que não ligam de pagar por um título que não seja grande coisa, contanto que tenha seus heróis na capa.

Ou talvez não. Transformers: Dark of the Moon foi produzido pelo High Moon Studios, responsável também pelo ótimo Transformers: War for Cybertron.

Então? Este game mantem-se de pé... ou tomba? Ele torna-se um com a Matriz... ou não vale a sujeira do chão da Casa de Óleo de Maccadam? É agradável e apaixonante como Arcee... ou instável e perigoso como Slipstream?

Eu farei a crítica de uma vez ou me perderei em referências de Transformers até Todos serem Um?

HA! Fiz mais uma!

...

Ok, ok! Vamos ao review.

Obviamente, o game tem seu enredo baseado no filme. Como no momento em que escrevo este review, ele ainda não estreou nos cinemas, é difícil saber o quanto de seu roteiro é revelado durante o jogo.

Pois bem, os Decepticons localizam ruinas antigas construidas sobre antigas espaçonaves Transformers, bem como descobre o paradeiro de Shockwave, seu principal assassino, que foi congelado na Terra pelos Soviéticos durante a Guerra Fria.

Logicamente, os Autobots fazem tudo a seu alcance para evitar que Megatron atinja seu objetivo, pois se o fizer... algo muito ruim acontece?

Infelizmente, o jogo acaba pouco depois de Shockwave aparecer. Isso deixa a impressão de que os produtores não podiam seguir com a história além deste ponto, para não soltarem nenhum grande spoiler sobre o enredo do filme.

É uma pena que tenham optado por este caminho. O enredo de Transformers: Dark of the Moon não é de maneira alguma profundo ou genial (é inspirado em um filme de Michael Bay, afinal de contas), mas é mais bem narrado do que normalmente acontece com games deste tipo.

Mas hey. Autobots, Decepticons, tiros, explosões, BA-BA-BOOOM, MICHAEL BAY!!! Que se vai fazer?

A apresentação do jogo é boa. Não acima da média, mas é bastante competente.

Os modelos de personagens são bem construidos e bastante fiéis aos personagens que devem representar. Não são tão detalhados quanto deveriam, considerando o visual dos Transformers no filme, mas são bastante satisfatórios.

Maior cuidado foi tomado com as animações de transformação. Sempre que mudar de forma com um personagem, é possível ver dezenas de peças se deslocando e encaixando-se em novos locais, de forma bastante fluida e bem feita. O mesmo tipo de detalhismo pode ser percebido de forma bem mais clara ao se alterar entre os dois modos veiculares do personagem.

Há alguns problemas com a escala do tamanho dos personagens, que parece não foi seguida muito a risca. Mirage, que se transforma em uma Ferrari, é do mesmo tamanho que Starscream, um caça F-22 Raptor. A mudança não faz muita diferença em termos de jogo e só serve para incomodar fãs cata-piolho de Transformers.

Sim sou, e com muito orgulho!

Os cenários são mais mornos, pouco inspirados e repetitivos. Você verá as mesmas construções muitas e muitas vezes ao longo de uma fase, e nos momentos que pilotar por estradas, não existirá absolutamente NADA próximo a elas.

O som é muito bem cuidado, com uma ótima dublagem providenciada alguns dos melhores atores do ramo. Peter Cullen obviamente reprisa seu papel como Optimus Prime (sem modulação que o deixe com a língua presa desta vez) e Frank Welker empresta sua voz a Megatron, que soa muito mais com sua versão nos filmes do que a do desenho da década de 1980.

Welker também dubla Soundwave e cria os “sons” de Laserbeak, seja lá qual for o tipo de barulho que os condores fazem. Este é Frank Welker, ele precisa dublar metade do elenco e os animais de todo trabalho no qual toma parte.

A trilha sonora também melhorou um bocado, com temas que se não foram tirados diretamente da trilha sonora do filme, claramente foram inspirados por ela. A música desta vez ajuda muito a criar uma atmosfera para as sequências de ação.

E graças a Primus, nada de Shia LeBouf ou Megan Fox!

HOORAY!!! VÁ PRO INFERNO MEGAN FOX E QUEIME ETERNAMENTE AO LADO DE JOHN WAYNE!!!

A jogabilidade parece-se muito com a de Transformers: War for Cybertron, mas em uma escala menor.
Pra começar, não existem mais duas campanhas separadas, uma para cada facção. O modo de história é dividido entre Autobots e Decepticons ao longo de sete fases, que complementam o enredo umas das outras.

Também não é possível escolher mais o personagem, que agora é fixo e determinado para cada estágio, um passo pra trás quando lembramos dos games que o antecederam. Por outro lado, cada fase é construída de acordo a adequar melhor as habilidades de seu personagem: a etapa de Ironhide é focada em combate, a de Mirage em furtividade a de Starscream em pilotagem aérea e por aí vai. Isso evita que o jogo se torne cansativo por mais tempo.

Cada robô é equipado com duas armas, ambas com munição infinita. Embora não precise se preocupar em ficar sem balas, ainda é necessário recarrega-las, o que o deixará vulnerável por um momento. Os personagens ainda possuem habilidades especiais bastante diferentes que podem ser usadas ao longo das fases para se conseguir vantagens durante o combate. Uma delas recarrega automaticamente, mas para a outra é necessário apanhar cristais de Energon deixados pelos inimigos quando são derrotados.

As fases são extremamente lineares, na maior parte do tempo não haverão problemas para se descobrir como chegar ao marcador que indica o próximo objetivo. Infelizmente, como nada no cenário se destaca, vez ou outra pode ser complicado saber COMO se chegar lá.

Mas falemos um pouco das transformações, sim?

Assim que mudar de forma, seu robô assumirá o “Stealth Mode”, que é basicamente um modo veículo fortemente armado e com rodas multi direcionais. Você pode se mover para todos os lados neste modo, como se estivesse transformado em robô.

Nesta forma, seus inimigos terão mais dificuldade em atingi-lo e você ainda terá munição infinita... que não mais precisa ser recarregada. Assim, sempre que estiver encurralado, ou enfrentando um chefe especialmente trabalhoso, você pode utilizar o modo Stealth para obter a vantagem que lhe trará a vitória.

O único problema é que este modo quebra dramaticamente a dificuldade do jogo. Mesmo jogando no Hard, você não terá grandes problemas para se livrar dos inimigos na maior parte do tempo.

O modo veículo é ativado ao se segurar o botão do acelerador. Nesta forma, você não pode usar armas ou ataques especiais e estará em constante aceleração. Esta habilidade é obviamente indicada para se atravessar longas estradas ou trechos que precisam ser terminados em tempo determinado.

Outra falha do jogo é sua duração. Transformers: Dark of the Moon é extremamente curto e pode ser terminado em uma tarde. Felizmente, seus Achievements/Trophies são bastante fáceis de serem conquistados, jogadores interessados apenas em engordar seus placares não precisarão sacrificar muito de seu tempo.

Finalmente, há o modo Multiplayer competitivo, onde a escolha de personagens é mais ampla que no modo Single Player (WARPATH!!!). Não existem tantas opções aqui quanto em outros títulos atuais, mas quem curte uma sessão despreocupada de tiroteio com os amigos poderá se divertir bastante.

Então, qual o veredicto final? O game presta?

Sim, sim. É um bom jogo.

Transformers: Dark of the Moon possui potencial notável, mas falhas igualmente perceptíveis. É óbvio que se tivesse passado mais tempo na produção, teriamos em mãos um excelente game da franquia. Mas considerando tudo, ainda acabamos com um bom título e por hora isso basta.

O grande alívio é saber que o Highmoon Studios está refinando cada vez mais sua habilidade em criar jogos com Transformers e sob as circunstâncias corretas, o próximo jogo com os robos disfarçados pode ser simplesmente fantabuloso. Tenhamos esperança então.

E até lá, Bah-weep-Graaaaagnah wheep ni ni bong para todos.

Nota do Amer: 7.5

Cheers!!!

Duke Nukem Forever

2011-06-12T19:28:00.001-03:00

Por mais de uma década, Duke Nukem Forever foi a maior piada da indústria dos games.

O jogo se tornou o maior sinônimo de “Vaporware” (como se chama um hardware ou software que é anunciado por uma empresa, mas nunca de fato lançado), sua produção passou por dezenas de problemas e inúmeros jornalistas e profissionais do meio já tinham perdido a fé de que um dia ele se tornaria real.

Mas em 2010, foi anunciado que a Gearbox Software, produtora do extremamente competente Borderlands havia tomado para si a missão de ressuscitar Duke. Agora, 15 anos após o lançamento de Duke Nukem 3D (último jogo da série principal a ser lançado) temos o retorno triunfal de nosso herói.

Então, valeu à pena a espera? Bem, eu tenho boas e más notícias.

A boa notícia é que Duke Nukem Forever é entupido de nostalgia e o fará se sentir em 1996 novamente.

A má notícia é que Duke Nukem Forever parece um game que foi produzido em 1996.

A história se passa 12 anos após o último confronto de Duke contra os invasores. Após salvar o mundo (e nossas gatas), o herói se aposentou e agora passa os dias na sua cobertura em Las Vegas, onde vai à festas, joga video games e dá sapecadas diárias nas gêmeas Mary-Kate e Ashley Holsom.

Enquanto Duke aproveitava o game inspirado na história de como salvou o mundo, os alienígenas voltaram. O presidente dos Estados Unidos começou negociações de paz com eles, mas elas logo foram para a cucuia, os invasores atacam mais uma vez e levam nossas garotas embora... e o Duke não pode permitir isso.

O enredo do jogo acerta em alguns pontos e em outros tem menos sucesso. O humor esdrúxulo e a personalidade burlesca de Duke são duas coisas que ficaram no ponto.

Duke é mostrado como o supra-sumo dos machos, ele já fez tudo que um homem pode querer e teve sucesso em tudo na vida: salvou o mundo, ganhou o Oscar, é um bilionário, escalou o Everest, é campeão de MMA, já viajou até o espaço, qualquer coisa que você imaginar, Duke já conquistou. Desta forma, ele é a maior celebridade do mundo, todo homem quer ser como ele e TODA mulher deseja ir para a cama com ele.

Duke é um machistoide incapaz de ter um diálogo que não seja um amontoado de frases prontas e mesmo assim, é a celebridade mais querida do planeta. Isso pode ser interpretado como uma crítica a cultura da fama, pois vivemos em um mundo onde pessoas sem conteúdo algum são idolatradas diariamente.

Duke também aproveita para tirar um sarro de outras franquias de games. Quando lhe é oferecida uma armadura igual a do Master Chief, nosso herói responde categoricamente que “armaduras são pra bichinhas.”

Por outro lado, os produtores tentaram acrescentar uma virada um pouco mais série e explicaram que a razão dos invasores sequestrarem nossas mulheres, é para fecundá-las. Neste quesito, Duke Nukem Forever erra feio.

Embora isto seja uma idéia comum em roteiros de ficção científica, é totalmente desnecessário em Duke Nukem Forever. O game é uma comédia e uma reviravolta séria como esta simplesmente não encaixa. Menos ainda a cena em que Duke encontra mulheres que já foram fertilizadas e não podem ser salvas, algo que não combina com um jogo em que é possível arremessar bosta nas pessoas.

E sim... Duke Nukem Forever é LOTADO de humor de banheiro. Em uma cena num clube de strip, é possível entrar numa sala onde foram dispensados todos os fluídos corporais que um corpo humano pode eliminar.

Também há mulheres peladas... muitas e muitas moças peitudas exibem seus dotes ao longo do jogo.

Algumas pessoas podem considerar que o jogo é misógino e ofensivo, mas tudo é tão descomunalmente exagerado que acho difícil uma pessoa com mais de 14 anos levar Duke Nukem Forever a sério.

Falemos então da apresentação do jogo e minha nossa, a preguiça bateu forte nos produtores.

Os gráficos definitivamente não são bons. Os modelos de personagens são simplórios e com texturas feias, às vezes dá a impressão de que Duke Nukem Forever um título do Playstation 2.

Atenção um pouco maior foi dada as garotas e mesmo assim, elas deixam a desejar. Todas as mulheres do game tem EXATAMENTE AS MESMAS proporções físicas, com o tanto de nudez feminina presente no jogo, era de se esperar que fossem usados modelos diferentes nas garotas.

Mas o pior caso são os inimigos. De longe eles parecem ok, mas assim que se aproximar de um deles, você perceberá o quando eles estão malfeitos, de fato, alguns deles sequer possuem características faciais e são apenas um amontoado de linhas quadriculadas quando vistos de perto.

Os cenários são muito pouco inspirados e com texturas feias também, que muitas vezes demoram para ser carregadas quando se chega a um lugar novo. As vezes demoram vários segundos para que o cenário termine de carregar, problema que não é resolvido mesmo que se instale o jogo no disco rígido do console.

As animações também não são grande coisa, soldados e inimigos não possuem uma movimentação muito bem construida e parecem falsos na maioria das vezes. Novamente, um cuidado maior foi tido com a animação das garotas, que em suas requebradas e reboladas são as mais críveis personagens do elenco.

Curiosamente, a pior animação foi dada ao Duke, sempre que parar diante de um espelho é possível ver o quanto sua movimentação é dura, algo imperdoável hoje em dia, mesmo para um FPS.

O audio já faz um serviço mais competente. A trilha sonora é quase imperceptível na maior parte do tempo, mas o tema original de Duke Nukem pode ser ouvido em vários momentos e tocado de diferentes formas continua tão empolgante quanto no auge da popularidade do personagem.

A dublagem também é muito boa, com atores que atuam com o exagero necessário para uma obra como esta. Soldados são ridiculamente dramáticos ou caricaturalmente durões, as mulheres sempre falam com malícia e lascividade na voz, e o Duke... bem, ainda é o Duke.

Jon St. John, ator que emprestou sua voz a Duke, volta em toda a sua glória. Duke Nukem ainda é o rei das frases feitas e piadinhas que referenciam cultura pop, ele apenas atualizou seu repertório e agora solta farpas a diversos heróis, produtoras e séries de games.

Em uma cena ele até solta um “America, Fuck Yeah!” Como não gostar desse cara?

A jogabilidade é onde este game erra feio. Na última década e meia, o gênero FPS evoluiu muito e diversas novas mecânicas foram criadas para estes jogos, que os tornam muito mais reais e palatáveis ao público. Duke Nukem Forever ignora todo este progresso e se mostra como um verdadeiro dinossauro em meio a seus concorrentes.

Por exemplo, se tiver de cruzar um abismo sobre um andaime (ou outro tipo de plataforma), um FPS moderno lhe dará algum tipo de mecanismo, seja de equilíbrio ou o que for, para auxiliá-lo, ou pelo menos espaço físico o suficiente para poder andar sem medo de cair. Duke Nukem Forever não tem nada disso, você salta para locais íngremes e pouco espaçosos e tem de se virar para caminhar por eles sem cair.

O design das fases é ruim também. Grande parte das vezes é difícil saber para onde ir, pois o jogo não lhe dá indicação alguma disso. Os diversos puzzles ao longo do jogo também não são muito bem bolados e parecem ter sido criados mais por obrigação do que por um desejo genuíno de oferecer algo diferente na jogabilidade.

A ação do jogo é satisfatória. Você tem a disposição armamentos clássicos como pistolas, metralhadoras, espingardas, lança foguetes e também armas que se tornaram populares nesta série, como o raio congelante, o raio encolhedor e o Devastator, o famoso lança foguetes duplo de Duke. Inimigos não tem muitos padrões de ataque, então na maior parte das vezes é só se aproximar deles e mandar bala, arremessar bombas ou tentar explodir os barris espalhados pela fase.

Os confrontos com chefes são interessantes, pois em alguns casos é preciso criar uma estratégia para que eles abram a guarda. O problema destas lutas é que sempre há inimigos comuns por perto, que podem matá-lo a traição enquanto você se foca no chefe. Em alguns casos, a maneira para se eliminar o chefe não é clara e a presença dos oponentes normais na batalha atrapalha uma barbaridade. Você vai morrer muitas e muitas e muitas vezes durante estes confrontos. Duke Nukem Forever se torna um game bastante estressante em determinados momentos.

A energia de Duke é medida através de uma barra de “ego” e pode ser ampliada ao se fazer certas ações pela primeira vez durante o jogo (levantar peso, pedir a uma stripper para esfregar os melões em sua cara, fazer uso de um gloryhole). O Ego funciona como em qualquer FPS atual, sofra muito dano e a barra esvazia, espere algum tempo e ela se restaura. Infelizmente, esta mecânica sofre com o design dos cenários que em determinados momentos não oferecem proteção o bastante, especialmente durante confrontos com chefes.

Existem ainda fases de direção, onde Duke pilota um carrinho de controle remoto ou um monster truck. Nenhuma delas é especialmente bem executada e ambas se tornam cansativas rapidamente.

Mas a ofensa suprema são as etapas em que Duke encolhe. O jogo permanece o mesmo, com a exceção de que será necessário balear ratos, atravessar dutos de ventilação e usar hambúrgueres como plataformas para saltar sobre uma chapa de fritura. Estas fases se arrastam por tempo demais e como resultado, a piada do Duke miniatura logo perde a graça.

Há ainda um breve trecho submarino, sobre o qual direi apenas o seguinte: não foi criada uma mecânica de natação para Duke.

Pois é.

A impressão que este game deixou para mim foi a de que a Gearbox Software criou este game apenas para se vincular à marca Duke Nukem e ficar reconhecida como a produtora que tirou este título do inferno de produção em que se encontrava.

Duke Nukem é um personagem fascinante. Ele é violento, mulherengo, não vê mal em abusar de todo tipo de substância química, enfim, ele é um retrato do excesso que só a década de 1990 poderia criar e sua presença em uma era tão politicamente correta como a nossa é uma lufada de ar fresco muito bem vinda.

Se mais títulos com Duke Nukem forem lançados, espero que sejam devidamente programados e não tragam uma jogabilidade tão primitiva quanto este. De outra forma, seria melhor que o herói tivesse ficado em 1996.

Nota do Amer: 6.5

Cheers!!!

L.A. Noire

2011-05-30T20:39:00.002-03:00

A Rockstar é possivelmente a produtora e distribuidora de games mais bem sucedida dos últimos dez anos. Desde o lançamento de Grand Theft Auto III em 2001, todos os olhos do mundo voltaram-se para a companhia e seus produtos.

Inicialmente, a Rockstar era conhecida como a produtora dos “games polêmicos.” Grand Theft Auto iniciou esta tradição, que foi levada adiante com Manhunt e Bully, e eventualmente, com o infame Hot Coffee, o mini-game “escondido” em GTA San Andreas.

O tempo passou, a produtora amadureceu e seus novos projetos seguiram um caminho similar. Grand Theft Auto IV trazia muita violência, mas também contava a dramática história de um traumatizado veterano de guerra, que usava de todos os atalhos possíveis para conquistar o “Sonho Americano”, em uma sátira ácida e cruel ao estilo de vida Estadunidense.

Logo em seguida, a produtora presenteou seu público com Red Dead Redemption, que como o próprio nome diz, traz a jornada de um homem para compensar pelos erros de seu passado, na mais perfeita recriação do velho oeste já feita para em um videogame.

L.A Noire é provavelmente o projeto mais ambicioso da produtora até o momento. Não apenas temos a reconstrução precisa de mais uma época passada, como também um sistema de jogo revolucionário e uma trama intrigante em uma das maiores declarações de amor já feitas ao gênero de filmes que o inspirou.

Mas do que se trata L.A Noire afinal? É o que vamos descobrir agora.

L.A Noire se passa em 1947. Acompanhamos a história de Cole Phelps, ex-fuzileiro naval do exército Norte Americano que acaba de regressar da Segunda Guerra Mundial, onde atuou em Okinawa e foi dispensado após receber a Estrela de Prata, terceira medalha mais importante que um soldado pode receber.

Após a guerra, Phelps formou família e estabeleceu-se em Los Angeles, onde se tornou um policial de rua. Seus superiores logo perceberam seu talento para investigar cenas de crimes e em interrogar suspeitos e conseguir confissões, o que o fez rapidamente ser promovido a detetive e o levou a casos de maior importância.

Mas Phelps logo descobriria que a “Cidade dos Anjos” era bem diferente daquilo que esperava. Racismo, abuso de menores, tráfico de drogas e corrupção eram fatos comuns na cidade, além de uma rede de intrigas tão vasta que envolve todos os que de alguma forma estão envolvidos com o ex-soldado.

Mesmo Phelps não é o homem nobre e infalível que acredita ser. Os demônios de seu passado ainda estão muito presentes e mesmo ele não é invulnerável a todas as tentações que existem na cidade.

Existem duas tramas em L.A Noire, a principal é contada do ponto de vista de Phelps, enquanto a secundária é narrada em pequenas cenas exibidas sempre que um jornal é encontrado ao longo da história. A primeira vista, ambas parecem desconexas, mas eventualmente tudo se encaixa e como em um complexo quebra-cabeça, temos o panorama completo de um roteiro inteligente, intrincado e brilhante.

Todos os personagens são extremamente críveis, graças à fantástica atuação do elenco, composto por... bem, praticamente todo mundo que já trabalhou na série Mad Men. Mas falarei mais disso a seguir.

O espírito da época é recriado com perfeição. Existe uma eterna aura de “tempos mais simples” durante o jogo, que contrasta diretamente com tudo que a era tinha a oferecer de pior e cria um ambiente que é ao mesmo tempo confortável e tenso.

Bons e velhos tempos...

L.A Noire fez uso da tecnologia MotionScan, onde são utilizadas 30 câmeras de alta definição para capturarem TODOS os movimentos faciais de um ator, para que então os mesmos sejam reconstruídos digitalmente dentro do jogo.

Como resultado, temos as expressões faciais mais perfeitas já criadas em um game. Nada de soldados imensos com queixos caricaturalmente quadrados, nem japonesinhas ultra peitudas com o rosto estilizado de uma menina de 12 anos de idade. Aqui temos atores e atrizes perfeitamente recriados, com expressões tão reais que não há como não ficarmos estupefatos quando os vemos pela primeira vez.

Infelizmente, o maravilhoso trabalho feito nos rostos dos personagens apenas deixa as demais falhas gráficas mais claras. A animação dos movimentos dos personagens é muito boa, mas em alguns momentos parece um pouco artificial, sem mencionar que em alguns momentos o jogo demora pra carregar os dados e nos vemos dirigindo em ruas sem textura alguma. Não são problemas que quebram o jogo, mas diante do brilhantismo das capturas faciais, era de se esperar que os produtores tomassem um pouco mais de cuidado com os demais aspectos gráficos.

E já que eu falei em dirigir, TODOS os veículos de L.A Noire são carros licenciados que realmente existiram. Se você é um entusiasta de automóveis que curte modelos antigos, rapaz, vai se esbaldar aqui.

O som é parte importante na recriação da era. Por exemplo, lembra nos desenhos velhos do Pica-Pau, quando ele estava dirigindo e o motor de seu carro começava a fazer um “chuga-chuga-chuga”, sinalizando de que algo estava errado? Pois então, os carros aqui fazem “chuga-chuga-chuga” sempre que seus motores estão a um passo de morrer.

Quem diria? O carro do Pica-Pau era realista!

Há uma boa estação de rádio também, que pode ser ouvida sempre que se entra em um carro civil e que trás inúmeros sucessos da época como Sing Sing Sing de Gene Krupa, Before Long de Louis Armstrong e My Heart is Hobo de Bing Crosby. Além das músicas, existem programas de rádio da época, como The Bickersons e The Jack Benny’s Show.

Quanto à dublagem, ela é simplesmente perfeita. Aaron Staton, Gil Mckinney, Erika Heynatz, além de todo o elenco, estão simplesmente fantásticos em seus papéis. Não tenho como ser mais claro do que isso.

Antes de prosseguir, é bom deixar claro que L.A Noire não possui a jogabilidade tão aberta quanto Grand Theft Auto ou Red Dead Redemption. Este ainda é um titulo no estilo Sandbox e você pode passar boa parte do tempo simplesmente rondando pela cidade e encontrando coisas aleatórias pra fazer, mas como o foco da aventura está nas investigações, há menos conteúdo para preencher seu tempo vago do que nos games passados da Rockstar.

80% do tempo de jogo é usado nas investigações, que consistem da avaliação dos locais dos crimes, bem como interrogação de suspeitos.

Na cena de um crime, é possível analisar provas marcadas pela perícia, bem como demais objetos encontrados (nem todos úteis a investigação).

Assim que se apanha um objeto, é possível analisá-lo de forma mais detalhada. Se encontrar uma carteira, o jogador pode abri-la e checar a identidade de seu dono e o seu conteúdo, em busca de mais informações. Se um corpo estiver presente, é possível investigá-lo em busca de marcas de violência, ou documentos que se mostrem relevantes ao caso. Assim que todas as pistas e dados forem recolhidos, é hora de interrogar um suspeito.

No interrogatório, é preciso fazer perguntas referentes ao caso para o suspeito e após ouvir o que ele tem a dizer, decidir qual a melhor maneira de prosseguir com a investigação. É possível decidir se ele está falando a verdade, pressioná-lo em busca de mais informação ou acusá-lo de mentir.

É aí que entra a tecnologia do MotionScan, pois é necessário prestar atenção as expressões dos interrogados para perceber se estão sendo sinceros ou não. Um olhar direto e definitivo muitas vezes significa que dizem a verdade, um leve sorriso de escárnio pode revelar que estão tentando te enrolar e um olhar disperso pode demonstrar que o suspeito não tem certeza a respeito de sua declaração.

L.A Noire força o jogador a pensar, bem como a usar seu instinto. As expressões às vezes podem nos enganar (especialmente próximo ao fim do jogo) e se acusar alguém de mentir, é bom ter uma prova que demonstre isso. Se pressionar alguém da forma errada, é uma pista a menos que terá para auxiliá-lo em sua investigação e será mais difícil prosseguir com ela.

Existem os Intuition Points, que podem ser utilizados para eliminar uma das opções durante o interrogatório. Estes pontos são ganhos ao longo do jogo, mas são limitados, então é preciso usá-los sabiamente.

Sempre que concluir uma investigação, o jogo lhe dará um rank, que vai de uma a cinco estrelas. Encontre todas as pistas e consigas as respostas certas durante um interrogatório e terá uma boa pontuação. Dirigir com cuidado, não causar danos a cidade, nem atropelar pedestres ajuda muito nesta empreitada.

Pois é, agora você é um agente da lei. Espalhar o caos, jogar seu carro em pedestres e ser um cretino lazarento é penalizado aqui.

Fora das investigações, é possível deter diversos crimes comuns marcados no mapa. Coisas como deter bandidos que acabaram de roubar uma loja, escalar um prédio para impedir um suicida de se jogar, ou trocar tiros com gangues de rua. Você também pode dedicar seu tempo a reunir colecionáveis, como rolos de filmes e encontrar todas as localizações famosas de Los Angeles.

Sempre que completar um capítulo, todas as suas investigações e crimes de rua ficarão abertos no menu inicial e poderão ser acessados a qualquer momento. É sempre interessante revisitar um caso após fechá-lo, pois muitas vezes, há mais de uma maneira de se chegar ao final do mesmo.

L.A Noire é um dos games mais fantásticos já criados. É inteligente, intenso e prova de uma vez por todas o quanto videogames evoluíram como um veículo midiático nos últimos anos.

Além disso, o título nos prova outra coisa: a Rockstar lança praticamente um jogo por ano apenas, mas é sempre um produto tão bem realizado, que sempre ficamos ansiosos pela próxima pérola que a empresa lançará.

A Rockstar parece guiar-se pela regra: “qualidade ao invés de quantidade.” Verdade seja dita, uma lição que várias outras produtoras poderiam aprender.

Nota do Amer: 9.5

Cheers!!!

WWE All-Stars

2011-05-18T19:08:00.003-03:00

Recentemente, Edge, um dos lutadores mais importantes da WWE se aposentou.

Coisa de uma década atrás, ele quebrou o pescoço e teve de passar por cirurgias reconstrutivas em que placas de metal foram colocadas para substituir os ossos danificados. Mesmo após a cirurgia, ele levou chutes, socos e cadeiradas na cabeça, caiu do alto de escadas e foi arremessado através de mesas em uma base quase diária.

No dia da aposentadoria de Edge, um amigo meu disse sabiamente: “Edge lutou por quase dez anos com um pescoço quebrado e as pessoas vem me falar de contusão do Ronaldo?”

E eu concordo, acho que poucos atletas conseguem ser tão insuportavelmente durões quanto lutadores profissionais. E acredito que muitos compartilham de nossa opinião, pois fãs de luta livre profissional pipocam pelo Brasil todos os dias, mesmo que a WWE não seja exibida de uma forma decente por aqui.

Mesmo assim, não é todo mundo que curte os games da série Smackdown vs Raw. Eles são simuladores esportivos e como qualquer título do estilo, são tremendamente complicados para qualquer um que não tenha acompanhado seu desenvolvimento ao longo dos anos.

Felizmente para estes fãs, surgiu WWE All-Stars, que se distancia do realismo dos outros games e capitaliza no estilo cartunesco que é tão inerente a luta livre profissional. Mas o resultado final é um sucesso, ou uma bagunça tão incompreensível quanto uma promo do Ultimate Warrior?

É o que vamos descobrir!

WAAAAAAARRIOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOORRRRRRRR!!!

WWE All-Stars funciona como um grande encontro entre as lendas da luta livre do passado e as do presente. O elenco traz 30 lutadores, icones como Hulk Hogan, Macho Man Randy Savage e Andre o Gigante dividem o ringue com astros do presente, dentre eles Sheamus, Kofi Kingston e John Morrison, além de lendas que ainda dão duro no ringue, como Triple H, Kane e Undertaker.

Além destes inúmeros lutadores já estão disponíveis para download, como Honky Tonk Man, Dusty e Cody Rhodes, e Ted Dibiase pai e filho. Muitos lutadores mais logo serão liberados, se você gosta de conteúdo extra em seus games, este tem tudo para mantê-lo feliz por meses.

Sendo um game esportivo (sim, eu chame luta livre de esporte, não me encham o saco) WWE All-Stars não tem um enredo. O mais próximo disso é o modo Path of the Champion, onde é preciso enfrentar uma avalanche de lutadores para então derrotar Undertaker, Randy Orton ou D-X, e conquistar um dos títulos da WWE.

Muito bem, já que resolvemos isso, falemos da parte técnica.

OOOOOHHHHHH YEEEEEEEEEEEEAAAAAAAAAAHHHHHHHHHHH!!!!

WWE All-Stars segue um estilo visual bem único. Enquanto a série Smackdown vs Raw tenta recriar os lutadores detalhadamente até a última marca de Acne possível, WWE All-Stars segue um padrão totalmente cartunesco, com lutadores que parecem mais figuras de ação que qualquer coisa. Todos aqui são IMENSOS, com músculos gigantescos, queixos tão enormes que podem ser usados pra quebrar pedras e desproporções magníficas em seus corpos.

Mesmo todos sendo caricaturas, não há uma ridicularização dos atletas. As características que eles já possuem na vida real foram exageradas, de forma cômica, porém respeitosa. Eu ODEIO caricaturas, mas gostei muito do trabalho que aqui foi realizado, acho que isso já diz um bocado.

A animação dos personagens é bastante fluida e não deve nada aos títulos mais realistas da WWE, suas respectivas técnicas e ataques também estão representados aqui, mas de forma muito mais vitaminada. Socos parecem capazes de abrir furos na parede, lutadores arremessados voam muitos metros antes de cairem e ondas de choque se espalham toda vez que alguem atinge a lona.

Isso pra não falar dos efeitos de luz que acompanham os movimentos dos lutadores sempre que um golpe especial é utilizado. Todos estes exageros tornam os ataques especiais muito satisfatórios, é um prazer raro arremessar um homem sete metros no ar e causar um tremos de terra quando ele finalmente cai.

O audio é muito bom também, com efeitos sonoros que se aplicam bem a ação. A trilha musical é composta basicamente dos temas dos lutadores, sem os rocks genéricos que acompanharam muitos games da WWE no passado.

A narração fica a cargo dos veteranos Jim Ross e Jerry “The King” Lawler, que fazem um bom trabalho, mas que gravaram poucas frases para o jogo. Como resultado, suas locuções começam a se repetir após pouco tempo de luta.

Não há muito mais atuações dos lutadores, exceto no modo Path of Champions, através das promos de Undertaker, Randy Orton, Triple H e Shawn Michaels. Eles fazem um bom serviço, mas definitivamente não trazem a energia das apresentações na televisão em suas vozes. Verdade seja dita no entanto, um estúdio de gravação é um ambiente bem diferente de uma arena com 4 mil fãs enlouquecidos e com certeza não dá a mesma empolgação.

Há inumeros videos também, montados com cenas de mais de 30 anos de WWE. Promos do passado e do presente, editadas e narradas com a mesma qualidade encontrada nas montagens de divulgação da empresa ou em DVD’s de coletâneas. Para um fã de longa data, estas cenas são um presente inestimável.

IF YOU SMELL... WHAT THE ROCK IS COOKING!!!

A jogabilidade é bastante simples e consegue ser atraente para novatos e veteranos.

Existem dois tipos de ataques (fraco e forte) e dois tipos de agarrões (rápido e lento). É possível utilizar sequências curtas e rápidas de golpes, bem como emendar combos em que socos fracos e fortes se entrelaçam de forma eficiente. Da mesma maneira, é possível utilizar variados tipos de agarrões e os emendar em sequências capazes de dinamitar totalmente as energias do oponente.

WWE All-Stars possui uma curva de aprendizado bastante justa e intuitiva. Quanto mais jogar, maior será sua facilidade para emendar os mais variados ataques, mas caso prefira manter as coisas simples, utilizar combos curtos e agarrões normais é igualmente eficaz.

Na série Smackdown vs Raw, não há nenhuma indicação visual que mostre o quanto os lutadores estão detonados. É preciso prestar atenção em sua movimentação, se estão mais lentos, cansados, caminhando com dificuldade ou sangrando, para se saber o quão perto estão de uma derrota. WWE All-Stars segue o exemplo de Street Fighter IV e traz não um nem dois, mas TRÊS medidores, um para energia e dois para movimentos especiais.

O primeiro medidor de ataques especiais está logo abaixo de sua energia e possui três niveis. Cada vez que um deles for preenchido, é possivel utilizar um Signature Move em seu oponente, já a barra lateral é a do Finisher, que dependendo de quão ferido estiver o adversário, pode nocauteá-lo instantaneamente.

Aplicar o Finisher pode ser uma dor de cabeça inicialmente, pois seu lutador SEMPRE faz uma provocação antes de usar o ataque e fica com a guarda aberta. O jogo indica o melhor momento de usar (seu adversário piscará em vermelho e branco quando estiver vulnerável a um Finisher), mas até aprender, não se irrite se desperdiçar alguns destes golpes.

Ainda é possível criar seu próprio lutador, o que funciona muito melhor neste game do que em versões anteriores. Como todo o elenco é composto de monstruosidades disformes, qualquer personagem original, não importa o quão atroz seja, se encaixará perfeitamente ao elenco.

Diabos, é sua chance de construir Zangief e Mike Haggar e utilizá-los pra destruir Hulk Hogan e John Cena! De fato, é o que farei assim que terminar este review.

Os modos de jogo são os tradicionais um contra um, lutas de dupla, Cage Match (lutas em jaula), Extreme Rules (onde vale tudo, até bater com um remo) e Handicap. Considerando tudo que game de esportes oferecem, WWE All-Stars é um pouco magro em suas opções, mas mostra potencial para uma série bastante sólida, contanto que que seus produtores tenham visão.

YOU CAN’T SEE ME!!!

Vou confessar que como fã vitalício de luta livre profissional, eu estava meio desanimado já há alguns anos com os games do gênero. Geralmente são versões melhoradas das que as antecederam, com poucas novidades e um elenco (mais ou menos) atualizado. A única coisa que me mantinha empolgado era quais lutadores lendários tomariam parte no jogo atual.

Afinal de contas, não é todo dia que podemos usar Terry Funk pra dar uma surra no Miz.

WWE All-Stars consegue misturar com sucesso a complexidade dos jogos atuais com a velocidade e diversão alucinada dos fliperamas antigos e traz uma lufada de ar fresco muito bem vinda ao gênero. Qualquer pessoa com um mínimo de apreço por estes titãs da lona, encontrará aqui uma ótima e duradoura diversão.

E se discorda de mim, tenho duas palavrinhas para você: SUCK IT!!!

Nota do Amer: 8.0

Cheers!!!

Steam Hearts

2011-05-15T00:01:00.010-03:00

O Saturn era um console bastante legal. Pouco valorizado, mas legal.

Ele processava gráficos 2D como ninguém, podia expandir sua memória RAM para acomodar jogos mais pesados e embora não lidasse com poligonos tão bem quanto o PsOne, nas mãos de programadores competentes ele podia fazer miséria. Virtua Fighter 2 é uma eterna prova disso.

Infelizmente, era uma desgraça produzir jogos para o Saturn, que possuia uma linguagem de programação desnecessariamente complicada. Graças a isso, inúmeras Third Parties como Capcom e Konami logo deixaram o console da Sega e seguiram para os pastos mais verdes da Sony e Nintendo.

O Saturn se tornou um console de nicho e algo muito curioso acontece com sistemas nesta posição no Japão: eles se tornam a morada de inúmeros games adultos. E não me refiro ao tipo de “games adultos” que temos no Ocidente, com violência e esôfagos espalhados pelo cenário.

...

Caiu a ficha?

Pra ser muito honesto, games adultos são lançados para praticamente todos os consoles vendidos no Japão, diabos, até o Super Nintendo teve alguns. Mas quanto mais tempo o video game passar na prateleira dos encalhados, maior a quantidade de jogos do gênero que ele receberá.

Afinal, sexo vende... e desespero não recusa oportunidades.

Nem todos os títulos adultos têm conteúdo explícito, alguns escondem muito bem as cenas mais picantes. Mas a temática de se levar uma garota (ou uma dúzia) para a cama sempre se encontra presente.

Este é o caso de Steam Hearts, que possui um dos melhores pretextos que já vi se passarem por enredo em um game.

A história se passa no mundo de Westina, um paraíso habitado unicamente por elfos e meninas antropomórficas sensuais.

Claro.

Westina é uma terra extremamente avançada, ao ponto de que todos os seus habitantes se locomovem apenas com naves espaciais e robôs gigantes.

Claro!

O planeta ainda é dividido em cinco setores, cada um controlado por uma linda e sábia guardiã, que com suas tropas de mechs e veículos espaciais, mantém a paz e a harmonia da região. Cada guardiã possui uma personalidade distinta, desta forma temos a durona garota tigre, Homay, a tímida e sensível Chelno, e a obrigatória loli espevitada, Layfang, entre outras.

Claro!!

Mas um dia, as cinco guardiãs despirocam por completo e começam a destruir o planeta. Blow e Falla, irmãos, pilotos e cientistas (uau) conseguem escapar do caos e pesquisam o que pode ter causado tamanha mudança de comportamento nas garotas. Eventualmente eles descobrem que as guardiãs foram infectadas por um virus espacial e que a única cura reside no semen de Blow.

MAS CLARO!!!

Assim, Blow e Falla partem em suas naves e destroem hordas de inimigos, para assim alcançarem cada uma das guardiãs e “injetarem” nelas a vacina. Aliás, Falla tem um orgão genital masculino e ajuda o irmão na dura (pfffft, he he) missão de sodom... subjugar as meninas e dar a elas a cura que tanto precisam.

...

E essa é a história de Steam Hearts.

Sem mais perguntas, meritíssimo.

Antes de avaliar a parte técnica, é preciso lembrar que Steam Hearts não foi criado por um estúdio cheio da grana, seu orçamento com certeza foi modestíssimo e bancado com venda de biscoitos ou trabalhos de meio período em lavanderias.

Dito isso, o visual de Steam hearts é muito bom. As naves dos personagens, inimigos e chefes são todos em 2D, mas com cenários de fundo em 3D. Ambos se mesclam de forma competente e funcionam muito bem juntos.

O game também possui um bom Framerate, que não cai mesmo nos momentos de maior caos, onde há toneladas de tiros, inimigos e itens presentes na tela. Uma qualidade indispensável para qualquer Shooter.

Infelizmente, o design dos inimigos não é o mais criativo, todos os obstáculos tem uma cara bastante genérica. O mesmo mal cai sobre as naves de Blow e Falla, que não chegam nem perto de possuírem um visual icônico como a Vic Viper ou qualquer outra nave famosa dos games. Os chefes por outro lado são bem legais, eles possuem um visual bastante trabalhado e são imensos, muitas vezes ocupam mais da metade da tela.

O maior mérito visual no entanto, são as cenas que surgem entre as fases e que mostram Blow e Falla... curando as guardiãs.

Vou deixar bem claro, não há conteúdo explícito em Steam Hearts. Embora não faça nenhuma questão de ser discreto, o game não mostra nada que seja gratuitamente ofensivo e a maior parte da “ação” fica por conta da imaginação dos jogadores.

Apesar de serem estáticas, as cenas parecem acetatos retirados de um Anime de excelente qualidade, com bons traços e sem aquela saturação nas cores que muitos consoles usavam e que davam um ar bastante artificial a certas imagens.

Mega Drive e PC Engine, é de vocês mesmo que estou falando!

A trilha sonora é inexpressiva para dizer o mínimo, não atrapalha mas também não chega a empolgar. Como acontece em muitos Shooters, a música de Steam Hearts se perde debaixo do excesso de tiros e explosões que recheiam a tela constantemente.

Claro, sendo Steam Hearts o que é, não espere encontrar aqui dubladores de alto quilate vindos do elenco de Dragon Ball Z. Mas a dublagem é muito bem feita, com vozes que se adéquam bem aos personagens e as situações apresentadas. Os diálogos também são bem escritos... para um enredo como o aqui apresentado, mas eles só poderão ser aproveitados por pessoas com boa compreensão de Japonês.

Bons tempos em que legendas eram um privilégio e não um direito.

Shooters normalmente possuem uma jogabilidade simples, que pode ser aprendida por qualquer um ao mesmo tempo que trazem uma dificuldade brutal, que só pode ser conquistada pelos mais masoquistas. Steam Hearts é uma mudança bem vinda do gênero, pois exceto por alguns pontos específicos, é um dos games de tiro mais tranqüilos já criados.

Existem dois tipos de armas primárias apenas: Vulcan, um tiro multi direcional de baixo dano e o Laser, que possui um campo de ação mínimo, mas machuca bastante. Ambas as armas podem ser fortalecidas coletando-se os devidos Power Ups seguidas vezes.

Por outro lado, existem diversas armas secundárias, que vão desde raios de energia teleguiados até mesmo a um sabre de luz que gira em um eixo de 360° ao redor da nave. É possível recolher até três destas armas (embora somente a última a ser apanhada fique ativa) e então detoná-las como bombas quando a necessidade aparecer.

Não existem Power Ups para a velocidade, que permanece constante ao longo da aventura. Há um botão de Boost, que pode ser usado para acelerar momentaneamente sua nave para que possa escapar de situações de perigo. Ele pode ser usado indefinidamente durante o game.

Cada nave possui apenas uma vida, mas tem uma barra de energia que lhe permite ser alvejada até seis vezes. Existem diversos itens que repõe suas forças ao longo das fases e campos de força também podem ser encontrados. Se nada disso bastar, Steam Hearts possui Continues infinitos, você só não vai terminar este game se seu Saturn pegar fogo no meio da partida.

Steam Hearts é um game bastante curto, que pode ser terminado em menos de meia hora, se isso é uma vantagem ou não, vai do gosto de cada pessoa. Felizmente, há um modo para dois jogadores, que aumenta a vida útil do jogo e cria um caos bastante intenso e divertido durante a partida.

...

NÃO FOI ISSO QUE EU QUIS DIZER!!!

Eu gosto bastante de Steam Hearts.

O jogo nasceu como um Shooter ultra simplístico, que capitalizava em um nicho detentor de um inexplicável gosto por comédias eróticas estreladas por graciosas meninas de Anime. O que recebemos no final foi um título bastante sólido, capaz de se sustentar mesmo sem cenas explícitas de sexo.

Claro, Steam Hearts não é adversário para os pesos pesados de seu gênero, como Gradius, Radiant Silvergun ou Giga Wing, mas também não faz feio quando comparado a muitos dos Shooters de sua geração.

E qualé, meninas gatinho nunca são demais!

Nota do Amer: 7.0

Cheers!!!

Mortal Kombat (Xbox 360/Ps3)

2011-05-02T20:51:00.002-03:00

Eu vou dizer pra vocês, não existe nenhuma série de games de luta capaz de me deixar tão ansioso quanto Mortal Kombat! Não senhor! De facto, nenhum outro título NA HISTÓRIA me fez ficar tão maluco e contando os dias pro lançamento quanto Mortal Kombat II.

Agora, não tou dizendo que Mortal Kombat é melhor que Street Fighter, King of Fighters, Samurai Shodown ou World Heroes...

...

Na verdade, sim, Mortal Kombat é melhor que World Heroes. Qualquer coisa é melhor que World Heroes! Uma torta feita com soldadinhos de plástico é melhor que World heroes!

...

Voltando, não vou dizer que MK é uma série melhor que as demais, apenas que ela cativava minha jovem imaginação como nenhuma outra. Ora pois, na época do lançamento de Mortal Kombat II, meros segundos de jogo (o arcade original era difícil feito a moléstia, eu não passava da primeira luta) eram o bastante para me manter falando a respeito por horas e horas e horas. O fato de minha santa mãezinha nunca ter me colocado para adoção após me ouvir balbuciar por dias sobre um video game, só prova o quanto ela merece ser canonizada.

Mas por mais que eu ame Mortal Kombat, admito que a série passou a regredir com o passar do tempo, graças a péssimas idéias que pareciam se acumular cada vez mais: combos ridiculamente complicados e que só eram possíveis para aqueles que transformavam o jogo em um emprego de período integral, personagens retardados que tornavam a tela de seleção poluida em demasia, Fatalities cômicos, Animalities... BRUTALITIES, pelo amos de Benji!!!

Mortal Kombat Deadly Alliance e Mortal Kombat vs DC Universe trouxeram uma lufada de ar fresco a série, mas estavam longe de ser a revitalização que ela tanto precisava

Eis que a Midway vai a falência e a primeira vista, leva consigo qualquer chance de Mortal Kombat voltar a velha forma. Quando tudo parecia perdido, Ed Boon (co-criador da série) e seus seguidores renasceram sob o nome de Netherrealm Studios e não tardou a darem nova vida a sua maior franquia.

E como um fã da velha guarda de Mortal Kombat, eu não poderia estar mais satisfeito.

A história começa nos minutos finais de Mortal Kombat Armageddon. Para quem não lembra, neste game foi realizado um torneio definitivo entre todos os guerreiros de Earthreal e Outworld e o vencedor teria sua vontade realizada, não importa o quão perversa ou horrenda possa ser.

Para cúmulo da desgraça, Shao Kahn foi o vitorioso e agora seu desejo de governar a todas as realidades está a um passo de se realizar.

Raiden, sabendo que não pode mais deter o tirano, utiliza seus ultimos minutos de vida para mandar uma visão de todos os Mortal Kombat do qual tomou parte para seu “eu” passado, de modo que este tenha alguma chance de alterar a história e salvar a humanidade.

Mas o conhecimento de acontecimentos futuros leva a inúmeras mudanças na história. Destinos cruéis recairão sobre algumas pessoas e nem todas as alianças do passado manterão-se intactas desta vez.

Mortal Kombat traz uma excelente releitura do enredo presente nos três primeiros games da série. Acompanhamos desde o torneio na ilha de Shang Tsung até a invasão da Terra pelas forças de Outworld, tudo narrado em muito mais detalhes que anteriormente. Vários membros do elenco tem um desenvolvimento maior em suas personalidades e personagens pouco expressivos como Nightwolf e Stryker finalmente ganham o carisma de que necessitavam desesperadamente desde que surgiram em cena.

O jogo toma certas liberdades e mistura personagens de diversas eras sem problemas. Kitana e Jade aparecem inicialmente acompanhando Shang Tsung e Quan Chi, que daria as caras apenas no quarto game da série, acompanha os acontecimentos diretamente desde o primeiro minuto.

Nem tudo é executado com perfeição na história e há um desequilíbrio de forças muito óbvio entre os personagens, feito com o intuito de criar dramaticidade. Baraka e Sheeva são mostrados como incompetentes e fracos, enquanto Sindel é praticamente um monstro.

Felizmente, estas discrepâncias e as alterações na linha temporal funcionam bem para a história. As inúmeras referências aos games antigos também cativam e nos ajudam a aceitar o novo e melhorado enredo da série.

E o melhor de tudo? Sem Shujinko!!! HOORAY!!!

O visual do jogo é muito bom, mas passa longe da perfeição. Os modelos de personagens são bastante bem construidos, contanto que se mantenham longe da câmera e em movimento, caso se aproximem, seus problemas se tornam bastante claros.

Liu Kang e Kung Lao são incrivelmente feios, Kitana e Jade possuem linhas de expressão que as fazem parecer bem mais velhas do que a história as mostra, Jax tem a cabeça meio pequena e Sonya tem o rosto meio quadrado, o que não combina muito com seus traços, que são bastante delicados. As falhas são ainda mais notáveis durante as cutscenes do modo história, onde podemos perceber falhas grotescas como a desproporção do tronco e braços de Liu Kang.

Não chega a ser uma falha que quebra o jogo, mas é bastante óbvio que personagens como Scorpion e Sub-Zero receberam um cuidado maior em sua criação (como se precisassem de ajuda para serem populares). Teria sido bom ver que os produtores tiveram o mesmo cuidado com os demais personagens.

E já que estamos falando disso, há uma sexualização óbvia demais das personagens femininas. Eu não sou um fanático que vê machismo e opressão em tudo (vade retro), mas os designers do game estavam há muito tempo sem verem suas esposas e namoradas quando criaram este jogo. Não há muito sentido para Kitana (que é uma princesa) desfilar por aí vestindo pouco mais que um biquini ou para Sonya vestir um colete com o maior decote do mundo, uniforme que não creio que segue muito bem o protocolo militar.

E nem vou falar da roupa secundária de Sonya, que mais parece saída de uma paródia pornô de Loucademia de Polícia.

Mas mudando de sexo para a violência... Fatalities... minha nossa.

Mortal Kombat traz as mais violentas e brutais finalizações vistas em toda a série. Cabeças são arrancadas, corações são esticados, intestinos são puxados e os mais diversos órgãos ficam a mostra. Se não aguenta ver essas coisas... vá jogar Smurfs, não precisamos de você aqui!

SEU FRACO!!!

A animação é excelente e os personagens se movem com bastante naturalidade, mesmo os Shokan, que não são exatamente humanos, agem com bastante naturalidade e mesclam-se ao resto do elenco de uma forma que não havia acontecido antes.

Os cenários são muito legais também, recriações completas de muitos dos locais de batalha presentes nos três games originais da série. Fãs antigos deixarão cair lágrimas de masculinidade quando os reconhecerem.

O som foi muito bem feito também, as músicas são remixes de temas clássicos da série e acrescentam muito ao já nostálgico clima do jogo. As vozes foram bem escolhidas também e combinam bastante com cada personagem; Johhny Cage é metido, Sonya é durona, Kano é um cretino e Stryker é insuportavelmente profissional. Todos são muito críveis nas inúmeras horas de diálogo encontradas no modo de história.

Os efeitos sonoros também são muito bons e soam com naturalidade. Eu não ficaria surpreso se descobrisse que os produtores brincaram com entranhas de verdade na hora de gravar o audio que seria usado nos Fatalities.

Ficaria horrorizado, mas não surpreso.

A jogabilidade de Mortal Kombat é 2D. Não 2.5D, mas 2D clássico, como Street Fighter IV.

Os controles também reproduzem os botões do início da série, com dois socos, dois chutes e a possibilidade de aplicar rasteiras e Uppercuts como se estivessemos em 1992 novamente. Lembra quando disparavamos o arpão de Scorpion e acertavamos um Uppercut no inimigo quando ele estava vulnerável? Pois é, agora podemos fazer isso de novo! Que alegria!

Mortal Kombat dá ao jogador a liberdade de escolher como jogar. Cada personagem possui um bom número de combos, mas a jogabilidade não se baseia apenas neles, se quiser aprendê-los ótimo, senão é possível encarar os oponentes apenas com voadoras, rasteiras e Uppercuts.

Um acréscimo bem legal ao jogo é a barra de especial, algo presente em quase todos os jogos de luta do mundo mas que faz sua estréia em Mortal Kombat. A barra é preenchida conforme você ataca e apanha e possui três segmentos: o primeiro permite que utilize uma versão mais poderosa de qualquer ataque especial, o segundo lhe dá a chance de usar um Breaker e interromper qualquer coombo inimigo e quando estiver totalmente cheia, é possível usar um X-Ray Attack, movimento que causa um dano significativo ao oponente, inclusive aos chefes e que pode virar completamente as lutas.

Agora, sei o que vocês devem estar pensando: E os Fatalities?

De Mortal Kombat 3 em diante, todas as finalizações passaram a ter comandos longos demais, que eram uma desgraça para lembrar e ainda piores de executar. Corrigiram o problema desta vez?

Bem, os comandos são simples e as distâncias para aplicá-los também são de fácil compreensão. Agora também há um limite de tempo bastante generoso para que o Fatality seja usado e ainda é possível abrir a janela com os golpes, que não apenas mostra o comando como também a distância exata para a finalização.

Agora, não vou mentir, ainda é possível errar o comando e perder a chance de realizar o Fatality ao fim da luta, especialmente após lutas tensas. É frustrante pra diabo, especialmente no Xbox 360, onde o controle não tem a precisão cirurgica necessária para esses momentos.

Felizmente, agora há um modo para treinar exclusivamente os Fatalities e graças a isso, gerações inteiras rezarão para Ed Boon todas as noites.

Quanto a modos de jogo, temos muitos aqui, de todos os tipos e para todos os gostos. Tem o modo de história, em que guiamos os heróis ao longo de 16 capítulos e onde presenciamos a recriação da saga. Existe também o modo Ladder, que é nada menos que o tradicional “Single Player”, em que cada lutador possui seu próprio final.

Mortal Kombat lhe dá a oportunidade de jogar este modo em dupla, alternando os personagens ao melhor estilo Marvel vs Capcom. É possivel jogar sozinho ou com um amigo para dar uma folga nas sessões em que um tenta eviscerar o outro.

A novidade está no modo Tower, onde o jogador tem de enfrentar 300 desafios diferentes. Coisas como derrotar Goro, Kintaro e Sheeva com um personagem só... ou jogar com Goro e massacrar todo um pelotão de inimigos. Boa parte deste modo é tranquila, mas alguns desafios são desesperadores ao extremo, se quiser completar a torre sem trapacear, perderá muitos folículos capilares no processo.

Finalmente, é possível juntar grana (“Koin”) em praticamente todos os modos acima descritos e torrar tudo na Krypt, onde roupas secundárias, artes conceituais e músicas podem ser compradas a preços módicos.

E para aqueles que gostam de jogar Online, podem esperar aquilo que já é tradição de jogos em rede: jogadores ultra viciados o dizimando e depois o xingando pelo Headset de coisas que nem foram inventadas ainda.

Eu odeio jogar Online...

Mortal Kombat vale cada minuto do seu tempo e cada centavo da sua carteira.

Ele foi criado com os fãs veteranos em mente, mas não esquece dos novatos que podem nunca ter arrancado uma cabeça com a coluna vertebral de alguem e consegue um raro equilíbrio capaz de agradar gregos e troianos.

Eu aprovo, veementemente!

E se tiver a chance de escolher qual versão quer, pegue a de Ps3.

Kratos!

Acho que não preciso falar mais nada, não?

YOU WEAK PATHETIC FOOL!!!

Nota do Amer: 9.0

Cheers!!!

Mortal Kombat

2011-04-21T19:35:00.005-03:00

Se você é um fã de games entre 25 e 30 anos de idade, deve ter percebido que nos últimos dias há um clima no ar que lembra muito o meio da década de 1990.

Por outro lado, se você não curte games... tenho certeza que entrou no blog errado. Devia estar lendo um sobre como fazer brioches ou com fotos da bebedeira da Hannah Montana.

Voltando aos velhos de 30 anos, o motivo para essa similaridade temporal é simples: um novo game da série Mortal Kombat foi lançado e todos estamos serelepes e pululantes feito os moleques chatos e impressionáveis que éramos na década de 1990.

Ahhh, aqueles grandes tempos em que aguardávamos ansiosamente o lançamento de um novo MK, comprávamos revistas com as listas de Fatalities e as carregávamos pro fliperama conosco até decorarmos os comandos dos golpes ou até as publicações se desfazerem, o que viesse primeiro.

Pois bem, o review do novo Mortal Kombat virá assim que eu tiver minha cópia em mãos. Por hora, que tal revisitarmos o clássico que deu origem a série?

Como diria o poeta: “relembrar é viver.”

Em Mortal Kombat, o imperador de uma dimensão devastada conhecida como Outworld, está de olho em nosso mundo (referido dentro do jogo como Earthrealm). Felizmente, ele só poderá clamar nossa dimensão e fundi-la a sua se vencer dez torneios Mortal Kombat seguidos, uma estipulação criada pelos deuses ancestrais responsáveis pela existência dos diferentes mundos.

Até o momento, Shang Tsung, feiticeiro e servo do imperador de Outworld, juntamente de seu guarda costas, o meio dragão Goro, já venceu nove torneios para seu mestre.

Para dar uma chance de sobrevivência a Earthrealm, Raiden, o deus do trovão, reuniu alguns dentre os mais capazes guerreiros da Terra e os levou até o torneio. Dentre eles estão Kano, líder da organização criminosa Black Dragon, Johnny Cage, astro de Hollywood com um estoque infinito de óculos escuros, Sonya Blade, agente especial do exército Americano, Sub-Zero, membro do clã de assassinos Chineses Lin Kuei, Scorpion, guerreiro vindo diretamente do inferno e Liu Kang, monge Shaolin e talvez a última esperança do mundo.

A história não está muito acima daquilo que encontramos em filmes como Gladiador Imortal II ou A Vingança de um Kickboxer IV, o que verdade seja dita, é extremamente apropriado considerando que Mortal Kombat é uma grande homenagem aos filmes “B” de artes marciais.

Você sabe, aqueles exibidos na Record na Quarta-Feira a noite e que normalmente tem Gary Daniels, Lorenzo Lamas e Eric Roberts em seu elenco.

Eventualmente a história se tornaria mais detalhada e extensa (ao ponto de se tornar incompreensível), e haveriam menos contradições em seu roteiro. Por enquanto basta saber que Scorpion pretende matar Sub-Zero, Sonya quer prender Kano, Liu Kang quer salvar o mundo e que Rayden vai reunir os demais deuses em um torneio de peteca cósmica que destruirá o mundo, se vencer o torneio.

Tenha um bom dia!

Mortal Kombat utilizava gráficos digitalizados, a mesma tecnologia do bom e velho Pit Fighter. Artistas marciais reais foram filmados exaustivamente e todos os seus golpes foram reproduzidos no game.

Este é possivelmente o game que fez melhor uso de gráficos digitalizados em sua época. Os personagens são grandes, possuem um visual limpo e uma animação detalhada, com um bom número de frames por segundo, fatores onde a maioria dos títulos do gênero fracassava miseravelmente.

Os cenários são bons, mas um pouco caricatos em alguns momentos, ainda mais se houver alguém presente neles, acompanhando a luta. Todos os espectadores presentes são desproporcionais, especialmente quando comparados aos lutadores que estavam em primeiro plano.

Os efeitos dos golpes especiais também variam em sua qualidade. Alguns são impressionantes (como o torpedo de Raiden e o chute de sombras de Johnny Cage), outros são competentes (o arpão de Scorpion e o raio de gelo de Sub-Zero) e muitos são totalmente sem graça (a “bolinha” de Kano e a tesoura de Sonya). Isso pode ser atribuído a dificuldade de se programar games com gráficos digitalizados ou ao baixo orçamento do primeiro Mortal Kombat, seja como for, tais efeitos tornam o jogo mais caricato hoje do que na época de seu lançamento.

O mesmo pode ser dito dos Fatalities, após praticamente duas décadas decapitando, carbonizando, arrancando o coração de nossos oponentes e os jogando em abismos... ficamos um pouco dessensibilizados para toda esta violência e as finalizações que já eram cartunescas, tornaram-se ainda mais cômicas para os padrões atuais. Mesmo assim, estes golpes reforçam a personalidade de cada lutador e os torna mais únicos, algo que faz muita diferença como veremos mais a frente.

As músicas seguem uma temática oriental, o que não é uma surpresa considerando a ambientação do game e em que foi inspirado. A maioria das canções são discretas e ficarão escondidas debaixo dos urros dos lutadores e dos sons de seus ataques especiais e bordoadas, desferidas e recebidas.

Há uma quantidade bastante baixa de vozes presentes neste game. Algo esperado quando lembramos que os produtores Americanos não têm a mania dos Japoneses de fazerem seus personagens berrarem o nome de cada um de seus ataques na hora de usá-los. Desta forma, tudo que ouvimos ao longo das batalhas são gritos genéricos proferidos pelo elenco, a única exceção clara sendo Scorpion e seu “COME HERE” usado cada vez que ele dispara seu arpão.

Há também o lendário “FINISH HIM”, que ouvimos ao final de cada batalha. Juntos, eles estão hoje entre os clipes de áudio mais conhecidos de todos os tempos.

DE TODOS OS TEMPOOOOOOOS!!!

A jogabilidade é extremamente simples. Existem dois botões de soco e dois botões de chute (em variações de alto e baixo), usando estes ataques em combinação com o direcional, é possível executar uma rasteira, um roundhouse kick e um uppercut, disparado, o ataque mais devastador do game.

Todos os personagens utilizam os mesmos ataques, com variações discretas de alcance e força, normalmente baseadas em suas animações. Somente os golpes especiais e Fatalities diferenciavam os lutadores.

Este tipo de jogabilidade é mal vista por muitos que acreditam que a não variação de golpes torna Mortal Kombat inferior a games como Street Fighter II. Por outro lado, ele é muito mais acessível a novatos e pessoas com pouca experiência do que outros títulos do gênero. Uma batalha entre um veterano e um novato ainda será desequilibrada, mas dificilmente será o esculacho que títulos como King of Fighters costumam ser nestes casos.

Mortal Kombat quebrou a tradição do “meia lua pra frente e soco” nascida com Street Fighter e duplicada por praticamente todos os títulos do meio. Os movimentos especiais eram bastante simples e aumentam um bocado a fluidez e ferocidade das lutas.

Graças à simplicidade dos controles, é possível improvisar inúmeros combos. A jogabilidade de Mortal Kombat é bastante aberta e permite que jogadores criativos criem inúmeras sequências de ataque, desde emendar movimentos simples com ataques especiais, a manter um oponente no ar com uma intrincada série de golpes.

E claro, existem os Fatalities. Ahhhhhhh, sim!

Sempre que derrotar um oponente, o jogador escutará o cavernoso “FINISH HIM” e o adversário ficará cambaleante a sua frente. Se inserir um comando específico antes que o adversário capote, seu lutador então o executará, para alegria da platéia e desespero dos falsos moralistas.

Os comandos são relativamente simples e a distância certa para aplicá-los se torna óbvia assim que descobrimos o que cada Fatality faz. Mas naqueles tempos era diferente.

Primeiro, não havia internet para nos informar todos os segredos de um game no dia de seu lançamento (nem tinha Amer pra escrever reviews, ohhhh, que época triste para todos). Segundo, nem sempre tínhamos a mão a já mencionada revista com todos os golpes registrados (e mesmo quando tínhamos, muitos vinham impressos errado). Finalmente, os controles dos fliperamas eram em sua maioria uma desgraça! Quantas vezes você viu um guri que pendurava um isopor de uma tonelada cheio de juju em uma das alavancas?

É! Nem todas as lembranças do passado são boas!

Se conseguisse superar todos estes males e conseguisse aplicar os fatalities sem falha, você se tornaria nada menos que um deus local! Seria esquecido no momento que pisasse fora do fliperama, mas divindade de uma hora e meia também tem seu valor.

E vamos lembrar que como todo jogo de fliperama, Mortal Kombat foi criado para ser como um valentão da escola, ou seja, para espancá-lo e tomar sua grana.

O modo single player é dividido em três etapas. Na primeira, é preciso enfrentar os outros seis lutadores (e uma cópia sua), em seguida, seu personagem deve derrotar os seis oponentes iniciais mais uma vez, exceto que agora atacarão em dupla. Finalmente, é a vez de enfrentar Goro e Shang Tsung, que o ensinarão a ser humilde, eu garanto.

A dificuldade começa justa, mas rapidamente escala para um nível quase insuportável, onde seus oponentes conseguem limpar o chão com sua bunda, quatro em cada cinco vezes.

Se você for bom o suficiente para encontrar Reptile, merece um harém cheio de ruivas peitudas o esperando em casa. Se conseguir derrotá-lo então... merece uma surra, porque eu mesmo nunca realizei tal proeza.

Mardição!!!

Mesmo após todos esses anos, Mortal Kombat continua incrivelmente divertido e intenso. E uma vez que recebeu versões para todos os consoles criados pelo homem (o que inclui sua presença em coletâneas da Midway para aparelhos modernos), não existe desculpa para não jogá-lo.

Mortal Kombat é um exemplo vivo de como as coisas mudam com o tempo. Em sua época ele foi usado como um exemplo de que vídeo games podiam ser “nocivos” e “pervertidos”. Hoje, ele não parece mais que um Chiuaua tentando latir de forma tão ameaçadora quanto um Rotweiller, especialmente quando comparado a série como God of War.

E hoje, estas duas séries tem muito mais em comum do que podemos imaginar... mas isso fica para o próximo review.

Nota do Amer: 8.5

Cheers!!!

Sengoku Blade - Sengoku Ace Episode II

2011-04-19T21:30:00.008-03:00

A história sobre como conheci a série Sengoku Ace é bastante interessante e cheia de poesia. Vejam só.

Um belo dia, eu navegava sites sobre cultura pop japonesa e descobri que estatuetas acima mostrada tinham sido colocadas a venda. Após algumas horas, o estoque com alguns milhares de figuras ESGOTOU COMPLETAMENTE.

Fiquei intrigado com isso e fui atrás da identidade da garota. Descobri que ela se chama Koyori e faz parte da série de Shooters Sengoku Ace, onde é disparada a personagem mais popular da franquia, por motivos extremamente óbvios.

Mas mesmo no Japão, Sengoku Ace não é um mega hit. O que motivou a venda recorde da estatueta foi o fato de que as roupas de Koyori podem ser removidas.

Em outras palavras, neste exato momento existem milhares de Otakus com a estátua de uma peituda de games PELADA sobre seu aparelho de televisão ou ao lado do PC, sonhando em como seria bom ter uma moça dessas para lhes fazer cafunés à noite e ignorando o fato de que é por espalharem miniaturas de garotas nuas pela casa, que mulheres de carne e osso jamais manifestam interesse por eles.

Enfim, foi graças a isso que me tornei fã desta franquia.

...

Ok, é uma história idiota. Que posso fazer?

Seja como for, o segundo game da série foi lançado para o Saturn. Como adoro Shooters e aproveito qualquer chance que tenha de tirar o console do armário... acho que todos já sabem como acaba esta frase.

Então? Vale a pena? Nem mesmo o maior par de peitos do mundo pode salvar um game ruim, certo?

Pois é o que veremos!

Aqui, um mal ancestral invadiu a terra e sequestrou a princesa regente! OH!!! Cabe a um grupo de destemidos guerreiros a missão de lutarem contra os vilões responsáveis por esta atrocidade e devolverem a herdeira do trono ao seu lar, sã e salva.

E eles aparentemente farão isso voando em linha reta e atirando na cara de tudo que se colocar em seu caminho.

...

É... é isso. O enredo é todo em Japonês e mesmo com meu domínio do idioma não sendo grande coisa, já pude perceber que os produtores de Sengoku Blade não se importaram em lhe dar um enredo muito elaborado. Verdade seja dita, como um game que nasceu nos Arcades, isso já é esperado.

Mesmo assim, o game possui um dos elencos mais fascinantes já apresentados, especialmente se considerarmos que este é um shooter, gênero que não é conhecido pelo carisma de seus protagonistas.

Aqui temos Tengai, o monge eternamente carrancudo e que pretende EXPURGAR o mal que invadiu sua terra, Shoumaru, um ninja bishonen que é apaixonado pela princesa e planeja salvá-la, Junis, a ninja fofinha e chave de cadeia que CLARO, mostra a calcinha pro jogador em um de seus ataques, Hagane, um robô samurai que fala muito pouco e que busca recuperar seu corpo humano, e Koyori... para quem vocês já foram apresentados.

Existem ainda dois personagens secretos, Ayin, um arqueiro caolho que procura por sua irmã e Marion, uma bruxinha Européia vinda do game Gunbird e que destoa totalmente da ambientação de Japão Feudal presente no game.

O charme do elenco se deve em grande parte ao traço de Jun Tsukasa, artista de Pin-Ups e Character Designer do título. Jun é conhecido por suas mulheres voluptuosas e sensuais, mas dedicou igual atenção a todos os membros do elenco e lhes conferiu identidades visuais bastante únicas.

Há ainda pequenos intervalos entre as fases, onde os personagens comentam sobre os inimigos que acabaram de enfrentar ou sobre sua missão atual. Não acrescenta nenhuma profundidade ao roteiro, mas é bem divertido, especialmente para aqueles que entendem Japonês.

Para finalizar, cada personagem possui dois finais, que variam de acordo com qual fase foi escolhida como a final. Novamente, isso conta mais como um acréscimo divertido do que como uma vontade genuína de gerar uma história, especialmente para quem se apegar aos elenco colorido do game.

Sengoku Blade faz um excelente trabalho em se afastar dos clichês tecnológicos e científicos que abarrotam o gênero Shooter.

Temos aqui um mundo baseado no Japão Feudal, com uma grande dose de Steampunk. Os inimigos incluem andróides no formato de monges Budistas, tanques inspirados em criaturas folclóricas Japonesas, uma tartaruga marinha robotizada e mesmo Mechs baseados em samurais e ninjas.

Embora não seja algo 100% original, sua ótima execução ajuda muito em destacar Sengoku Blade em seu meio.

A velocidade do game sempre se mantém estável. Mesmo com dezenas de inimigos, tiros, explosões e bombas na tela, o Framerate nunca chega a cair, algo de importância vital neste tipo de game.

Os personagens a nossa disposição por outro lado são bastante pequenos e não chegam a chamar a atenção, o que é uma pena, considerando o belo design que cada um possui. O visual de suas “bombas” (os ataques especiais) também são pouco impressionantes e não passam o impacto que algo do tipo deve ter.

As músicas são bastante discretas e na maioria das vezes, ficarão escondidas atrás do caos presente na tela. A canção que mais lhe chamará a atenção será a dos chefes, pelo simples fato de que é a que toca com mais frequência. Os demais efeitos sonoros são competentes e fluem bem com a ação.

Há um bom número de diálogos também, presentes entre as fases e nos finais de cada personagem. Embora a história do jogo não seja grandiosa, sempre é bom ouvir boa dublagem, especialmente quando vinda de atores competentes como Norio Wakamoto e Daisuke Gouri.

Pesquise os nomes pra saber o que esses dois já fizeram e quanto tornam grandiosa a dublagem deste game.

Este título é um Shooter horizontal, ou seja, a tela se desloca da esquerda para a direita, seu personagem acompanha esse movimento e precisa destruir tudo e todos que tentarem abatê-lo... o que é muita gente.

Sengoku Blade é um game bastante difícil, capaz de estressar até mesmo o Dalai Lama. Em alguns momentos existem verdadeiras tempestades de disparos inimigos pela tela e em padrões um tanto difíceis de se desviar.

Você pode sofrer dois tipos de danos também. Se for atingido por um inimigo, morrerá instantaneamente e perderá todos os Power-Ups, por outro lado, se um inimigo o tocar, você apenas fica atordoado e perde um nível de Power-Up.

Boa parte do tempo, não há problemas com este sistema, mas em outros ele parece uma piada de mau gosto. Certos inimigos avançarão contra você, o atingirão constantemente e removerão todos os seus Power-Ups... para só então matá-lo.

Felizmente, existem vários níveis de dificuldade no Saturn. Se a normal estiver lhe causando calvície precoce, basta diminuí-la. Alguma delas irá se adequar a seu estilo de jogo e experiência.

Acima mencionei os Power-Ups. Falemos um pouco deles então.

Cada personagem possui um padrão de ataque totalmente diferente do outro. Isso se deve aos “familiares”, seres que acompanham cada um dos heróis e lhe dão habilidades de tiro únicas.

Junis por exemplo, é acompanhada de um lêmure chamado Socrates, enquanto ela dispara Kunais em linha reta, ele atira Shurikens nas diagonais, o que limpa a tela de inimigos que venham nestas direções, mas deixa a menina com guarda aberta para ataques frontais. Já Hagane é acompanhado de lanças que acompanham seus movimentos, mas que são relativamente independentes, graças a isso, ele possui um campo de ataque razoavelmente grande, mas que depende de seu posicionamento na tela.

Sempre que apanhar Power-Ups, não apenas o tiro de seu personagem se tornará mais forte, mas o ataque de seu familiar também. Acho que não preciso dizer que a chave para a sobrevivência é maximizar seu poder de fogo o mais rápido possível.

É possível carregar seu tiro, o que deixará seu personagem vulnerável por algum tempo, mas que pode causar um dano imenso na maioria dos inimigos quando usado adequadamente. No Saturn, há um botão de tiro normal, que pode ser carregado e um botão com Rapid Fire, o que é uma praticidade que não estava presente na versão original de Sengoku Blade.

Cada personagem também possui uma “Bomba”, o obrigatório ataque especial presente em Shooters.

Aqui existem dois tipos de bombas, as que afetam toda a tela e as que possuem um campo de ação específico. Normalmente, o primeiro tipo causa menor dano e é mais recomendado para momentos de desespero, em que hajam inimigos normais por todos os lados, o segundo tipo pode gerar dano massivo e é mais indicada para lutas contra chefes, mas o jogador precisa saber se posicionar, ou acabará gastando uma bomba a toa.

Ambos os tipos de bomba o deixam invulnerável por um breve período e podem ser sua salvação quando houver uma enxurrada de tiros vindo em sua direção. O jogo não economiza nas bombas que você pode encontrar, então na maior parte do tempo não é preciso economizá-las.

Finalmente, o game embaralha a ordem das três primeiras fases aleatoriamente, o que mantém uma certa surpresa na partida. Antes da penúltima fase é possível escolher por qual caminho seguir, o que muda não apenas os cenários e inimigos, mas também o último chefe e o final do personagem usado.

São detalhes simples, mas que aumentam bem o fator replay deste game.

Aliás, a versão do Saturn vem com dois CD’s. Um deles traz o jogo (logicamente) e o segundo vem com QUILOS E QUILOS de artes com os personagens. Nem todas são boas, mas pelo menos elas vêm em quantidade burlesca.

Saudades do tempo em que jogos traziam galerias de arte...

Sengoku Blade é um game bastante raro de achar e que pode custar bem caro também. Especialmente quando consideramos que a maioria das pessoas não tem mais um Saturn dando sopa em casa.

Seu estilo de arte único e a competência com que faz uso das convenções típicas dos Shooters são suas maiores qualidades. Para os fãs do gênero, isso deve ser mais que o suficiente.

Mas sinceramente, mesmo que fosse uma desgraça, todos jogariamos e fingiriamos gostar porque, bem... Koyori.

Não, sério.

Sengoku Blade é a prova definitiva que um par de peitos enormes é mais que o suficiente para fazer um homem se interessar por algo e gastar uma fortuna com ele se necessário for.

Viram, meninas? Homens são idiotas!

Nota do Amer: 7.5

Cheers!!!

Bare Knuckle III

2011-04-15T19:54:00.007-03:00

“O quê? Cê pirou, Amarelo? Falou de Streets of Rage 1 e Streets of Rage 2, porque num fala de Streets of Rage 3? Prefere falar da versão Japonesa por quê? É otaku? Hahaha! Otakinho, assiste Sailor Moon e num manja nada!!! Vou jogar Streets of Rage 3, isso sim! Que eu sou mó macho e inteligente! HU-HU!!!”

Ok, faça isso! Depois, que tal ligar o liquidificador e brincar de tentar parar suas lâminas com a testa? É a maior diversão! Você vai adorar!

Agora, existe um bom motivo para eu ter optado por falar de Bare Knuckle III: é que eu odeio Streets of Rage 3.

Certo, não parece um bom motivo, então eu explico.

Ao ser lançado no Ocidente, Streets of Rage 3 recebeu inúmeras mudanças que o tornaram bem menos agradável que a versão Japonesa. Pra começar, os gráficos receberam uma nova pintura e os personagens ficaram com um aspecto mais granulado e feio em relação ao original Japonês. Os quatro heróis também receberam novas cores em suas vestimentas, que não funcionam tão bem quanto seus criadores esperavam.

Axel por exemplo, parece usar uma camisa que não é lavada há muitas eras.

O semi-chefe Ash foi cortado da versão Americana também, por motivos muito pouco claros até hoje. A Sega tinha medo de ofender a população gay com a presença de um estereótipo tão horrendo, ou não queria ofender o resto da população com um personagem gay no jogo? Qualé, Sega?

E todas as mulheres presentes no game receberam roupas que deixavam bem menos pele visível que na versão Japonesa. Aparentemente, vestir um top e mostrar a barriga era considerado ofensivo no Ocidente durante a década de 1990.

Mas a mudança mais brutal (e mais inexplicável) foi na dificuldade do jogo, Streets of Rage 3 é MUITO mais difícil que Bare Knuckle III. Os inimigos são agressivos, desleais, causam dano enorme e os chefes tem medidores de energia IMENSOS, o que torna as lutas com eles desnecessariamente longas.

A história também foi alterada de uma versão para outra, mas falo mais disso daqui a pouco.

Considerando todas estas mudanças, fica bastante óbvio que a versão Japonesa é superior a Americana e uma opção melhor, se o jogador tiver a escolha.

A arte da capa também é muito melhor, olha como a Blaze tá bonita!

Hmmmmm...

Hmmmmmmmmmmm...

HMMMMMMMMMMMMMMMMMM...

...

*ARRAM*

Mas Bare Knuckle III presta? Não adianta nada ser melhor que Streets of Rage 3 se ambos forem uma batida de trem, correto?

Correto! E é isso que vamos descobrir agora!

Após Streets of Rage 2, a cidade está em paz. Axel, Blaze, Sammy e Max bateram em Mr. X com tanta força que ele não recuperou os sentidos até o game seguinte. Neste período de tempo, a paz reinou.

Mas Mr. X é Brasileiro e não desiste nunca! Por isso e por este ser um Beat’em Up de Mega Drive, ele está de volta, com mais um plano maléfico para dominar O MUNDO... ou o mais próximo disso.

Para tanto, a cidade de Oak Wood City é completamente erradicada por uma explosão nuclear! OH! A destruição foi causada por um novo explosivo chamado Rakushin, desenvolvido pelo Dr. Gilbert e que era mantido em segurança pelo general Petrof, ambos misteriosamente desaparecidos desde a explosão.

Axel, Blaze e Adam investigam o acontecimento, até que são abordados por Dr. Zan, um sujeito de dois metros de altura que tem o melhor bigode já visto desde o Dr. Robotnik e que aparentemente gosta de cibernetizar o próprio corpo nas horas vagas. Zan os informa que é tudo um plano de Mr. X, que instalou bombas em inúmeras outras cidades e que planeja iniciar uma guerra com isso.

Por que? Bem, vamos dizer que foi por culpa do... Moe.

Axel e Blaze de cara aceitam a missão de espancar meliantes por um dia e uma noite inteiras, enquanto Adam recusa, pois estava ocupado demais tentando terminar Golden Axe, e manda seu irmão Sammy (Skate no Ocidente) em seu lugar.

Claro, porque o melhor lugar para um guri de 15 anos é enfrentando sociopatas armados e perigosos.

Mas este é o enredo da versão Japonesa, na Americana, Mr. X fundou a companhia Robocy e passou a substituir políticos e figurões por robôs. Assim que todas as trocas forem efetivadas, ele vai usar UM CONTROLE REMOTO DO MAL para controlar (claro, o que mais ele poderia fazer com o isso?) suas máquinas e assim... DOMINAR O MUNDO!!!

Eu não posso ser o único que acha que esta virada de Streets of Rage em direção a ficção científica é uma idéia completamente retardada. Claro, a série nunca foi realista (com seus carros de polícia mágicos e ninjas), mas este tipo de enredo capenga sempre foi mais a praia de Rushing Beat.

Mas quem se importa? Se nos dá um motivo para sair pela cidade rachando crânios, é tudo que precisamos!

A apresentação do game tem êxito em alguns aspectos, mas fracassa miseravelmente em outros. Vejamos uma coisa de cada vez.

Os gráficos são muito bons, embora não pareçam exatamente novos. Grande parte do visual parece ter sido copiada e colada diretamente de Streets of Rage 2, especialmente no tocante aos personagens.

Claro, os protagonistas receberam um trato no visual e agora possuem animações mais detalhadas e bonitas, mas o mesmo não pode ser dito dos vilões. Claro, os chefes de fase se destacam, mas os inimigos normais são um bocado comuns e sem graça. Há poucos inimigos novos também e a reciclagem de capangas do game anterior tira um pouco do brilho da coisa.

Os cenários são em sua maioria, bem feitos e adequados. Há um porto, um Night Club cheio de luzes multicoloridas e brilhantes (o que DEFINITIVAMENTE não seria aprovado em um game atual), minas, florestas e um laboratório DO MAL. Como estamos falando do Mega Drive, as cores na tela são saturadas, mas é isso sempre garantiu a identidade dos games da empresa. No caso de Bare Knuckle III não é diferente.

O áudio é uma história completamente diferente. A série Streets of Rage/Bare Knuckle sempre foi conhecida por sua fantástica trilha sonora, maravilhosamente composta e executada por Yuzo Koshiro e que mesmo hoje, é capaz de chutar a bunda das músicas presentes em inúmeros games.

Reza a lenda que Yuzo Koshiro fez uso de um software que criou automaticamente as faixas de áudio presentes em Bare Knuckle III. Como resultado, não temos mais os agradáveis temas de Jazz e Pop com os quais nos acostumamos, mas um Techno extremamente abrasivo. Pessoalmente, acho que esta mudança colocou este título um passo atrás dos seus antecessores, mas no final, é apenas uma questão de gosto.

As vozes seguem o bom e velho padrão do Mega Drive, com personagens extremamente roucos e que muitas vezes são difíceis de serem entendidos. Mas devido crédito a quem merece, Bare Knuckle III possui dublagem um pouco mais limpa que Streets of Rage II. Foi graças a este jogo que descobri que Blaze grita “Kikoshou” quando usa seu golpe especial.

Isso mesmo, ela usa o mesmo ataque especial de Chun-Li e praticamente com a mesma pose!

Mas quem ensinou quem? Elas serão amigas? Será que nossa amada Chinesa pernuda é uma plagiadora sem vergonha? Por que raios estou perdendo meu tempo com esse tipo de coisa outra vez?

A jogabilidade de Bare Knuckle III é uma versão mais encorpada daquilo que encontramos em Streets of Rage II.

Pra começar, os quatro heróis estão muito bem equilibrados desta vez. Lembram como quando falei de Streets of Rage II, mencionei o quanto Max quebrava o jogo? Bastava agarrar um inimigo com ele, apertar o botão de ataque uma vez, e ele causaria um dano massivo e indefensável. Um jogador que aprendesse a usar Max medianamente bem, poderia terminar o game sem maiores complicações.

Aqui não tem dessa, os personagens são diferentes entre si e possuem habilidades únicas, mas nenhum foi programado de forma a ser uma força da natureza.

Aliás, este game tem TRÊS personagens secretos. Victy (Roo no Ocidente), um canguru pugilista, Ash, o já mencionado gay brutamontes (na versão Japonesa apenas) e Shiva, primeiro chefe do jogo e penúltimo do título anterior. Cada um pode ser acessado por um truque específico e mesmo o status de personagens secretos não lhes garante vantagens especiais. Eles também são equilibrados e jogar com eles é algo baseado apenas no gosto pessoal.

Os ataques especiais receberam uma turbinada. Agora há um medidor ao lado de sua barra de energia, que carrega com o tempo. Quando estiver cheio, é possível usar um ataque especial sem gastar sua vida, mas se utilizar o dito movimento antes que o medidor encha, perderá uma quantidade considerável de energia.

Isso adiciona alguma estratégia a brincadeira. Você guarda o medidor de especial para usá-lo em momentos de emergência, ou o gasta logo de cara pra obter uma vantagem na briga?

Os heróis também ganharam uma corrida com ataque. Digo, ela já existia no game anterior, mas aqui foi melhorada e tornou-se mais eficiente. Agora, quando pressionar o direcional duas vezes na mesma direção, seu personagem vai correr (o que ele não fazia antes) e sua janela de tempo para atacar se torna muito maior.

Estes mesmos ataques com corrida podem receber Upgrades. Sempre que fizer uma certa quantia de pontos receberá uma estrela, a cada uma delas, a animação do golpe muda e ele causa mais dano, até se tornar capaz de destruir hordas de vilões de um só ataque. Infelizmente, sempre que perder uma vida, perderá também uma estrela, então é difícil maximizar o potencial destes ataques e mantê-los assim por muito tempo.

As armas encontradas ao longo do jogo também estão diferentes. Agora, cada uma possui uma barra de energia, que diminui a cada golpe e quando esvaziada, sua arma se vai. É um sistema muito pouco eficiente para o uso destes equipamentos e tira um pouco da graça de se brincar com eles.

Os personagens também podem utilizar ataques especiais específicos com certas armas, mas tais movimentos gastam muita energia delas e não chegam nem perto de serem tão devastadores quanto parecem.

Agora, embora Bare Knuckle III seja muito mais fácil que Streets of Rage 3, isso não significa que ele é mel na chupeta. O desafio é em sua maior parte, equilibrado e justo, mas alguns chefes tem padrões de ataque que lhe dão muito pouco espaço para revidar, o que pode tornar certas lutas um pouco cansativas.

Algumas fases possuem obstáculos chatos, como buracos, carrinhos de mineração e armadilhas, que podem ser uma dor de cabeça em certas ocasiões. Mas se jogar de forma inteligente, é possível utilizar todos estes perigos contra seus inimigos.

Finalmente, Bare Knuckle III tem QUATRO finais! Que variam de acordo com a dificuldade em que se termina (o modo Easy libera um, os demais podem ser acessados do Normal em diante) e com sua capacidade de terminar as duas últimas fases em um tempo pré-determinado.

Isso aumenta razoavelmente o valor de replay de Bare Knuckle III... ou o diminui. Se não conseguiu matar o último chefe a tempo por causa de UM GOLPE aplicado na hora errada, acho mais provável você dilacerar o controle a dentadas do que começar uma nova partida.

E esta foi a última vez que ouvimos falar de Axel, Blaze ou do tranqueira do Sammy. A Sega trancou os personagens em uma gaveta e nunca mais produziu nada novo com eles, dedicando-se apenas a lançar mais games da série Yakuza do que alguém é capaz de jogar e em bolar novas maneiras de destruir o que resta de credibilidade ao Sonic.

Mas eis que um grupo de fãs apaixonados entrou em cena e produziu Streets of Rage Remake, um trabalho de pura devoção que levou OITO ANOS para ser completado e que trazia o melhor da série, com novas fases, novos gráficos e extras o suficiente para fazerem o Andoré sorrir.

...

E que a Sega mandou ser tirado do ar, mesmo com o título sendo distribuído gratuitamente e após não se opôr a sua criação quando foi contatada por seus criadores.

Com ciúmes Sega? Sério?

Nota do Amer: 8.0

Cheers!!!

Captain Novolin

2011-04-07T22:16:00.008-03:00

Desde que criei este blog, quero escrever sobre Captain Novolin e tenho dois motivos pra isso.

Primeiro, ninguém conhece este game e me sinto na obrigação de divulgá-lo, pois eu não posso sofrer sozinho.

Segundo, mesmo aqueles que já ouviram falar deste game, não acreditam que ele existe. Me sinto na obrigação de provar que todos estão errados então... pois não posso sofrer sozinho.

Mas então, de que se trata Captain Novolin? Um tipo inédito de super herói, que combate males nunca dantes vistos pela humanidade?

...

Mais ou menos...

Captain Novolin é um super herói diabético que combate comidas alienígenas DO MAL enquanto tenta controlar o nível de açúcar no sangue.

...

...

...

Mas eu não conseguiria inventar uma coisa dessas nem que tivesse fumado o Charlie Sheen!

E sobre o que é esta atrocidade? Bem, um dia, Captain Novolin estava fazendo esteira, quando recebeu o chamado de emergência de...um cara, que lhe avisou que O PREFEITO HAVIA SIDO SEQUESTRADO POR COMIDAS ALIENÍGENAS DO MAAAAAAAAAL!!! Pior ainda, o prefeito tem suprimentos para diabetes que durarão apenas mais 48 horas! Ele precisa ser resgatado antes que fique sem insulina ou... o pior acontecerá!!!

PAN-PAN-PAAAAAAAAAN!!!

Captain Novolin então para a esteira... o que devia ter feito na hora em que recebeu o chamado de emergência, administra uma injeção de insulina (OH, você pensa que eu estou brincando), recebe conselho médico de dois doutores que mais parecem pesadelos em forma de gente e parte em luta contra as comidas DO MAL enquanto devora as comidas DO BEM!!!

Veja só, existem dois tipos de comida, a boa, representadas por torradinhas, frutas e tigelinhas de cereal, que são todas pequeninas, com perninhas e bonitinhas, e as comidas DO MAL que são rosquinhas, refrigerantes, cookies e outras do tipo, que são enormes e tem caronas perversas e retardadas. E você tem que comer a comida bonitinha, que está alí, simplesmente cuidando de sua vida e tentando não ser morta pela comida DO MAL.

O que me faz pensar, fora o prefeito, Captain Novolin e o sujeito que fez a chamada de emergência, não existem outros humanos na cidade. Os demais habitantes seriam as comidas boazinhas? Isso torna Novolin e os demais, devoradores imundos da população que deveriam proteger? E Novolin e o prefeito, que comprimem dois terços dos humanos aqui presentes, são diabéticos? Quais as chances disso acontecer?

Mais ainda, descobrimos que Captain Novolin é um mendigo cosplayer, pois mora em uma caverna... mas se for verdade, como ele pode ter um super computador e uma esteira? Isso me leva a uma conclusão ainda mais sombria... tlavez ele seja um mendigo que se infiltrou na caverna, matou o verdadeiro Captain Novolin, comeu seu corpo, roubou seu uniforme e agora se passa por ele.

...

POR QUE EU ESTOU ME PUNINDO DESSE JEITO???

Os gráficos. Como fazer jus ao que realmente são?

Ok, lembra quando você estava no Jardim da Infância e a professora dizia “hora do desenho livre”? Você corria, pegava seus lapis de cor e decidia desenhar o Superman lutando contra o Maguila. Todos fizemos isso ao menos uma vez.

No meio da pintura, você percebia que não tinha o azul adequado para pintar o uniforme do Super. Então usava azul bebê para o serviço e de repente, Kal El tinha uma roupa fosforescente, muito útil para cegar os vilões ou pedir carona em uma estrada deserta a noite. Já o Maguila, você pintava de laranja, pois não tinha lápis com a cor necessária pra fazer o tom de pele do sujeito.

No final, você tinha um Superman fosforescente lutando contra um pugilista radioativo e se amaldiçoava por ter insistido pra sua mãe que um estojo de lápis com sete variações de cor era o bastante.

É basicamente isso que os gráficos de Captain Novolin são: um desenho ruim feito por uma criança besta que não tinha lápis de cor o suficiente.

A animação dos personagens não é muito melhor. Os inimigos parecem ter um frame de animação só, enquanto Captain Novolin aparenta ter O DOBRO disso.

...

Pois é.

E os médicos... oooohhhh, os médicos...

Entre as fases, médicos dão conselhos sobre como Novolin pode controlar sua diabétes e Jesus amado, QUEM os desenhou tinha muita raiva destes profissionais. Digo, olha só pro médico da imagem acima! Parece o Carlton Banks após ter comido o tio Phil e tomado seu lugar como patriarca da família.

Canibalismo é um tema recorrente neste review, eu percebi também.

E agora, descreverei o audio. Imagine a Luciana Gimenez, falando sobre os problemas da Terra e como ela planeja resolvê-los comprando Dolce & Gabanna. Então ela soluça e reinicia o monólogo ad infinitum, e você tem um MP3 eternamente preso aos seus ouvidos, escutando isso para sempre.

É uma opção menos ruim que a música presente no jogo.

Ah bem, vamos encerrar esta bomba de uma vez e falar da jogabilidade.

Pois é simples, você avança pela tela, recolhe as comidas boazinhas e bonitinhas por nenhum motivo aparente, pois ela snão restauram sua energia ou lhe dão poderes, e tem de evitar os avanços das comidas alienígenas DO MAL.

Como todos os jogos da época que tentaram imitar Mario fizeram, sua única defesa contra os inimigos e saltar sobre suas cabeças. Diferente de Mario no entanto (porque aquele era um bom game), o efeito não é automático e o jogador precisa apertar o direcional para baixo para concretizar o ataque.

Antes que pergunte, Novolin não tem outras formas de defesa, pois alguém achou que um herói diabético não é bom o bastante para merecer uma pistola laser ou algo que o valha.

Os controles são atrozes, mais duros que uma pedra pomes e controlar Novolin é uma tarefa ingrata. Pra piorar as coisas, os inimigos possuem um padrão de movimentos bastante errático e é difícil prever como alguns deles irão agir. Você pode ter os melhores reflexos do mundo e eles não serão o suficiente para mantê-lo vivo aqui.

Mas talvez o maior problema de Captain Novolin seja o quanto tudo é vago. Agora, eu jogo vídeo games há bons 20 anos e neste tempo adquiri uma compreensão natural sobre como eles funcionam. Assim que pego um título novo, após alguns minutos de partida, já tenho uma boa idéia de como funciona e qual a melhor forma de jogá-lo.

Em Captain Novolin, perdi uns dez minutos só pra entender como o mini game de injetar insulina funciona. Se eu tive esse problema, imagine uma criança, pra quem este jogo foi feito? Claro, pode ser que o manual de instruções explique como tudo funciona, mas boa sorte em encontrar esta bomba com mais de uma década de idade completa com caixa e tudo mais, como na época em que foi lançada!

A jogabilidade ruim e falta de informações tornam Captain Novolin um jogo desnecessariamente difícil. Mas acho que esperei demais de um game educativo sobre diabetes.

...

Não, não. Eu não esperava nada e mesmo assim Captain Novolin me decepcionou. Mas que derrota.

E qual o meu veredicto final sobre este game?

*ARGH*

É esse.

Entendo que Captain Novolin foi criado com o orçamento de meia bisnaguinha, com a intenção de ajudar crianças diabéticas a entenderem melhor sua condição e a aprenderem a lidar com ela. Mas acredito que pimpolhos com este problema já sabem o bastante sobre ele (de outra forma, MORREM) e acredito que não precisam ser lembrados também por seus vídeo games sobre o quanto não podem comer porcarias como todo mundo.

Captain Novolin não ofende minha inteligência, como outros jogos (tipo Taboo: The Sixth Sense), mas eu não o recomendaria pro meu pior inimigo... ou pro Justin Bieber.

“Mas se é tão ruim assim, por que você não deu nota zero de uma vez?”

Porque o Carlton está neste game. E lembrar da sua dancinha sempre me faz sorrir.

“WHAT’S NEW PUSSYCAT? WOWOWOWOWOOOOO!!!”

Nota do Amer: 0.5

Cheers!!!

Dragon Age II

2011-04-01T00:10:00.016-03:00

A Bioware está rapidamente se tornando minha produtora de RPG’s favorita da atualidade. Ela não apenas é responsável por Mass Effect, a saga espacial mais perfeita a agraciar um console, como também criou um dos melhores cenários de fantasia medieval de que se tem notícia, o que sinceramente, não é uma tarefa fácil.

Dragon Age: Origins foi um bom início para a franquia, possuia personagens carismáticos, um enredo envolvente e conteúdo o suficiente (tanto no disco, como por conteúdo pra download) para manter uma pessoa presa ao console por semanas.

Infelizmente, a interface do jogo não era das melhores e seu combate era bastante travado, graças a isso, a experiência de Dragon Age: Origins se tornava desnecessariamente frustrante em alguns momentos.

Mas a Bioware aprendeu com seus erros, deu um muito necessário banho de loja em sua franquia medieval e a colocou no mesmo caminho para a grandeza que é trilhado por Mass Effect no momento.

Desta forma, acompanhe-me meu jovem, há muito que se ver nesta bela terra.

A história é contada via flashback por Varric, um dos membros principais de sua equipe no jogo. Em um interrogatório, Varric narra toda a aventura de que participou ao lado de Hawke, o protagonista, desde seu início humilde, até a glória do qual desfrutou ao fim de sua aventura.

Hawke é um refugiado de Ferelden, terra onde se passa Dragon Age: Origins. Ao se ver diante de uma guerra civil e do avanço de uma legião de seres das trevas, Hawke e sua família optam por deixar sua terra natal e seguirem para Kirkwall, cidade onde descobrem que são pouco mais que mendigos e precisam lutar se quiserem ter algo mais na vida.

Acompanhamos então uma história de crescimento pessoal que se estende por sete anos, período em que Hawke abandona a pobreza e se torna uma das pessoas mais importantes e influentes de Kirkwall. O herói (e consequentemente seus companheiros) eventualmente percebe que tudo tem seu preço e torna-se peça chave do conflito político travado entre as quatro frentes presentes na cidade.

Dragon Age II possui um enredo menos épico que seu antecessor, mas muito mais complexo. A aventura passada colocava o protagonista como a última esperança de todos os povos contra a Blight, enquanto aqui, Hawke não é um herói, mas alguém que está sempre no lugar certo na hora certa e que não foge de seu destino e graças a isso, alcança a grandiosidade.

Aliás, Hawke é sempre Hawke. Diferente de Dragon Age: Origins, não é mais possível escolher a origem ou raça do herói, apenas seu sexo. Embora a primeira vista pareça uma má decisão, temos um protagonista mais concreto graças a isso. Hawke ainda é uma folha em branco e as decisões do jogador moldarão sua personalidade, mas ele é bem menos genérico do que o Grey Warden.

Os membros de sua equipe também são indivíduos fascinantes, como Varric, o narrador da trama, que é um anão nascido na superfície, que faz questão de manter-se bem barbeado, Merril, a ingênua maga elfa que por um motivo terrível foi exilada de seu povo, ou Isabela, a capitã pirata que perdeu seu navio e tripulação, mas manteve sua língua afiada e voraz apetite sexual.

Cada membro da equipe possui uma história pessoal própria. É possível dedicar um bom tempo a simplesmente conversar com eles, bem como ajudá-los com missões pessoais (algo herdado diretamente de Mass Effect 2), eventos que revelam muito sobre o passado de cada um e os torna personagens muito mais tridimensionais.

Também é possível ter um romance com um de quatro dentre seus companheiros de equipe, e todos estão disponíveis para Hawke, seja ele um homem ou uma mulher. Se quiser, seu protagonista pode ser gay, uma decisão bastante ousada da Bioware e que mais produtoras deveriam seguir em minha opinião.

Finalmente, é possível carregar seu save de Dragon Age: Origins logo no começo da aventura. Isso não lhe dará nenhuma vantagem prática (exceto por um Achievement/Trophy ao fim do jogo), mas suas ações no título passado serão muitas vezes referenciadas aqui, bem como vários personagens que deram as caras anteriormente e que retornam, terão conversas específicas sobre algumas de suas experiências.

Veteranos do jogo original darão pulos ao reencontrar a bruxa do pântano, ou ao reverem um certo elfo famoso por seus galanteios...

Os gráficos receberam uma melhoria absurda, a primeira coisa a ser notada assim que ligamos o console. Os personagens principais estão muito bonitos, com características que os destacam de forma bastante particular, já os personagens secundários mais relevantes ao roteiro também receberam este tratamento e são muito mais marcantes agora.

As raças principais agora possuem qualidades físicas únicas, que aumentam ainda mais a diferença entre elas. Elfos agora possuem olhos maiores e mais expressivos, e um nariz mais reto, o que faz com que não mais se pareça com meros humanos de orelhas pontudas. A mudança visual maior no entanto, foi aplicada aos Qunari, que agora são gigantes pálidos e com chifres enormes, que os torna muito mais intimidadores que no passado.

Nem todos os personagens receberam a mesma atenção em sua aparência. Pessoas encontradas aleatoriamente pelas cidades parecem ter sido construídas com a ferramenta básica de criação de personagens (com o qual é possível modificar a aparência de Hawke) e nunca terão o mesmo apelo do elenco principal.

As animações ficaram melhores e mais fluídas, cada membro da equipe possui movimentos únicos, que condizem muito com suas personalidades. Monstros e cenários também estão mais detalhados e as magias possuem efeitos bem mais impressionantes desta vez.

Mas tenha em mente que Dragon Age II foi criado tendo televisões de alta definição em mente. Se jogar em uma televisão normal e minúscula (como foi meu caso), você poderá enfrentar aquele chato efeito em que as coisas na tela são “esticadas” para se adequarem do Widescreen para o Fullscreen. Se existe um game que provou que eu preciso de uma televisão nova, é este.

O som de Dragon Age II é grandioso, como não podia deixar de ser. Há horas e horas de diálogos gravados por excelentes atores, que fizeram um trabalho excepcional em capturar a essência de cada personagem. Um ou outro personagem coadjuvante parece ter sido dublado por alguém que estava com pressa de ir para casa, mas no geral, as atuações são do mais alto quilate.

A trilha sonora é épica, poderosa e se adéqua a todas as situações com perfeição. Enquanto jogar Dragon Age II, você se sentirá em um filme de fantasia medieval cuja trilha sonora foi composta por Basil Poledouris!

Ele mesmo!

Se não sabe quem é, pesquise!

Pois é!

A jogabilidade foi intensamente melhorada, especialmente no combate, que se tornou muito mais ágil e satisfatório. Agora, sempre que optar por atacar, um toque no botão de ação fará seu personagem responder imediatamente, com um segundo toque mais um ataque é proferido, e assim por diante. A dinâmica das batalhas se tornou muito mais próxima de um título de ação do que de um RPG.

Ataques especiais e magias podem ainda ser configurados em uma série de janelinhas no canto inferior direito da tela, para um acesso rápido durante combates. Se usar a cabeça e tiver bons reflexos, você pode emendar ataques normais e especiais em combinações mirabolantes que devastarão a maioria de seus inimigos.

As demais habilidades que não forem configuradas podem ser usadas através de um menu circular com abas para os diferentes poderes presentes e embora seja a mesma interface de Dragon Age Origins, ela se encontra muito mais limpa e fácil de ser entendida.

O mesmo vale para as telas onde se aumentam os atributos ou adquire-se habilidades ao se evoluir a equipe. Estão mais organizadas e é bem mais fácil se orientar e decidir quais habilidades são ou não relevantes para cada personagem. Se fizer tudo direito, seus personagens se tornarão quase imbatíveis, capazes de dizimar pelotões inteiros de soldados, magos ou demônios sem problema algum.

Dragon Age II possui um mapa menos vasto em comparação com seu antecessor, só é possível explorar áreas dentro da cidade de Kirkwall e algumas regiões fora de suas muralhas. Será preciso ir e voltar inúmeras vezes pelos mesmos lugares, o que pode se tornar maçante ou simplesmente não fazer diferença, dependendo do tipo de jogador que você é.

As diferentes partes de Kirkwall podem ser exploradas durante o dia ou a noite, que dão um contraste imenso ao lugar. Durante o dia, mercadores, guardas e cidadãos cuidam de seus afazeres tranquilamente, quando a noite cai, as ruas ficam desertas e gangues de bandidos esperam para tirar uma casquinha de gente desavisada. Tais encontros com patifes facilita um pouco sua vida caso precise de alguma experiência para ganhar Level, mas não espere encontrar aqui o mesmo tipo de grinding presente em JRPG’s.

A estrutura de progressão da história é centrada em três tipos de missões diferentes: as principais, que são atreladas ao roteiro e lhe permitem progredir na história, as secundárias, que lhe rendem bons itens, dinheiro e experiência, e as já mencionadas missões pessoais que são entregues por seus companheiros e que lhe dão a chance de descobrir mais sobre eles.

O sistema de relacionamentos também recebeu uma nova roupagem, agora ele pode oscilar entre amistoso ou rivalidade. Se for gentil e der presentes para seus camaradas, sua amizade com eles aumentará, caso seja agressivo, eles se sentirão inclinados a iniciarem uma rivalidade com Hawke. As decisões que toma em relação aos eventos da história também modificam a impressão deles sobre você, alguns amigos gostam quando Hawke é ganancioso, outros desgostam se você tomar o partido de magos em uma discussão. É importante prestar atenção a personalidade de cada um para saber como guiar sua relação com eles.

Dito isso, assim que maximizar seu relacionamento com algum personagem, seja pra amizade ou rivalidade, o mesmo receberá uma habilidade extra, que lhe dará vantagens no combate e impedirá que o abandonem no decorrer da aventura.

E sim, você pode namorar alguém com quem tenha alta rivalidade. Eu não faço a menor idéia de como isso funcionaria na vida real, mas que se dane, tamos falando de um video game.

Dragon Age II tem uma duração que vai de 30 a 40 horas, mas todo esse tempo vai passar voando. Este é um daqueles jogos que esticamos o máximo possível, fazemos tudo que ele nos oferece, não por um desejo de completismo, mas simplesmente porque não queremos que ele acabe.

Mas sem problema, após concluir a aventura, o jogo permanece em aberto, assim como aconteceu com Mass Effect 2. E se a segunda aventura da Comandante Shepperd nos ensinou algo, é que teremos DLC o suficiente para nos manter entretidos por pelo menos mais um ano.

Muito justo, afirmo sem medo de errar que Kirkwall é um excelente lugar para se passar os feriados.

Nota do Amer: 9.0

Cheers!!!

Gokujou Parodius

2011-03-23T20:19:00.005-03:00

Eu honestamente odeio quando alguém se refere a um Shooter como “jogo de navinha”. Pelas barbas de Odin, santa ignorância, Batman!!!

Dito isso, devo confessar que embora goste muito do gênero, não sou o maior especialista em Shooters do mundo. Eu alugava muitos games do tipo na juventude, mas raramente terminava um, o que se deve ao fato do gênero quase sempre trazer uma dificuldade imperdoável.

Jogue Axelay. Vai entender porque eu chorava todas as noites durante a adolescência.

Eis que surge Parodius, série da Konami que satiriza games clássicos da empresa e que traz uma dificuldade bem mais amena à mesa... na maior parte do tempo. Gokujou Parodius foi o segundo título da franquia a ser lançado para o Super Nintendo e mostrava uma evolução absurda em relação a seu antecessor, Parodius Da!

“Interessante, pode me falar mais a respeito Alucard?”

Claro, me acompanhe.

Gokujou Parodius não é o tipo de jogo que traz um enredo elaborado, seus criadores simplesmente juntaram um monte de bobagens, lhe deram um personagem armado e disseram “ali, atire naquilo”. Tudo aqui é feito em nome do bom humor e isso já é mais do que o suficiente para fazer o título valer à pena.

O número de personagens disponíveis quase triplicou. No Parodius anterior, tínhamos quatro naves a escolha, enquanto aqui temos onze... ONZE!!! E o elenco ficou ainda mais mirabolante, com criaturas como Hikaru, a coelhinha da Playboy que cavalga um míssil, Michael o porco Cristão que vem com auréola, asas de anjo e um curativo na virilha (hã?) e Koitsu, um boneco de pauzinhos que voa com um avião de papel e usa uma camisinha como escudo.

Pois é.

E jogadores obcecados com a história dos vídeo games tem um elemento extra de diversão aqui, que é reconhecer de onde veio cada personagem: Vic Viper é a nave da série Gradius, Pentarou é o pingüim heróico do clássico Antartic Adventure, Twinbee é o protagonista da série homônima, Goemon vem também de uma série homônima (que é conhecida no Ocidente como Legend of the Mystical Ninja), Kid Dracula vem de Boku Dracula-Kun... game sobre o qual planejo escrever há eras e Upa é o super bebê de Bio Miracle Bokutte Upa, game que eu aposto meu braço direito, nenhum de vocês conhece.

Aliás, Pentarou era o mascote da Konami, em uma época em que Solid Snake e Pyramid Head não existiam e a empresa ainda não era totalmente associada a espionagem e violência descabida.

Saudade...

Sendo que este não é um Shooter convencional, não enfrentamos inimigos convencionais. Os diversos obstáculos ao longo do jogo incluem não unicamente: polvos, abelhas, a Águia Americana, pingüins produtores de televisão, submarinos com cara de gato, coristas gigantes, morangos e kiwis enormes, e Moais.

A Konami tinha uma obsessão inexplicável com Moais antigamente.

Todos os personagens são bem desenhados e comicamente expressivos, os cenários são coloridos e inusitados (como a pista de corrida no meio de um bairro Japonês) e o jogo mantém um framerate bom e constante. Nos momentos em que a tela estiver mais infestada de inimigos a velocidade cai e os sprites falham, mas este problema consegue ser evitado na maior parte do tempo.

Os chefes chamam muita atenção, pois costumam ser IMENSOS e ocupam ao menos 1/3 da tela. Todos são bastante bem desenhados também, sem nenhuma pixelização óbvia, o que é bom se levarmos em consideração que na maioria das vezes estamos baleando garotas bonitas.

Talvez isso explique porque a série Parodius permaneceu exilada no Japão... atirar no rosto de mulheres não é exatamente um passatempo bem aceito no Ocidente.

A trilha sonora da série sempre foi um dos seus pontos de maior destaque e não havia razão para que desta vez fosse feito diferente. O game usa remixes de diversos temas clássicos de jogos da Konami, que vão desde Gradius a Castlevania. Mas os produtores de Gokujou Parodius não se prenderam apenas ao que já tinham em mãos e foram atrás de diversas outras músicas, algumas de domínio público, outras nem tanto, para compor o áudio de sua obra.

Dentre algumas das canções mais notáveis, pode-se destacar Stars and Stripes Forever (marchinha lendária de John Phillip Sousa), A Cavalgada das Valquírias (de Richard Wagner), Mambo Nº5 (de Peréz Prado) e até mesmo a 25º Sinfonia de Amadeus Wolfgang Mozart.

Isso mesmo, é a trilha sonora COM A FORÇA DE UM TOURO!!!

Um problema presente em diversos Shooters, é que a trilha sonora as vezes fica apagada, devido aos efeitos sonoros caóticos que acompanham a ação na tela. Isso não acontece aqui e podemos aproveitar as músicas em toda sua glória.

Há algo de poético em fritar a cara de um panda bailarino com lasers, enquanto um trecho de Carmen toca ao fundo.

Gokujou Parodius usa a jogabilidade clássica da série Gradius, o que é extremamente adequado, considerando que é uma sátira a mesma.

A progressão é lateral, a tela se move da esquerda para a direita e sua nave/personagem acompanha o movimento. Sua única missão é evitar os ataques inimigos e mandar chumbo grosso em tudo que puder.

É possível aumentar suas habilidades coletando “Orbs” que são deixadas por inimigos específicos ao serem derrotados. Após apanhá-las, um de vários itens em uma lista na base da tela é iluminado e o jogador pode ativá-lo para usufruir de seus benefícios. Tipos variados de tiro, aumento de poder de fogo, escudos e velocidade extra estão a disposição e você pode acioná-los na ordem que preferir, se achar que poder de fogo máximo deve ser a sua prioridade inicial, é só mandar ver, a escolha é sua.

Já que toquei no assunto, os personagens não são exatamente equilibrados, alguns se tornam monstros invencíveis quando tem seu poder de fogo maximizado, com disparos bastante fortes indo em várias direções e praticamente varrendo os inimigos (Koitsu e Dracula Jr. São especialmente culpados neste quesito). Outros tem escudos demasiadamente resistentes (Koitsu de novo) enquanto alguns sequer tem um escudo (como Upa).

A força extrema (argh, malditos Centurions) destes personagens pode quebrar um pouco o desafio do game, mas fica a critério do jogador quem ele prefere usar.

Outro tipo de Power Up do jogo são os sinos (herança da série Twinbee), que vem em diversas cores e fornecem os mais variados poderes. Alguns o deixam gigante e indestrutível por tempo limitado, outros o permitem criar uma fulminante barreira a laser e alguns lhe dão UM DETONADOR NUCLEAR que pode ser usado uma vez apenas, para limpar a tela de inimigos, ou dar um belo tapa na cara dos chefes.

Analogia inadequada, considerando quantos chefes são garotas. Peço desculpas às minhas leitoras.

Embora Gokujou Parodius não chegue ao mesmo nível de dificuldade de Gradius, R-Type ou Summer Carnival ’92: Recca, ele também não é mel na chupeta. Há enxurradas de inimigos presentes na maior parte do tempo, é preciso atenção constante para perceber os pontos seguros na tela e reflexos para mover sua nave até ela de forma eficiente.

Em diversos pontos haverão obstáculos enormes também, que dão apenas um mínimo necessário de espaço para o jogador passar, isso, somado ao fato de que os inimigos não param de surgir durante estes momentos é mais que o suficiente para causar um ataque histérico em algumas pessoas.

Finalmente, os chefes imensos não existem apenas para mostrar o quanto o Super Nintendo é poderoso e pode processar sprites de animação gigantes (se bem que...). Eles também limitam muito o seu campo de ação e um deslize é mais que o suficiente para lhe custar uma vida.

A dificuldade também está diretamente atrelada a quando o jogador evoluiu sua nave. Com bom poder de fogo, boa velocidade e um escudo, é possível sobreviver a quase tudo que o game joga contra você... mas perca uma vida (e conseqüentemente, todos os Power Ups) em uma fase mais avançada e você estará lascado.

MUITO lascado.

Gokujou Parodius lhe dá inúmeras chances de se recuperar quando isso acontece. É um pouco difícil, mas com alguma habilidade, dá pra sair do vermelho antes de chegar ao chefe da fase.

Gokujou Parodius é genial. A mistura perfeita de uma jogabilidade clássica entre os Shooters com o humor pirado dos quais só os Japoneses são capazes e que é tão raro no meio dos games.

Sim, raro. A única coisa de que me lembro que não é Parodius e também segue esse estilo é Gun Nac.
Para os fãs de um bom tiroteio espacial e que não se incomodam com um pouco de comédia non-sense, Gokujou Parodius é um título obrigatório. Vá lá jogar e depois me agradeça.

E se encontrar mais alguém que se refira a Shooters como “jogos de navinha”, me faça um favor e coloque uma banana de dinamite acesa nas calças do sacripanta e o jogue de um prédio em seguida. O mundo não sentira sua falta, eu garanto.

Nota do Amer: 8.5

Cheers!!!

Hatsune Miku: Project Diva 2nd

2011-03-17T17:16:00.008-03:00

Pois é, também não tou acreditando!!! Como um macho supremo como eu (ha ha, até parece) vai e joga um game como Project Diva? É uma história engraçada na verdade.

Um belo dia eu estava viajando pelo Twitter, quando ví que uma amiga estava falando muito de uma tal Hatsune Miku. Fiquei curioso para saber mais a respeito e minha amiga me apontou o jogo Hatsune Miku: Project Diva 2nd... e o resto é história.

...

...

...

Ok, é uma péssima história. Parecia muito melhor na minha cabeça. Mas Hatsune Miku: Project Diva 2nd é um game muito bom! Sem sombra de dúvida!

...

Eu juro!!!

Pois bem, quem é Hatsune Miku? Basicamente, é uma menina virtual que faz uso do programa Vocaloid para cantar.

Vocaloid é um programa onde uma atriz gravou todos os fonemas da língua Japonesa com sua voz, graças a isso, os usuários deste software podem reunir os sons para montarem quaisquer música que queiram. Em teoria, o sujeito pode recriar desde uma música do Johnny Cash até o tema de abertura dos Jovens Titãs.

Não surpreende ninguém, o programa foi um fracasso. Por mais abertos que os Japoneses sejam a esquisitices, nem mesmo eles viram graça em ficarem trancados em casa, na frente de um PC, recriando músicas.

Mas eis que alguém um dia pensou: “E se colocassemos uma menina adorável pra cantar as músicas reconstruídas com o Vocaloid?”

E então nasceu Hatsune Miku, que com sua fofura, somada a eterna paixão dos Japoneses por meninas pululantes, fez do Vocaloid um sucesso absoluto. A menina se tornou ídolo em seu país, passou a se apresentar em concertos lotados, fez aparições especiais em Animes e chamou atenção o bastante internacionalmente para acabar em uma péssima reportagem sobre próteses na televisão Brasileira.

É.

Mas claro, o maior sucesso da pequenina são seus jogos, senão eu não estaria escrevendo este review.

“E por que diabos você nos enrolou com essa história, Abner?”

Porque Project Diva 2nd não tem enredo, só garotas lindas e empolgadas que cantam, dançam e cantam mais um pouco... e eu não queria deixar este parágrafo muito curto.

...

Vamos em frente então.

A apresentação do game é seu maior chamariz e claramente, os produtores de Project Diva 2nd não mediram esforços para fazer um bom serviço.

Os gráficos são muito bons, os personagens são bonitos e possuem ótima animação. Isso faz toda a diferença, uma vez que o elenco passa todo seu tempo dançando e movimentação ruim nestes momentos afundaria o título.

Os personagens são todos desenhados em estilo Moe. Para quem não sabe, é um tipo de traço de Manga onde todos são representados com olhos ENORMES (mesmo para os padrões Japoneses) e traços que lhe garantam um aspecto “adorável”. Esse estilo é a atual febre do Japão e diversos Animes (Lucky Star, K-On e Haruhi Suzumiya) fazem uso dele. Se garotinhas animadas ultra fofinhas não fazem seu estilo, talvez você prefira ficar longe deste game.

Dito isso, não existe diferença real entre as personagens, o máximo de personalidade que veremos em cada uma é durante a tela de seleção dos mesmos: Miku é animada, Rin é dengosa, Luka é séria e por aí vai. A escolha de personagem apoia-se apenas em qual deles o jogador gostar mais.

A interface do jogo está totalmente em Japonês, sem opções para outros idiomas. Embora isso possa parecer um empecilho no começo, após algum tempo de jogo (e fuçando bem as opções) é fácil identificar o que é cada coisa. Boa parte das vezes há ainda um auxílio visual para quebrar seu galho, então não tem choro.

Os vídeos com as músicas são tratados como videoclipes e possuem uma ótima direção. A câmera nunca fica estática e os personagens interagem de forma convincente com os cenários. Vale a pena se lascar em algumas músicas apenas para se concentrar nos vídeos que as acompanham.

O áudio é definitivamente o ponto mais importante do título, o programa Vocaloid faz toda a diferença, pois dá um aspecto “robotizado” as canções, o que combina totalmente com a proposta do game já que estamos jogando com meninas artificiais.

Agora, uma coisa deve ficar clara: a trilha sonora de Project Diva 2nd é composta unicamente de J-Pop ultra sacarino. Se você só curte METAL e a única coisa vinda do Japão que consegue escutar é Detroit Metal City, este game talvez não seja o que você procura.

Mas se não ligar para canções tão açucaradas que o farão perder um dedão por causa de diabétes, pode jogar sem medo.

Muito bem, o que estou prestes a dizer provavelmente me tornará uma pessoa muito odiada por certos fanboys, mas aceitarei este risco pois sou um jornalista profissional.

Hatsune Miku: Project Diva 2nd é um game de ritmo. Agora, não sou um ultra expert neste gênero, mas já passei tardes inteiras tentando acertar notas virtuais em um video game. Já joguei Parappa the Rapper, Pop n’ Music, Guitar Hero, Rock Band e afirmo sem nenhum problema que, não importa o quanto esteja acostumado a estes games, Hatsune Miku vai chutar sua bunda.
Ah sim!

Em todos os demais games, as notas que precisam ser apertadas correm em um eixo fixo, seja no alto da tela ou embaixo, o jogador só precisa manter-se atento a um único ponto e deixar que seus dedos e reflexos façam o resto do trabalho.

Aqui, as notas aparecem espalhadas pela tela. Não apenas o jogador precisa ter os reflexos para apertar os botões certos na hora certa, como deve ficar eternamente atento, para poder ver onde as notas surgirão em seguida. Isso torna este título bem mais difícil do que os demais do gênero.

Para complicar mais, Project Diva 2nd registra sua precisão ao acertar as notas. Se quiser atingir a melhor pontuação, é necessária precisão cirúrgica na hora de apertar os botões, algo adquirido apenas com horas e horas de jogatina. O sistema de nota aqui presente também é um bocado implacável e lhe retira pontos por qualquer erro, mas só os adiciona após vários acertos, não é incomum falhar em uma canção onde você achou que estava arrasando.

Project Diva 2nd tem também uma tonelada de itens para serem destravados, que vão de músicas e personagens novos, até dezenas de roupas para o elenco e itens variados para decorar o quartinho virtual de seu personagem.

Chame de exagero. Eu chamo uma Luka vestida de Sarah Bryant de arte. ARTE!!!

Claro, destravar tudo isso requer que o jogador complete todas as canções em todos os níveis de dificuldade, o que leva um tempo considerável e provavelmente fará seus olhos caírem. Poucas coisas conseguem ser mais brutais que certas canções deste game jogadas no modo Extreme.

Não, nem Freebird vai te fazer suar tanto. Encolha-se numa bolinha e chore, pois chegou o dia em que uma menina virtual japonesa conseguiu ser mais hardcore que o Lynyrd Skynyrd.

Hatsune Miku: Project Diva 2nd é um game extremamente simples... como você deve ter notado pelo pequeno tamanho deste review. Mas é muito cativante, mesmo para quem não é fã de Anime ou um grande conhecedor de J-Pop.

Mas caso odeie música Japonesa ou lolitas saltitantes, fique longe, muito longe. Diabos, jogue Brutal Legend, que eu acho que será mais a sua praia.

Nota do Amer: 8.0

Cheers!!!

Bully

2011-03-01T22:22:00.011-03:00

Bully é sem dúvida um dos games mais polemizados de todos os tempos. Arrisco dizer que ele gerou mais polêmica até do que Grand Theft Auto.

Mesmo antes de ser lançado, Jack Thompson, então inexorável inimigo dos games, tentou bani-lo sem muito sucesso. Pouco antes de seu lançamento oficial, ele exigiu que um juiz visse o conteúdo “abominável” do game, para perceber o veneno horrendo que seria lançado sobre a nação. O juiz assistiu o jogo rodando por algumas horas, não viu nada de questionável nele, liberou seu lançamento e mandou Jack ir beijar a bunda de um octogenário.

Aqui no Brasil Bully gerou polêmica e foi proibido. De fato, se eu desaparecer de repente, é porque algum oficial de justiça desocupado achou justo pedir minha prisão por causa de uma crítica de videogame, afinal, não existem problemas maiores em nosso país.

Mas Bully merece toda esta fama? Ele possui de fato um conteúdo tão questionável? Pois é o que vamos descobrir!

Acompanhamos a vida e as atribulações de Jimmy Hopkins, um garoto normal de 15 anos, ou seja, feio, nanico, sardento e com um sério problema de atitude.

A mãe de Jimmy se casou pela enésima vez e planeja passar o próximo ano em um cruzeiro de lua de mel. Contudo, a presença de um adolescente que não controla sua raiva pode perturbar sua diversão, é quando a mulher tem a excelente idéia de colocar o guri em um internato pelo próximo ano.

E assim começa a vida acadêmica de Jimmy Hopkins na Academia Bullworth, um lugar cheio de professores hipócritas, com um diretor que fecha os olhos para os problemas óbvios do lugar, onde os alunos se separam em grupos que mais parecem gangues e o Bullying impera.

Nunca disposto a ficar parado, Jimmy toma os problemas da escola em suas mãos e decide se tornar o rei do pedaço, para unificar todas as gangues de alunos e colocar um fim ao Bullying. Claro,a presença do sociopata adolescente Gary Smith pode dificultar muito as coisas...

Bully é provavelmente o título mais leve já produzido pela Rockstar, ele se foca na comédia e nem de longe lembra o clima sombrio de Grand Theft Auto IV ou o drama de Red Dead Redemption.

Diabos, Bully também não chega nem perto da violência grotesca de Manhunt.

Tudo é exagerado, os quatro grupos de estudantes com quem Jimmy tem de lidar mais parecem aquelas gangues com visual e atitude exageradas, tão típicas das comédias das décadas de 70 e 80. Os nerds são obesos ou magrelos e falam quase que apenas como se estivessem em uma perpétua partida de Dungeons N’ Dragons, os Preppies são idiotas e se comportam como os típicos “garotos ricos malvados” do colégio, os Greasers agem como uma gangue de rebeldes dos anos 50, com cabelos cheios de brilhantina e jaquetas de couro e os Jocks são os atletas queridinhos da escola, grandes feito rinocerontes e tão espertos quanto.

Mesmo as missões em que Jimmy se envolve são completamente fora da realidade, com objetivos como invadir uma usina para confrontar um ex-aluno (em uma batalha dramática no interior da mesma) ou penetrar na fortaleza dos nerds, com mecanismos de defesa que fariam inveja ao Doutor Destino.

Claro, Jimmy pode arranjar brigas, jogar bombinhas no vaso sanitário, arremessar balões de água nos outros garotos, mas nada incomum a garotos de sua idade que passam a maior parte do tempo sem supervisão de adultos. E qualquer atitude extremamente negativa (como bater em garotas ou crianças pequenas) é castigada imediata e severamente.

A história coloca Jimmy no caminho da honra e é só desta forma que se pode chegar ao final do game. Acho que todos aqueles que ficaram contra Bully poderiam ter passado um pouquinho mais de tempo conhecendo-o, acredito que ficariam surpresos.

A apresentação do game segue bem o estilo Rockstar. Fãs de títulos da empresa sabem a que me refiro, mas para todos os demais, me explicarei.

Em primeiro lugar, é preciso saber que o jogo tem um território enorme, todo o terreno da escola, mais uma cidade dividida em zonas residenciais, comerciais e industriais, muito bem definidas. Como a prioridade dos criadores era criar um mundo vasto e aberto para ser explorado, eles tiveram de simplificar os visuais para que Bully não se tornasse um oceano de telas de Loading.

Não entenda errado, o visual é simples, não feio. As texturas dos personagens são muito bem feitas, só não possuem o nível de detalhamento absurdo de certos games da mesma geração. Bully pode ser facilmente considerado o game mais bonito que a Rockstar lançou para o Playstation 2.

E a simplicidade visual funciona a favor da fluidez do jogo. Telas de Loading surgem apenas quando Jimmy vai para algum ambiente interno e mesmo nestes momentos, tudo ocorre de forma muito suave, quase imperceptível. Considerando o tamanho do território aqui apresentado, os programadores mais uma vez fizeram mágica com as ferramentas que tinham em mãos.

Mais impressionante é ver que os criadores de Bully se deram ao trabalho de dar uma aparência e identidade diferentes para cada aluno. Preste atenção em Beatrice e Lola e vai perceber inúmeros contrastes na linguagem corporal das duas meninas.

O audio é muito bem executado, como não poderia deixar de ser. Gerry Rosenthal está perfeito como Jimmy, assim como Peter Vack interpreta Gary com maestria, todos os demais membros do elenco estão ótimos em seus papéis e dão a personalidade necessária aos outros personagens.

A trilha sonora é extremamente discreta, mas funciona com perfeição. Na maior parte do tempo, uma música acompanha as ações de Jimmy e muda de acordo com a situação, seja porque o garoto montou em uma bicicleta, se enfiou em uma briga ou simplesmente está caindo de sono.

Fique de ouvido atento à música do game e perceba suas nuances, tenho certeza que irá se impressionar.

Ok, hora de falar da jogabilidade. Preste atenção, pois há muito o que se saber aqui.

Bully é um game estilo Sandbox, ou seja, possui jogabilidade aberta. Em outras palavras, você pode fazer praticamente tudo que te der na telha. Quer sair pela escola arranjando briga? Sem problema! Ficou com vontade de dar um role de bicicleta? Fique a vontade! Tá a fim de fugir do toque de recolher e ver até quando consegue ficar acordado? Manda ver!

O progresso na história se dá por missões, todas marcadas no mapa e que aparecem no cenário como óbvios sinais amarelos no chão, basta pisar neles e ativá-los para ver uma cena em que os personagens envolvidos lhe explicam os pormenores da mesma e então cumprir a tarefa que lhe é dada. As missões começam simples e se tornam mais complexas e difíceis conforme se avança na aventura. Elas também englobam todo tipo de trabalho, desde bancar o guarda costas, ter o encontro perfeito com uma garota em um parque de diversões, ou fotografar um professor corrupto vendendo resultados de sua prova para os alunos.

Também é possível assistir aulas... ora essa, você está numa escola.

O currículo inclui Química, Inglês, Oficina, Artes, Educação Física e Fotografia. Você pode matar aula se quiser, mas se um monitor da escola o pegar, você será enviado diretamente à sala de aula. É mais recomendável completar cada curso, pois cada vez que terminar um nível de um deles, receberá alguma bonificação que tornará sua vida mais fácil.

Por exemplo, a cada aula de Oficina que completar, Jimmy ganha uma nova e melhor bicicleta, enquanto as aulas de Artes lhe permitem dar beijos mais longos e mais... “potentes” nas meninas, o que revitaliza sua energia acima de 100%.

Jimmy também se envolve em muitas brigas e é mais do que preparado para se virar nelas.

Bully conta com um bom sistema de luta, onde é possível usar diversos tipos de combos e agarrões para se dar bem. Jogadores inseguros com suas habilidades de combate corpo a corpo podem fazer uso de seu estilingue (ou bodoque, dependendo da região do Brasil que morar), bombas fedidas, canhões de batata ou diversas outras tralhas para derrotar seus inimigos.

Yep, você leu direito: canhão de batata. Como ainda tem gente que acha que Bully é um corruptor de menores, não faço a menor idéia.

Enfim, novos golpes podem ser desbloqueados sempre que Jimmy participar das aulas de Educação Física que envolvem luta livre, ou levando-se peças de rádio para o veterano de guerra que mora atrás do terreno da escola.

Fora tudo isso, Bully tem um gazilhão de coisas que podem ser feitas para ocupar seu tempo, desde participar de corridas (de bicicleta e de kart) pela cidade, praticar boxe no ginásio, cortar grama ou entregar jornais pra descolar uma graninha ou coletar todos os itens espalhados pelo mapa, que vão de elásticos a cards de personagens de RPG.

Seria bom se todas essas coisas contassem pontos como atividades extra curriculares na vida real.

Bully foi uma vítima infeliz em uma guerra contra um inimigo inexistente.

Jornalistas mal informados o trataram como um câncer preparado para devorar “nossas crianças” e pessoas impressionáveis levaram a campanha de desinformação a sério, simplesmente porque o nome do game é a nova palavra da moda que as muitos adoram usar fora de contexto para justificar suas inadequações.

Mas não foi só a grande mídia e pessoas sem noção que prejudicaram Bully, essa história toda só mostra que nós, como Gamers, temos muito que amadurecer se quisermos que nossas opiniões sejam levadas a sério.

Enquanto a comunidade jogadora for representada quase que em sua totalidade por Trolls semi alfabetizados que acham que gritar palavras racistas é uma forma de expressão válida, muitos outros games serão julgados erroneamente.

Pensem nisso um pouco, ok?

Nota do Amer: 9.0

Cheers